MES DE MAYO – CAPTURAR EL INSTANTE, LOS FOTÓGRAFOS EN EL CINE

Las películas de este mes de mayo se seleccionaron con la propuesta que Isidoro Zang compartió con nosotros, de realizar un ciclo en el cual los fotógrafos y fotógrafas son los protagonistas. Además, cada proyección será presentada por reconocidos fotógrafos de Salta.

El CINE CLUB DE LOS MIÉRCOLES DE LA FUNDACIÓN COPAIPA es un proyecto orientado a exhibir obras cinematográficas nacionales e internacionales, destacadas por su calidad artística y temática. El ingreso al Cine Club es exclusivo para socios, pero para todas las personas que deseen disfrutar de las proyecciones, pueden adherirse abonando una cuota anual de $100. Este costo es sólo simbólico y representa un compromiso con el proyecto.


Miércoles 30 de Mayo
BAJO EL FUEGO

Presentada por Lisardo Maggipinto

DIRECTOR: ROGER SPOTTISWOODE
PAÍS: EEUU
AÑO 1983
DURACIÓN: 118 minutos
GUIÓN: Ron Shelton & Clayton Frohman
MÚSICA: Jerry Goldsmith
FOTOGRAFÍA: John Alcott
REPARTO: Nick Nolte, Gene Hackman, Joanna Cassidy, Jean-Louis Trintignant, Ed Harris y otros.
PREMIOS: 1983: Nominada al Oscar: Mejor banda sonora original y David di Donatello: Mejor productor extranjero.

BAJO EL FUEGO es un digno retrato de la vida de los corresponsales de guerra, en este caso cubriendo la caída del dictador Anastasio Somoza por parte del Frente Sandinista, presentando las vicisitudes con las que se encuentran, las problemáticas que les sobrevienen, los dilemas morales que les surgen, su implicación sobre el conflicto que cubren, los peligros a que se ven sometidos, el encuentro con los agentes dobles y los amores inconstantes entre compañeros, todo esto con una mirada de comprensión y acercamiento con los rebeldes sandinistas.
Una película de ritmo brillante, acelerado, con unas interpretaciones totalmente convincentes y correctísima escenografía. El trabajo de los actores es superlativo, sobresaliendo Nick Nolte y Gene Hackman, con una presentación extraordinaria de Jean-Louis Trintignant, la elegancia de Joanna Cassidy, y en el papel más odiado, un excelente Ed Harris, como un mercenario totalmente amoral.
Una denuncia del doble juego de Estados Unidos.
Una de las películas norteamericanas más comprometidas de los años ochenta. Por una parte, supone una atrevida denuncia de la intervención estadounidense en las dictaduras de América Latina; por otra, plantea el dilema del grado de compromiso de los informadores de la prensa internacional con la "causa más justa".
ROGER SPOTTISWOODE dirigió una película que nos narra la situación en la que viven muchos reporteros y corresponsales de guerra, presas de la indecisión ética a la hora de exponer la verdad de lo que ven, o las limitaciones, obviamente por presiones políticas, en las que se ven impuestos.


Miércoles 2 de Mayo
LA CIUDAD DE LOS FOTÓGRAFOS

Presentada por Isidoro Zang

Director: SEBASTIÁN MORENO

AÑO: 2006
DURACIÓN: 80 minutos
PAÍS: CHILE
GUIÓN: Claudia Barril, Nora Fernández, Sebastián Moreno
MÚSICA: Manuel García, Silvia Paredes
FOTOGRAFÍA: Davis Bravo, Sebastián Moreno
PREMIOS: Mejor Documental Internacional, 3° Festival de Cine Latino de Paris, Francia 2008 Mejor Documental, Primer Festival internacional de documentales de Irán 2007 Mejor Documental sobre Derechos Humanos, Festival internacional de cine latino de San Francisco 2007 (EUA) Premio del Público, Cardiff Latino Film Festival 2007 (Inglaterra) Mejor documental, DOCUSUR, Festival internacional de documentales del sur 2007 (España, Tenerife) Mejor Documental, Festival internacional de Cine de Viña del Mar 2007 (Chile) Mejor Documental y mejor investigación, Festival de Cine de Valparaíso 2007 (Chile) Mejor Documental Festival de Cine Africano, Asiático y Latinoamericano de Milán 2007 (Italia)

Durante el período de la dictadura de Augusto Pinochet, un grupo de chilenos fotografió las protestas y la sociedad chilena en sus más variadas facetas. En la calle, al ritmo de las protestas, estos fotógrafos se formaron y crearon un lenguaje político. Para ellos fotografiar fue una práctica de libertad, un intento de supervivencia, una alternativa para poder seguir viviendo. Sus fotografías sirvieron para apoyar el testimonio de las víctimas de la dictadura y fueron fundamentales para iniciar procesos de justicia. Ellos representan el inhóspito pasado de Chile y la metamorfosis de la sociedad chilena. Esta película habla de ellos.

Miércoles 9 de Mayo 
LOS NIÑOS DEL BARRIO ROJO

Presentada por Gri Moreno

Director: ZANA BRISKI
AÑO: 2004
DURACIÓN: 87 minutos
PAÍS: ESTADOS UNIDOS
GUIÓN: Zana Briski y Ross Kauffman
MÚSICA: John McDowell
FOTOGRAFÍA: Jack N. Green
REPARTO: Shanti Das, Avijit, Suchitra, Manik, Gour, Puja Mukerjee, Tapasi, Mamuni y Kochi.
PREMIOS: Ganadora del Oscar 2004 a la mejor película documental.

