MES DE ABRIL - LOS MISTERIOS DEL AMOR


Dice Octavio Paz en La Llama Doble: “El fuego original y primordial, la sexualidad, levanta la llama roja del erotismo y ésta, a su vez, sostiene y alza otra llama, azul y trémula: la del amor. Erotismo y amor: la llama doble de la vida”.

En abril presentamos cuatro miradas sobre el amor y el desamor, contadas por grandes directores; el francés Alain Resnais, el chino Wong Kar-Wai, el sueco Ingmar Bergman y el estadounidense Jim Jarmusch, distintas generaciones, distintas regiones, distintas formas de abordar los misterios del amor.

A los casi 80 años Octavio Paz afirma: “Pero el amor es una de las respuestas que el hombre ha inventado para mirar de frente a la muerte. Por el amor le robamos al tiempo que nos mata unas cuantas horas que transformamos a veces en paraíso y otras en infierno”.

MIÉRCOLES 6 DE ABRIL
CORAZONES (COEURS). FRANCIA, 2006
DIRECCIÓN: ALAIN RESNAIS
Guión: Jean-Michel Ribes, basado en la obra teatral de Alan Ayckbourn.

Fotografía: Eric Gautier
Música: Marc Snow
Duración: 120 minutos
Reparto: Sabine Azéma, Lambert Wilson, André Dussollier, Pierre Arditti, Laura Morante, Isabelle Carré.

Premios
2006: Festival de Venecia: Mejor director 2006: Premios César. 8 nominaciones

CORAZONES, presenta una serie de desencuentros entre diversos hombres y mujeres que no necesariamente se conocen entre sí, pero que sin embargo están atravesados por el mismo hilván que va enhebrando sus destinos.


Sucede que Thierry (André Dussollier) y Charlotte (Sabine Azéma) trabajan en una agencia inmobiliaria que le busca un nuevo departamento a Nicole (Laura Morante), víctima de una crisis de pareja.
Su compañero Dan (Lambert Wilson), un ex militar dado de baja deshonrosamente, ahoga sus penas en alcohol en el bar de Lionel (Pierre Arditti), un alma solitaria, que sabe escuchar con paciencia de psicoanalista los pesares de sus clientes.

A su vez, Lionel cuenta con la ayuda de Charlotte para cuidar a su padre enfermo, mientras Gaëlle (Isabelle Carré), la hermana de Thierry, busca pareja a través de Internet y se topa con Dan.
Basada en una pieza del escritor británico Alan Ayckbourn, esta obra está organizada a la manera de una suite con distintos movimientos, pequeños dúos cuya tonalidad es la melancolía o la desolación.

MIÉRCOLES 13 DE ABRIL
SARABAND. SUECIA, 2003
DIRECTOR: INGMAR BERGMAN
Guión: Ingmar Bergman

Fotografía: Stefan Eriksson, Jesper Holmström, Per-Olof Lantto, Sofi Stridh, Raymond Wemmenlöv
Música: Johann Sebastian Bach, Johannes Brahms
Duración: 107 minutos
Reparto: Liv Ullmann, Erland Josephson, Börje Ahlstedt, Julia Dufvenius

Treinta años después de aquella disección, “Escenas de la Vida Conyugal” (1973), Bergman retomó la historia (o mejor: se reencontró con sus personajes). Saraband no se trata estrictamente de una secuela: aquí lo que se aborda no es tanto una etapa ulterior en la relación de Marianne y Johan sino algunas cuentas pendientes de sus respectivas vidas.

Hace mucho que las tormentas han cesado: la hostilidad y la mutua dependencia han quedado atrás. Y ahora ella, que es quien promueve el encuentro al visitar a su hoy solitario y acaudalado ex marido, actúa más como confidente, como psicoanalista o como testigo de las íntimas penas que afligen al hombre en su vejez.

MIÉRCOLES 20 DE ABRIL
CHUNG HING SAM LAM (CHUNGKING EXPRESS) HONG KONG, 1994
DIRECTOR: WONG KAR-WAI
Guión: Wong Kar-Wai

Fotografía: Christopher Doyle, Wai-Keung Lau Música: Frankie Chan, Roel A. García, Michael Galasso
Duración: 103 minutos
Reparto: Brigitte Lin, Takeshi Kaneshiro, Tony Leung Chiu Wai, Faye Wong, Valerie Chow, Chen Jinquan, Vickie Eng, Lynne Langdon


Dos historias de amor independientes que se desarrollan en el popular barrio turístico de Tsimhatsui, en Hong Kong.
La primera describe el fugaz encuentro entre un joven policía en plena crisis amorosa y una misteriosa mujer fatal traficante de drogas. La segunda se centra en el singular romance entre un solitario y sencillo agente de policía y la joven camarera del pobre bar donde aquél suele comer.