¿Puede el arte cambiar la vida de unos niños condenados a la miseria y el olvido? LOS NIÑOS DEL BARRIO ROJO es una crónica de cómo la fotógrafa Zana Briski intentó ofrecer una oportunidad a los hijos de las prostitutas del barrio Rojo de Calcuta enseñándoles a manejar una cámara de fotos. Conmovedor y sincero, el documental es un tributo a la resistencia de la infancia y al poder restaurador del arte.



Miércoles 16 de Mayo
LOS PUENTES DE MADISON

Presentada por Lucas Alascio

Director: CLINT EASTWOOD
AÑO: 1995
DURACIÓN: 124 minutos
PAÍS: ESTADOS UNIDOS
GUIÓN: Richard LaGravenese. Novela de Robert James Waller
MÚSICA: Lennie Niehaus
FOTOGRAFÍA: Jack N. Green
REPARTO: Meryl Streep, Clint Eastwood, Annie Corley, Victor Slezak, Jim Haynie y otros.
"Esta clase de certeza sólo se presenta una vez en la vida".
Robert Kincaid no puede sospechar que al final del camino lo espera una experiencia única, irrepetible, que marcará su vida para siempre. Acostumbrado a la vida nómada de fotógrafo profesional, Robert, es un hombre que ha viajado por los lugares más exóticos del planeta. Su trabajo lo lleva a Madison County, famoso por sus puentes techados, un apartado rincón de Iowa donde Francesca, vive una plácida madurez, añorando la Italia que dejó hace años para casarse con un soldado americano. La fuerte atracción que surge entre Robert y Francesca despierta en ellos ese tipo de emociones que se creen olvidadas, pero que habitan en cada uno de nosotros. El gran Clint Eastwood dice a propósito de su película: "Es una historia de relaciones humanas. No hay efectos especiales, sólo actores, amor y emoción. No creo que puede pedirse más al cine". Las interpretaciones que completan Eastwood y Streep son magistrales. Son los únicos personajes de la película, y consiguen darle el tono adecuado, intenso pero equilibrado. LOS PUENTES DE MADISON es poderosa, sutil y muy sugerente, y Clint Eastwood demuestra su maestría en el arte de dirigir.

Miércoles 23 de Mayo

BLOW UP

Presentada por Alejandro Arroz

Director: MICHELANGELO ANTONIONI

AÑO: 1966

DURACIÓN: 111 minutos

PAÍS: REINO UNIDO

GUIÓN: Michelangelo Antonioni MÚSICA: Herbie Hancock

FOTOGRAFÍA: Carlo Di Palma

REPARTO: David Hemmings, Vanessa Redgrave, Sarah Miles, Peter Bowles John Castle, Jane Birkin y la modelo Veruschka von Lehndorff.

PREMIOS: Mejor Director. Palma de Oro en el Festival Internacional de Cine de Cannes 1966.

Inspirándose en el relato de Julio Cortázar “Las babas del diablo”, Michelangelo Antonioni realiza una película que, con argumento de thriller, termina erigiéndose en un desenfrenado juego visual. Por encima de la intriga de lo descubierto por el fotógrafo “Thomas”, el espectador asiste a un baile de imágenes, colores y sonidos que constituyen la clave de la idea transmitida. El protagonista se asume como espectador, como "ojo al otro lado". A lo largo de toda la película se subrayan el exhibicionismo y el voyeurismo, la propia cámara de Antonioni sitúa al espectador en una confusión de perspectivas, ya no se sabe quién es el que observa: Thomas, la cámara de Thomas, la imaginación de Thomas.

REFERENCIAS
FILMAFFINITY
http://www.laciudaddelosfotografos.cl/
http://www.larevelacion.com/Cine/blowup.html
http://www.blogdecine.com/criticas/los-puentes-de-madison-breve-encuentro

http://www.decine21.com/Peliculas/Los-puentes-de-Madison-4213

http://www.todocine.com/mov/00514257.htm
http://www.lecturalia.com/libro/19336/los-puentes-de-madison-county
Imdb.COM – Internet Movie Data Base

FUNCION PRIVADA DE PALLCA

Con el apoyo del Cine Club de los Miércoles de la FUNDACION COPAIPA, se llevó a cabo en la ciudad de Salta, la primera función privada de la película PALLCA dirigida por Alejandro Arroz. Las proyecciones se realizaron a las 10, 17, 19 y 21 hs. del jueves 19 de abril pasado, Día Internacional de los Pueblos Originarios de América instituido en la ciudad de Patzcuaro (México) dentro del 1ª Congreso Indigenista Interamericano para una Conferencia Interamericana Indigenista, con el objetivo de salvaguardar y perpetuar las culturas aborígenes de todo el continente.

   

La niña Ludmila Vince Monzón, Lucrecia Ramos y Rodolfo Cejas, actores de Pallca, junto a las protagonistas Fabiola Monteyanos y Celina Gutierrez.  Las acompañan Daniel Gauna, el escenógrafo Miro Barraza, y Alejandro y Matias Arroz

Cuatrocientos invitados entre los que se encontraban actores, técnicos, músicos, periodistas, funcionarios nacionales, dirigentes indígenas, investigadores y pobladores de Iruya y San Isidro, lugar de rodaje de la película, se dieron cita para ver PALLCA, antes de su estreno nacional. La película fue producida por el Taller de Cine de Salta luego de obtener el 1º Premio del Concurso Nacional de Guiones sobre Niñez y Juventud. Organizado por el Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales (INCAA).

Trabajando en San Isidro de Iruya.

EL ARGUMENTO: Celina, una pequeña niña de 11 años perteneciente a una comunidad kolla, quiere ser maestra y usar los tradicionales zarcillos de la puna. Mediante esta sencilla trama, Pallca se propone mostrar los contrastes entre una antigua forma de ver el mundo y la actual vida de las grandes ciudades latinoamericanas inmersas en la globalización. De cómo subsisten ancestrales ritos mezclados con la falta de oportunidades para crecer como seres humanos. Y de cómo transcurre parte de la vida cotidiana en la montaña.

Anastacio López, Kevin Bustamante, Celina Gutierrez, Clementina Subelza y Fabiola Monteyanos, los protagonistas.

LOS ACTORES: Por primera vez en la historia del cine nacional, todos los papeles principales de la película fueron cubiertos por integrantes de una comunidad kolla. La piel, los rasgos, y los movimientos corporales andinos serían muy difíciles de reproducir con éxito por actores de la ciudad. La niña Celina Gutiérrez de solo 9 años de edad, y que fuera aplaudida de pie por el público presente, tuvo a su cargo el papel protagónico, acompañada por los abuelos Anastacio López y Fabiola Monteyanos que junto a Clementina Subelza y el niño Kevin Bustamante, completaron el elenco principal. A ellos se sumaron reconocidos actores profesionales como Alberto Benegas, Rodolfo Cejas y Lucrecia Ramos.

Parte del equipo técnico al inicio de rodaje.

EL EQUIPO TECNICO: El equipo técnico estuvo conformado por profesionales de la región entre los que se destacan Martín Aibar como Director de Fotografía, Norberto Ramírez en el sonido, Mariano Rosa en la asistencia de dirección, el artista plástico Miro Barraza en la escenografía y Bernabé Montellanos autor de la música original.  Todos ellos debieron afrontar grandes dificultades logísticas durante el rodaje ya que San Isidro es una comunidad distante a 8 km. a pie de Iruya, por lo que toda la producción debió hacerse a lomo de burro o caballo. Allí se proyectará la película el 16 y 17 de mayo próximo, función organizada para las familias que participaron de la producción coordinadas por el grupo AWAWA y el Equipo de Comunicación con Identidad de Pueblos Originarios.


Más información en: http://pallcafilm.blogspot.com

MES DE ABRIL - ANIMALES DE PELICULA

El 29 de Abril es el día del Animal y durante este mes vamos a homenajearlos proyectando películas en las cuales ellos son los protagonistas.

El ingreso al Cine Club es exclusivo para socios, pero para todas las personas que deseen disfrutar de las proyecciones, pueden adherirse abonando una cuota anual de $100. Este costo es sólo simbólico y representa un compromiso con el proyecto.


Miércoles 25 de Abril


TIBURÓN (JAWS)
Director: STEVEN SPIELBERG
AÑO: 1975
DURACIÓN: 119 minutos
PAÍS: ESTADOS UNIDOS
GUIÓN: Peter Benchley, Carl Gottlieb (Novela: Peter Bentchley)
MÚSICA: John Williams
FOTOGRAFÍA:Bill Butler
REPARTO:
BRUCE, el TIBURÓN con Roy Scheider, Robert Shaw, Richard Dreyfuss, Lorraine Gary, Murray Hamilton, Carl Gottlieb, Jeffrey C. Kramer
SPIELBERG hizo gala de su sentido del humor al llamar al tiburón con el nombre de su abogado.


PREMIOS:
1975: 3 premios Oscar: Montaje, Música, Sonido. Nominada a mejor Película.
1975: Globo de Oro: Música. Nominada a Drama, Director y Guión.
1975: Premio BAFTA: Música. 6 nominaciones incluyendo Película, Director y Actor.

TIBURÓN es, sin ninguna duda, no sólo una de las obras maestras de Steven Spielberg, sino una obra maestra del género de suspense. Magníficamente dirigida, Spielberg consigue mantenernos con el alma en vilo, jugando con la cámara, mostrándonos sólo lo necesario para que nosotros imaginemos lo demás y ayudado por una excepcional banda sonora.


Con el talento desbordante de Spielberg, TIBURÓN  es un hito en el cine, no mostró el origen de nuestros miedos, sólo los insinuó.

Miércoles 4 de Abril


BOMBÓN, EL PERRO
Director: CARLOS SORIN
AÑO: 2004
DURACIÓN: 95 minutos
PAÍS: ARGENTINA
GUIÓN: Carlos Sorin, Salvador Roselli, Santiago Calori
MÚSICA: Nicolás Sorín
FOTOGRAFÍA:Hugo Colace
REPARTO:
GREGORIO (Bombón o Lechien). Dogo argentino. Hijo de ACG - Estuque de Santa Isabel y Pacha, de Nueva Córdoba. Ha obtenido innumerables trofeos en exposiciones caninas de diversas partes del mundo. Este es su debut cinematográfico. Sus ídolos son Lassie y Rin-tin-tin.
Juan Villegas (Coco), Walter Donado (Walter), Micol Estévez (Gracielita), Kita Ca (Señora de la estancia), Pascual Condito (Pascual), Claudina Fazzini (Claudina), Carlos Rossi (Gerente), Mariela Díaz (Hija), Rosa Valsecchi (Susana), Sabino Morales (Sabino).
PREMIOS: 2004: San Sebastián: Premio Especial de la Crítica

Coco ha trabajado toda su vida en una estación de servicio en la Patogonia, pero cuando ésta se vende, se queda sin trabajo. Desocupado y sin muchas expectativas, sobrevive intentando vender cuchillos artesanales que él mismo fabrica. Un excelente perro dogo de pura raza, acabará convirtiéndose no sólo en su amigo, sino en la esperanza de una vida mejor. SORÍN parece haber encontrado su lugar en el mundo y allí desplaza sus piezas con un infinito amor.