Encumbrada por la prestigiosa revista Cahiers du Cinéma y por Quentin Tarantino.

Premios
1997: Críticos de Chicago: Nominada a Mejor película extranjera 
1997: Spirit Awards: Nominada a Mejor película extranjera
1994: Festival de Chicago: Nominada al Hugo de Oro
1994: Festival de Locarno: Nominada al Leopardo de Oro

Críticas “Digna de ver y recordar”.
“Wong Kar-Wai logra que las dos historias de amor se conviertan en dos detonaciones, en dos explosiones de emoción. Es la magia de un director inigualable”. 

MIÉRCOLES 27 DE ABRIL
FLORES ROTAS. EEUU, 2005
DIRECTOR: JIM JARMUSCH 

Guión: Jim Jarmusch
Fotografía: Frederick Elmes
Música: Mulatu Astatke
Duración: 105 minutos
Reparto: Bill Murray, Jeffrey Wright, Frances Conroy, Julie Delpy, Jessica Lange, Sharon Stone, Tilda Swinton, Chloë Sevigny, Alexis Dziena

Original y extravagante revisión del mito de Don Juan.
Después de ser abandonado por su última conquista (Delpy), Don Johnston (Bill Murray) recibe una carta anónima en la que se le informa de que tiene un hijo.
Tan inesperada noticia lo impulsa a emprender un viaje en busca de sus antiguas amantes para resolver el misterio.


Premios 2005: Cannes: Gran Premio del Jurado 

“FLORES ROTAS tiene dos pilares: la sucesión de delirantes excentricidades del viaje de Don, y la cara de Bill Murray.
Lo primero, el guión, es muy curioso, un cúmulo de situaciones particulares.

El segundo, es el rostro de un hombre maduro que comprueba el vacío de su presente y la inexistencia de su pasado”.

“Excelente, Jim Jarmusch logra su mejor película y con capacidad para llegar a todo tipo de público con arte de primera clase”. 

 “Deliciosa revisión del mito de Don Juan. Magistral aparición de una galería de personajes a cual más sorprendente. Jarmusch aborda aquí un discurso presidido por una corrosiva ironía”.

“Jarmusch: la carcajada inteligente, para reirse a gusto. Bill Murray tan memorable como en “Lost in Translation”. Una pieza maestra”.

“Jarmusch se las apaña para empapar la banalidad de sorprendente belleza y humor”. 

REFERENCIAS:
http://www.filmaffinity.com/es/main.html
http://www.imdb.com/ http://patriciadamiano.blogspot.com.ar/2007/06/ingmar-bergman-secretos-de-un.html

COMIENZO DE LA 9° TEMPORADA - MES DE MARZO - LITERATURA Y CINE


¡El Miércoles 16 de Marzo comenzamos la 9° Temporada de nuestro Cine Club!

Con mucha emoción esperamos encontrarnos nuevamente con nuestros queridos amigos cinéfilos.

La adaptación cinematográfica de obras literarias es una necesaria transformación de una obra en otra, es el pasaje de un lenguaje a otro muy distinto. Por lo tanto en una película basada en una novela, el guionista debe "traicionar" al escritor en pos de esa transformación. De no hacerlo se convertiría en un ilustrador de la obra literaria. Los recursos expresivos utilizados en el medio audiovisual (luces, sonido, escenografía, montaje, etc.) son concretos, a diferencia de los recursos literarios que se completan en nuestra imaginación, nadie imagina de igual forma a los personajes de un cuento o una novela, en cambio en el cine los actores hacen visible e inequívoco la apariencia, la voz, la mirada, el vestuario, el andar, etc. Ya el maestro Alfred hitchcock decía que es casi imposible adaptar una gran obra literaria al cine.

Aquí les presentamos a tres grandes directores que se atrevieron al desafío, adaptando a tres grandes escritores; Ripstein/García Márquez, Babenco/Puig y Kurosawa/Akutagawa.  

MIÉRCOLES 16 DE MARZO
EL CORONEL NO TIENE QUIEN LE ESCRIBA. México - 1999
Director: ARTURO RIPSTEIN

Guión: Paz Alicia Garciadiego, basado en la novela homónima de Gabriel García Márquez.

Fotografía: Guillermo Granillo
Música: David Mansfield
Duración: 118 minutos

Reparto: Fernando Luján, Marisa Paredes, Salma Hayek, Rafael Inclán, Ernesto Yáñez, Daniel Giménez Cacho, Patricia Reyes Spíndola, Odiseo Bichir, Esteban Soberanes, Julián Pastor.