CARLOS SORÍN apuesta a la sencillez, eliminando todo simbolismo y sus historias se instalan en un universo amable. EL PERRO no desafía estas características; las profundiza. No hay cuestionamientos (pese a algunas insinuaciones) hacia los personajes, sino la actitud de focalizar sobre el futuro de cada uno de ellos. Un mundo que se va creando y definiendo a lo largo de los caminos desérticos del sur.

Miércoles 11 de Abril


LOS PÁJAROS
Director: ALFRED HITCHCOCK
AÑO: 1963
DURACIÓN: 102 minutos
PAÍS: ESTADOS UNIDOS
GUIÓN: Evan Hunter (Relato: Daphne Du Maurier)
MÚSICA: Bernard Herrmann
FOTOGRAFÍA: Robert Burks
REPARTO:
Miles de pájaros y gaviotas
Tippi Hedren, como Melanie; Rod Taylor, como Match; Jessica Tandy, Suzanne Pleshette, Veronica Cartwright, Ethel Griffies, Charles McGraw, Doreen Lang, Ruth McDevitt, Joe Mantell, Alfred Hitchcock.
PREMIOS:
1963 - Nominada al Oscar: Mejores efectos visuales
1963: Globos de Oro: Mejor nueva actriz (Tippi Hedren)

SIR ALFRED HITCHCOCK (1899 - 1980) fue un director extraordinario que acumuló una enorme cantidad de clásicos a lo largo de su vasta trayectoria. Fue un personaje dentro y fuera de las pantallas. Tenía un talento impecable para generar suspenso, escenas memorables y especialmente, elegir excelentes guiones.

LOS PÁJAROS es un filme que tiene un ritmo de relojería suiza, como es usual con las obras del director inglés.

Hasta el estreno de LOS PÁJAROS, transcurrieron tres años desde la última película del maestro del suspense. Años, no de descanso, sino dedicados a la meticulosa preparación, tanto del guión, como de los recursos técnicos y efectos especiales que habrían de emplearse en este rodaje. El resultado, tal vez, el largometraje más difícil y complejo de la filmografía de HITCHCOCK.

Una historia, en la que utiliza a los pájaros como protagonistas, cargados de un contenido simbólico.

Las increíbles reacciones de los pájaros constituyen un vapuleo al control de lo cotidiano, a manos de lo insólito. La alteración imprevista del orden natural, pone de relieve la ridícula imagen que el hombre se otorga a sí mismo; pretendiendo ser el dueño de la realidad, encontrándose ahora abandonado en su propio desconcierto, sin esquemas y sin cómodas normas por las que regirse.

El eterno tema hitchcockniano llevado al extremo: el individuo zarandeado por el azar.

La ambigüedad del filme se abre a cualquier especulación, pues la arbitrariedad de los acontecimientos es total. Todas explicaciones racionales que intentan mantener las pautas de la lógica, son ridiculizadas por el director en la escena del bar de Bahía Bodega, con la extraña ornitóloga, como árbitro de la ciencia. Nadie puede explicar lo que sucede, ni los personajes, ni el espectador.

Para recalcar que el caos puede subyacer en lo más elemental, HITCHCOCK hace protagonistas de la catástrofe, no a animales extraños y desconocidos, sino a los habituales del lugar: gaviotas, cuervos o gorriones. Los únicos pájaros exóticos que aparecen en la pantalla son los periquitos que serán los únicos pacíficos.

Acaso cabría interpretar, que para los personajes, los pájaros son el desastre, el caos y para HITCHCOCK, son solamente la representación de los propios temores del hombre abandonado al azar, a la precariedad de su capacidad para controlar la vida y la muerte. Los pájaros no existen, son nuestros miedos.


Miércoles 18 de Abril


EL VIAJE DEL EMPERADOR (La Marche de l'empereur)
DOCUMENTAL
Director: LUC JACQUET
AÑO: 2005
DURACIÓN: 85 minutos
PAÍS: FRANCIA
GUIÓN: Luc Jacquet & Michel Fessler
MÚSICA: Emilie Simon
FOTOGRAFÍA: Laurent Chalet & Jérôme Maison
REPARTO:
PINGÜINO EMPERADOR (Aptenodytes Fosteri). Supremo y más digno representante de todos los pingüinos. Pueden alcanzar la asombrosa altura de 120 cm., y pesar alrededor de 30 kg.
De plumaje negro grisáceo en su zona dorsal y amarillento por debajo; cuello azul-grisáceo y parches anaranjados en las orejas. Poseen una espesa capa de grasa bajo la piel, cubierta a su vez por una densa superficie lanosa sobre la que crecen plumas con capacidad impermeable. Estas características le convierten en el pingüino mejor adaptado para sobrevivir en el Continente Antártico, aunque se encuentran en todo el Círculo Polar.

PREMIOS
2005: Oscar: Mejor documental
2005: 2 nominaciones Premios BAFTA: Mejor fotografía, montaje
2005: Premios Cesar: Mejor sonido. 4 nominaciones
2005: Nominada al David de Donatello: Mejor película europea
2005: National Board of Review: Mejor documental

Documental sobre los pinguinos Emperador en la Antártida. Cada año, comienza un emocionante y hermoso viaje. Cientos de miles de pingüinos Emperador abandonan la seguridad del océano para adentrarse en la desértica tierra helada. Una región tan dura y extrema que ningún otro ser vivo se atreve a habitar. Toda la comunidad de pingüinos marchan a través de este difícil paisaje de hielo. Con resolución y valentía conducidos por su necesidad de reproducirse con el fin de la supervivencia de la especie.
Esta es la historia de una familia de pingüinos. De cómo tras decenas de kilómetros y tras poner un único huevo, la madre regresa al mar a comer mientras el padre se queda para incubar el huevo a la espera de que la madre regrese. Los padres permanecen 4 meses incubando y sin alimentarse. Cuando los pequeños nacen, las madres tan sólo tienen 48 horas para regresar o los bebés pingüino morirán.
LA MARCHA DE LOS PINGÜINOS sigue el ritual reproductivo del pingüino emperador a lo largo de más de un año. Además de ser una proeza desde el punto de vista técnico, es también un eficaz ejercicio narrativo: la mano de JACQUET no permite jamás que el sufrimiento, el esfuerzo y el premio del cariño y del espíritu o del instinto de los pingüinos en los helados paisajes antárticos nos sean ajenos.





REFERENCIAS
FILMAFFINITY
http://www.cineismo.com/criticas/perro-el.htm
http://www.sssm.com.ar/arlequin/los-pajaros.html
http://www.alohacriticon.com/elcriticon/article976.html
http://www.letraslibres.com/revista/artes-y-medios/la-marcha-de-los-pingueinos-de-luc-jacquet
http://www.unmundodecine.com/2010/08/tiburon-pelicula-steven-spielberg-1975.html

http://espectadores.net/el-tiburon-de-spielberg/

Imdb.COM – Internet Movie Data Base

MES DE MARZO 2012 - 5° TEMPORADA

COMIENZO CON CINE EUROPEO

El 14 de Marzo a las 21:00 horas, iniciamos la 5° Temporada de nuestro Cine Club.
La idea fue comenzar con tres propuestas de Inglaterra, Dinamarca y España, que nos impactaron de alguna forma, más la presentación de cortometrajes de Juan Pablo Zaramella, previo a cada función.

Miércoles 28 de Marzo
TESIS



DIRECTOR: ALEJANDRO AMENÁBAR
AÑO: 1996
PAÍS: España
GUIÓN: Alejandro Amenábar (Argumento: Alejandro Amenábar, Mateo Gil)
MÚSICA: Alejandro Amenábar, Mariano Marín
FOTOGRAFÍA: Hans Burmann
REPARTO: Ana Torrent, Fele Martínez, Eduardo Noriega, Nieves Herranz, Rosa Campillo, Miguel Picazo, Xabier Elorriaga
PREMIOS:
1996: 7 Premios Goya: Mejor película, dirección novel, actor revelación (Fele Martínez), guión original, dirección de producción, montaje, sonido

Ángela, estudiante de cine, está preparando una tesis sobre la violencia audiovisual.

“Detrás de Tesis existe un auténtico director de cine (22 años) con genuina personalidad para crear tensión y mantener la atención del espectador.” (Carlos Boyero: Diario El Mundo).

Ana Torrent es la actriz de El Espíritu de la Colmena de Victor Erice y Cría Cuervos de Carlos Saura,

ALEJANDRO AMENÁBAR nació en 1972 en Chile. Con el golpe de estado de Pinochet, la familia se trasladó a España. Es compositor, guionista y director.

Aficionado en su infancia a idear historias de terror, estudió Imagen y Sonido en la Universidad Complutense madrileña.

Su inclinación al thriller lo llevó a filmar “Tesis” (1996), su primer largometraje que abordaba una intriga sobre las snuff movies.

El film fue producido por su descubridor, José Luis Cuerda y la música fue compuesta por el propio Amenábar, hecho que repitió en todas sus películas y de otros, también.

José Luis Cuerda también se encargó de la producción del segundo largometraje de Alejandro Amenábar, “Abre Los Ojos” (1997), título que conoció un remake en Hollywood, “Vanilla Sky”.

También dirigió la película de fantasmas “Los Otros” (2001), título protagonizado por Nicole Kidman que consiguió una excelente acogida internacional y el Goya a la mejor película, logrando también el galardón al mejor director y al mejor guión original, además de una nominación a la mejor música.

El drama “Mar Adentro” (2004) fue una película de nuevo escrita entre Amenábar y Gil, con montaje del propio director, que se basaba en las vivencias del parapléjico Ramón Sampedro con el protagonismo de Javier Bardem.

La película ganó el Oscar y el Globo de Oro a la mejor película de habla no inglesa y catorce premios Goya, entre ellos mejor película y mejor dirección.

Más tarde dirigió "Ágora" (2009), film de carácter histórico ambientado en Alejandría y en los tiempos del primer cristianismo. Gira en torno a la figura de la astrónoma Hipatia encarnada en la película por Rachel Weisz.

El CINE CLUB DE LOS MIÉRCOLES DE LA FUNDACIÓN COPAIPA es un proyecto orientado a exhibir obras cinematográficas nacionales e internacionales, destacadas por su calidad artística y temática.
El ingreso al Cine Club es exclusivo para socios, pero para todas las personas que deseen disfrutar de las proyecciones, pueden adherirse abonando una cuota anual de $100, si no es matriculado del COPAIPA. Este costo es sólo simbólico y representa un compromiso con el proyecto.