Al Coronel le prometieron una pensión, que espera inútilmente desde hace muchos años. Viernes tras viernes, solemne, se para ante el muelle aguardando la carta que anuncie la concesión de su pensión. Todos en el pueblo saben que espera en vano. Lo sabe también su mujer, que cada viernes lo mira prepararse ante el espejo para recoger la carta que nunca llegará. Pero el Coronel prefiere cerrar los ojos ante la evidencia y se aferra a su sueño. Y es que, si no, ¿qué le queda?

Premios: 1999: Festival de Cannes: Nominada a la Palma de Oro (mejor película)

Según el propio Gabriel García Márquez, “EL CORONEL NO TIENE QUIEN LE ESCRIBA es un gran filme. Ripstein me ha hecho justicia y yo a él al seguir escribiendo 30 años después.”

MIÉRCOLES 23 DE MARZO
EL BESO DE LA MUJER ARAÑA. Brasil, 1985
Director: HÉCTOR BABENCO

Guión: Leonard Schrader, basado en la novela homónima de Manuel Puig.

Fotografía: Rodolfo Sánchez
Música: John Neschling
Duración: 119 minutos

Reparto: William Hurt, Raúl Julia, Sonia Braga, José Lewgoy, Milton Gonçalves, Miriam Pires, Nuno Leal Maia.




En una prisión sudamericana, Molina (William Hurt) y Valentín (Raúl Julia), dos compañeros de celda, se cuentan sus respectivas historias. Molina es un homosexual encarcelado por seducir a un menor. Valentín es un revolucionario que no ha olvidado las torturas a las que ha sido sometido durante los interrogatorios.

Premios
1985: Oscar: Mejor actor (William Hurt). 4 nominaciones
1985: Festival de Cannes: Mejor actor (William Hurt)
1985: BAFTA: Mejor actor (William Hurt)
1985: Premios David di Donatello: Mejor actor extranjero (William Hurt)
1985: Círculo de críticos de Nueva York: Nominada a Mejor Actor (William Hurt)

“El beso de la mujer araña es una novela del escritor argentino Manuel Puig, publicada en 1976 por la editorial Seix Barral de Barcelona. Relata la historia de dos presos que conviven en la misma celda, uno político y otro homosexual. Fue incluida en la lista de las 100 mejores novelas en español del siglo XX del periódico español «El Mundo».1

Esta historia, fue prohibida en los años 1970 por la dictadura militar argentina.”

MIÉRCOLES 30 DE MARZO
RASHOMON. Japón, 1950
Director: AKIRA KUROSAWA

Guión: Akira Kurosawa y Shinobu Hashimoto, basado en cuentos de Ryūnosuke Akutagawa

Fotografía: Kazuo Miyagawa (B&W)
Música: Fumio Hayasaka
Duración: 88 minutos

Reparto: Toshirô Mifune, Machiko Kyô, Masayuki Mori, Takashi Shimura, Minoru Chiaki, Kichijirô Ueda, Noriko Honma, Daisuke Katô.


Japón, siglo XII. En Kioto, bajo las puertas del derruido templo de Rashomon, se guarecen de la torrencial lluvia un leñador, un sacerdote budista y un peregrino. Los tres discuten sobre el juicio a un bandido, acusado de haber dado muerte a un señor feudal y violado a su esposa. Los detalles del crimen son narrados desde el punto de vista del bandido, de la mujer, del señor feudal -con la ayuda de un médium- y del leñador, único testigo de los hechos.

Premios
1952: Nominada al Oscar: Mejor dirección artística (B&N)
1952: Premios BAFTA: Nominada a mejor película
1952: Sindicato de Directores (DGA): Nominada a Mejor director
1951: Oscar honorífico a la mejor película extranjera
1951: Festival de Venecia: León de Oro
1951: Círculo de críticos de Nueva York: Nominada a Mejor película extranjera
1951: National Board of Review: Mejor director y película de habla no inglesa

“La primera obra maestra de Kurosawa, de un poder sobrecogedor”.

“Mítica cinta que contribuyó decisivamente a la apertura internacional del cine japonés. Con su innata habilidad narrativa y su magia cinematográfica, el cineasta viaja al Japón del siglo XII para realizar una pesimista radiografía de la condición humana”.

REFERENCIAS:



MIÉRCOLES 25 NOVIEMBRE - ANNIE HALL - ULTIMA FUNCIÓN DE LA 8ª TEMPORADA 2015

Llegamos a la última película de la 8° Temporada 2015 de nuestro Cine Club de los Miércoles.

Gracias a Ustedes, nosotros continuamos haciendo esto que nos apasiona.

Los esperamos para disfrutar y divertirnos con esta comedia y al finalizar festejaremos con un cocktail, invitado por la Fundación COPAIPA.