Miércoles 21 de Marzo

CORTOMETRAJE: EN LA OPERA de JUAN PABLO ZARAMELLA

ITALIENSK FOR BEGYNDERE (Italiano para principiantes)


DIRECTOR: LONE SCHERFIG
AÑO: 2000
PAÍS: Dinamarca
GUIÓN: Lone Scherfig
FOTOGRAFÍA: Jorgen Johansson
REPARTO: Anders W. Berthelsen, Anette Stovelbaek, Ann Eleonora Jorgensen, Peter Gantzler, Lars Kaalund, Sara Indrio Jensen
PREMIOS:
2001: Festival de Berlín: Oso de Plata - Premio del jurado, Premio Int. de la Crítica FIPRESCI
2001: Festival de Cine de Valladolid: Espiga de Oro: Mejor película, Mejor Actor (Gantzler), Premio de la Juventud

Película del movimiento Dogma, alejada de temas trascendentales, complejos y oscuros. Explora la realidad humana con espíritu observador y descriptivo, sin pretensiones moralizantes. La obra cautiva, entretiene y complace.

Tercer largometraje de Lone Scherfig (Wilbur y An Education), que lo escribe y dirige. Primera película del movimiento Dogma que dirige una mujer. Rodada en Filmby, antigua base del Ejército en Avedore. Ganó el Oso de plata, el Premio del Jurado y el Premio de la crítica de Berlín. Obtuvo la Espiga de oro y el premio al mejor actor (Peter Gontzler) de Valladolid. Se hizo con otros premios y nominaciones.

La acción, que tiene lugar en una pequeña localidad danesa, se desarrolla en términos de presente (1999). Narra la historia de 6 personas singulares, necesitadas de afecto. Se conocen y traban amistad al asistir a un curso nocturno gratuito de italiano. El aire latino se contagia a los protagonistas, que viven inesperadas situaciones de enredo amoroso.

Miércoles 14 de Marzo

CORTOMETRAJE: VIAJE A MARTE de JUAN PABLO ZARAMELLA, director y animador independiente. Egresado del Instituto de Cine de Avellaneda como Director de Cine Animado, empieza su carrera profesional haciendo cortos que dirige, guiona y anima. Estos trabajos fueron premiados en los principales festivales del mundo. En Argentina, sus películas han obtenido por dos años consecutivos el premio al Mejor Corto del Año que otorga el Instituto de Cine y Artes Audiovisuales (INCAA), y el Cóndor de Plata al mejor cortometraje 2004 y 2005, por sus cortos "El Guante" y "Viaje a Marte". En 2010, el Festival Internacional de Animación de Annecy presentó una retrospectiva con sus trabajos. Su último cortometraje, "Luminaris", realizado en la técnica de pixilación, ha ganado el Premio del Público y el Premio Fipresci de la Crítica internacional en Annecy 2011.
http://www.zaramella.com.ar

LONDON RIVER

DIRECTOR: RACHID BOUCHAREB
AÑO: 2009
DURACIÓN: 87 minutos
PAÍS: Inglaterra
GUIÓN: Rachid Bouchareb, Olivier Lorelle, Zoé Galeron
MÚSICA: Armand Amar
FOTOGRAFÍA: Jérôme Alméras
REPARTO: Brenda Blethyn, Sotigui Kouyate, Roschdy Zem, Sami Bouajila, Bernard Blancan, Marc Bayliss
PREMIOS:
2009: Festival de Berlín: Mejor actor (Sotigui Kouyaté). Nominada al Oso de Oro.

Ousmane y Elisabeth son dos perfectos desconocidos: él es un musulmán residente en Francia; ella, una viuda cristiana que vive en una isla del Canal de la Mancha. Sus caminos se cruzan la mañana del 7 de julio de 2005, cuando una serie de bombas explotan en el metro de Londres.

RACHID BOUCHAREB, es un director de origen argelino. Algunas de sus películas son Telegramas visuales (2011), Fuera de la ley (2010), Indigènes (2006) y Little Senegal (2002).
Tiene como constante en su filmografía, la unión de dos protagonistas muy opuestos, que vienen de culturas distintas y profundiza en el nexo de unión de los dos personajes tan dispares, más que el suceso trágico.
BRENDA BLETHYN es la actriz inglesa de La Llamada (2009), Expiación (2007), Orgullo y prejuicio, (2005) Little Voice (1998), Secretos y mentiras (1996) y tantas otras.
SOTIGUI KOUYATE es un actor nacido en Mali, nacionalizado francés. Su obra en teatro y cine ha sido de altísima calidad, hasta su fallecimiento. Él fue el director artístico del Volta Ballet y de la Volta Theatre Company.

REFERENCIAS
FILMAFFINITY
http://www.20minutos.es
http://www.alohacriticon.com/elcriticon/article2053.html
Imdb.COM – Internet Movie Data Base

MES DE NOVIEMBRE - FIN DE TEMPORADA 2011 - CINE Y MÚSICA

El 22 de Noviembre se celebra el día de la Música y nuestro Cine Club ha organizado un homenaje a este arte, que ha acompañado al hombre desde los albores de su existencia, presentando películas en las cuales la música es protagonista en cada obra que vamos a disfrutar.

Todas las presentaciones, de cada una de las películas del mes de noviembre, fueron realizadas por profesionales de la música, del arte, del cine, del sonido, de la creatividad, amigos cinéfilos y amantes de la música.

Por otro lado, la proyección del miércoles 23 será la última de la Temporada 2011, y por lo tanto para celebrar el cierre, los invitamos a un brindis después de mirar la película.

Miércoles 23 de Noviembre

BAGDAD CAFÉ

Presentación a cargo de Viviana Martín

Director: PERCY ADLON
Guión: Percy Adlon, Eleonore Adlon, Christopher Doherty
Música: Bob Telson
Fotografía: Bernd Heinl

Año: 1987
Duración: 91 minutos
País: Alemania

Reparto: Marianne Sägebrecht, Jack Palance, Christine Kauffman, CCH Pounder, Monica Calhoun
Premios: 1988: Nominada al Oscar: Mejor canción original; Cesar: Mejor película extranjera; Premios Guldbagge (Suecia): Mejor película extranjera

En Estados Unidos, en medio del desierto de Mohave, Jasmin, una alemana y su marido tienen una fuerte discusión. Ella se baja del auto y llega a un bar de carretera, el BAGDAD CAFÉ, regentado por una mujer de raza negra llamada Brenda.
Jasmin se instala allí y, poco a poco, entabla amistad con los clientes habituales, mientras consigue transformar el destartalado local en un lugar muy popular, al que cada noche acude una numerosa clientela.
Una crónica del encuentro con "el otro" de la manera más radical.
Una música que siempre quedará en el recuerdo. Hay que dejarse envolver por las notas de Calling You, el tema compuesto por Bob Telson.
Es sin duda una metáfora al paraíso, representado por un pequeño café de carretera. Con esta premisa y la excelente banda sonora completan una de esas películas que nos deja una sonrisa en la cara cuando las hemos visto.

Miércoles 2 de Noviembre

ALEXANDER NEVSKY

Presentación a cargo de Pablo Herrera

Director: SERGEI M. EISENSTEIN
Guión: Sergei M. Eisenstein & Piotr A. Pavlenko
Música: Sergei Prokofiev
Fotografía: Eduard Tissé (B&W)
País: Unión Soviética (URSS)
Año: 1938
Duración: 112 minutos.

REPARTO: Nikolai Cherkasov, Nikolai Okhlopkov, Alexandr Abrikosov, Dmitri Orlov, Anna Danilova, Vera Ivacheva

Con música del gran maestro Sergei Prokofiev, en 1938, después de una década sin estrenar ninguna película, Eisenstein volvió a rodar otra obra maestra, su primera película sonora: un relato épico del siglo XIII sobre el príncipe Alexander Nevsky, que defendió victoriosamente el norte de Rusia del ataque de los teutones: la batalla se libró sobre la superficie helada del lago Peipus. También tuvo que hacer frente a la invasión de Rusia por el ejército mongol dirigido por Gengis Khan.

Lo impresionante del trabajo del director, es la extraordinaria compenetración que consigue entre la magnífica fotografía de Eduard Tissé y la soberbia banda sonora de Prokofiev, que es para muchos, la mejor de la historia del cine.

Su influencia ha sido notable. Al escuchar el inicio del corte de la batalla final, se podrá descubrir en sus acordes un preludio de lo que más tarde serían bandas sonoras como la de Tiburón, Psicosis y media docena de películas de suspense.

La película se rodó por encargo de Stalin para levantar los ánimos del pueblo ruso ante un posible ataque de la Alemania nazi.

Desapareció de los cines un año después, tras la firma del Pacto Molotov- Ribbentrop (pacto de no agresión entre la URSS y el régimen nazi).

Con la II Guerra Mundial a las puertas, Stalin ultimó este pacto de no agresión con Hitler, pero paralelamente a estas acciones políticas, Stalin preparó psicológicamente al pueblo soviético para la guerra que se avecinaba.

Mientras tanto, otras consignas se propagaron por las tierras rusas. Por un lado, el líder procuraba su deificación, buscando convertirse en el hombre fuerte, en el referente a seguir por el pueblo y por otro, se precisaron y robustecieron las directrices estéticas del llamado “Realismo Socialista”.

Miércoles 9 de Noviembre

THE SOUL OF MAN

Presentación a cargo de Alejandro Arroz
Acompañado del corto COPLAS DEL SILENCIO del 3er. Taller Anual de Cine

Director: WIM WENDERS
Guión: Wim Wenders
Música: Estrellas invitadas: Beck, T-Bone Burnett, Nick Cave and The Bad Seeds, Vernon Reid, David Barnes, Alvin Youngblood Hart, Marc Ribot, Shemekia Copeland, Eagle Eye Cherry, Garland Jeffreys, Los Lobos, Bonnie Raitt, Lou Reed, The Jon Spencer Blues Explosion, James "Blood" Ulmer, Lucinda Williams, Cassandra Wilson, Cream, John Mayall.
Fotografía: Lisa Rinzler
Productor: Martin Scorsese

País: Estados Unidos
Año: 2003
Duración: 103 minutos

En THE SOUL OF MAN, el director Wim Wenders nos muestra la tensión dramática entre lo sagrado y lo profano dentro del mundo del Blues, explorando la música y las vidas de tres de sus artistas preferidos: Skip James, Blind Willie Johnson y J.B. Lenoir. La película, en parte histórica y en parte búsqueda personal, nos enseña cómo fueron estas vidas dedicadas a la música, al blues y al jazz, a través de una extensa ficción, de escenas de la vida actual a modo de documental y de canciones de músicos contemporáneos.

Producida por Martin Scorsese, THE SOUL OF MAN es una serie de personales películas dirigidas por algunos de los directores más importantes de los últimos tiempos, que capturan la esencia de la música blues, mostrando su influencia y su historia, desde sus raíces africanas a su papel inspirador de la música actual, desde el rhythm & blues o el country al rock & roll y el hip-hop.

Miércoles 16 de Noviembre

4 ELEMENTS 4 SEASONS (4 ELEMENTOS - 4 ESTACIONES)

Presentada por Norberto Ramírez, Director de la Trilogía Documental sobre escritores salteños conformada por los largometrajes KOPLA VERA, YO Y EL TIEMPO, Y DE FRANFURT A HUMAHUACA. Además es el Director de Sonido de LUZ DE INVIERNO y PALLCA.

Intépretes:

Akademie für Alte Musik Berlin: orquesta

Ariadna Daskalakis: violín

Juan Kruz Díaz de Garaio Esnaola: dirección, coreografía, danza

Equipo Técnico:

Jörg Bittner: diseño de la iluminación

Dirección: Brigitte Kramer & Jörg Jeshel

Producción: Akademie für Alte Musik Berlin con Radialsystem y Sasha Waltz y Visitantes, con el apoyo de la Bundeskulturstiftung.

Temas:
Antonio Vivaldi (1678 -1741)
Las cuatro estaciones
Primavera, opus 8 nr. 1, RV269
Verano, opus 8 nr. 2, RV315
Otoño, opus 8 nr. 3, RV293
Invierno, opus. 4, RV297

Jean-Féry Rebel (1666-1747)
Les Elements, nouvelle Simphonie
Intérprete: Midori Seiler
Orquesta / Conjunto: Academia de Música Antigua de Berlín

El bailarín y coreógrafo Juan Kruz Díaz de Garaio Esnaola ha sido un miembro de la compañía Sasha Waltz y una persona de la danza desde hace años.

Aquí - el desarrollo de una idea Sasha Waltz - se yuxtaponen dos piezas de música de programa pronto para formar un concierto coreográfico. Estas dos piezas del barroco – Antonio Vivaldi, Las Cuatro Estaciones y Jean-Féry Rebel, Los Elementos - tienen un tema relacionado, pero son muy diferentes. En Los Elementos, la bailarina describe el proceso de la creación y el ciclo de crecimiento y decadencia. En las Cuatro Estaciones, es la propia orquesta - la famosa Akademie für Alte Musik de Berlín - la coreografía. Los músicos transforman las estructuras musicales en el movimiento espacial, con la violinista Ariadna Daskalakis jugando un papel central.

Comentarios

"Four Elements - Four Seasons" es un espectáculo denominado concierto coreográfico, es decir, asistes a ver un concierto pero con la peculiaridad de que los propios ejecutantes o algún bailarín adicional te representan una descripción corporal de lo que la música intenta describir (música programática). En este caso las piezas elegidas son Las 4 Estaciones de Antonio Vivaldi y Los Elementos de Jean-Féry Rebel.

¿Que es una apuesta arriesgada? Pues si. ¿Que habrá gente más "purista" que defienda que esta música no fue concebida para tal interpretación corporal y visual? Pues también. Pero reitero que me ha encantado. Ver a esos intérpretes ejecutar de manera soberbia tirados por el suelo, bajo sábanas, a hombros... pues es fascinante y tiene un mérito destacable. Además, creo que la música clásica debe buscar nuevos caminos para llegar a todos y todas. Y ésto tiene buena pinta...

El concierto comienza con la interpretación de los 4 elementos de Jean-Féry Rebel (tierra, fuego, aire y agua). La orquesta en este caso solo ejecuta un acompañamiento sonoro, mientras el bailarín recrea una coreografía basada en estos elementos. Algunas veces muy abstractas pero creo que muy entendibles para el espectador. Luego prosigue con lo que se podría considerar el plato fuerte del espectáculo: las 4 estaciones de Vivaldi. La orquesta participa directamente en la interpretación totalmente descriptiva, haciendo un show totalmente vistoso, ameno e impresionante para los asistentes.

La impactante Fábrica de Cristal de Volkswagen acogió uno de los últimos y más atrevidos espectáculos del Festival de Música de Dresde. «4 Elementos - 4 Estaciones» es una creación que la compañía berlinesa de danza de Sasha Waltz encargó hace un par de años al legazpiarra Juan Kruz Díaz de Garaio y que desde entonces ha cosechado una buena acogida allá donde se ha representado, a pesar de ser una propuesta bastante extrema en algunos aspectos. Basada en dos ciclos de piezas barrocas, «Los Elementos» de Jean-Féry Rebel y «Las cuatro estaciones» de Vivaldi, la coreografía de Garaio pone en pleno movimiento a los músicos de la orquesta, que deben realizar acciones como tocar con una manzana en la cabeza, tocar subidos en escaleras, revolcarse por el suelo o robarle besos al bailarín principal, en este caso un Juan Ruz que ha heredado el papel directamente de Garaio y que lo defiende de una forma excepcional.

El desarrollo ideado por Garaio se aferra sólidamente a lo que las músicas, con un programa bien definido, quieren expresar, y quizá por eso pueda parecer algo ingenua por momentos. En «Los elementos», el bailarín chapotea en el agua como un niño, después se calienta al fuego y, cuando un vendaval le atrapa, le vemos zarandeado con violencia por el suelo. No obstante, Garaio sabe vestir estas situaciones ingenuas siempre con movimientos de gran expresividad y una cierta originalidad, y además empapar todo ese entramado de situaciones con un gran sentido del humor, que es lo que hace de esta creación algo tan fresco y divertido. El de Dresde, un público serio que al principio pareció mostrarse algo escéptico hacia la propuesta, terminó pasándoselo en grande con momentos como la escena de los borrachos del «Otoño» de Vivaldi o con las continuas subidas y bajadas de la violinista Midori -hay que ver en que berenjenales se mete esta mujer-, de los hombros de un Ruz que representaba a ese agobio insoportable del verano. Los músicos de la Akademie für Alte Musik dieron lo mejor de sí mismos en lo coreográfico, sin que esto empañara demasiado su rendimiento interpretativo, que estuvo a un nivel más que aceptable y, además, tan lejos sus figuras de las habituales en el mundo de la danza, formaban un grupito bastante hilarante cuando se ponían a realizar según que movimientos.