MIÉRCOLES 18 DE NOVIEMBRE

ANNIE HALL – EEUU, 1977
Director: WOODY ALLEN
Fotografía: Gordon Willis
Guion: Woody Allen - Marshall Brickman
Música: Varios

Reparto: Woody Allen: Alvy Singer
Diane Keaton: Annie Hall
Tony Roberts: Rob
Carol Kane: Allison
Paul Simon: Tony Lacey (un productor de música)
Shelley Duvall: Pam
Janet Margolin: Robin
Colleen Dewhurst: Sra. Hall
Christopher Walken: Duane Hall
Donald Symington: Sr. Hall
Helen Ludlam: Abuela de Annie
Laurie Bird: Novia de Tony




ANNIE HALL es una de las más célebres películas dirigidas por Woody Allen.

Ganó el Óscar a Mejor película, Mejor director, Mejor guion original y Mejor actriz principal.

Además, recibió el Globo de Oro, por Mejor actriz musical/comedia (Keaton); el BAFTA, por Mejor película; el premio del Círculo de Críticos de Nueva York, por Mejor película, Director, Actriz y Guion; y en los Premios César, fue Nominada a Mejor Película Extranjera.

Se trata de una comedia romántica protagonizada por Diane Keaton y por el propio Woody Allen.

Con un guion que ha sido imitado, parodiado y homenajeado a lo largo de los años.

El cineasta se da el lujo de jugar con las reglas cinematográficas: sus personajes le hablan directamente a la cámara, hay regresiones en el tiempo, digresiones y hasta una secuencia de animación parodiando la cinta animada de Walt Disney Blancanieves y los Siete Enanitos.




La cinta es un relato sobre un comediante neurótico neoyorquino, Alvy Singer (Allen), y su compañera sentimental, Annie Hall (Diane Keaton), tan neurótica como él.

Comienza con su primer encuentro y nos cuenta la historia de su relación afectiva a lo largo de los años, a modo de documento sobre el amor en los años 1970. Se dice que la historia habla de la ruptura real entre Allen y Keaton, quienes fueron pareja en la vida real.

Se destacan las actuaciones de Paul Simon (músico, integrante del dueto vocal folk Simon&Garfunkel) y un joven Christopher Walken, quien un año después ganaría el Oscar por su papel en El Cazador del Michael Cimino.

ANNIE HALL es una cinta emblemática. Años después, Rob Reiner la homenajeó abiertamente en su película When Harry Met Sally....

MIÉRCOLES 18 DE NOVIEMBRE - LA ARMADA BRANCALEONE


Llegamos al último ciclo de la 8° Temporada de nuestro Cine Club de los Miércoles. Gracias a Ustedes, nosotros continuamos haciendo esto que nos apasiona.

MIÉRCOLES 18 DE NOVIEMBRE
LA ARMADA BRANCALEONE – ITALIA, 1966
Director: MARIO MONIELLI

Fotografía: Dario di Palma
Guion: Mario Monicelli, Agenore Incrocci, Furio Scarpelli
Música: Carlo Rustichelli

Reparto
Vittorio Gassman, Catherine Spaak, Gian Maria Volonté, Maria Gracia Buccella, Barbara Steele, Enrico Maria Salerno, Folco Lulli, Carlo Pisacane

Nominada a la Palma de Oro por Mejor Película.



“Una película que no deberán perderse los amantes de la comedia total. Imprescindible para todo aquel dispuesto a dejarse llevar por las fanfarronadas y excesos de un maestro del cine mundial como fue el gran MARIO MONICELLI.

Comentar una película de MARIO MONICELLI supone un gran reto. Director de extraordinaria carrera que abarca cinco décadas, es quizás el mejor representante de la gran comedia a la italiana.

Fallecido una semana después que otro grande de la comedia europea, Luis García Berlanga, obras como Rufufú, Vida de Perros y sus películas con Totó, así lo confirman. No obstante, no sólo fue el gran director de la comedia italiana, sino que sus películas también escondían un sentido crítico hacía la sociedad en la que vivió, tal como demuestra su obra maestra sobre  la explotación en el trabajo: Los Camaradas.

LA ARMADA BRANCALEONE supuso la confirmación de MONICELLI como el maestro de la sátira y el esperpento, ironizando sobre una época tan oscura y atrayente como la profunda Edad Media. Llena de ironía y gags de alta comedia constituye un referente de la sátira de alta escuela y fue una pieza de referencia para los Monthy Python en la realización de Los Caballeros de la Mesa Cuadrada.

MONICELLI utiliza los recursos de la parodia y la pantomima para ironizar sobre las supersticiones, el oscurantismo y las leyendas de caballería desarrolladas en La Edad Media, apoyándose en una espectacular y luminosa fotografía junto con un vestuario colorista  y unos escenarios naturales de gran belleza estética.

La película se inicia con unos maravillosos títulos de crédito animados con dibujos del medievo y la  machacona y adictiva marcha de Brancaleone a la que seguirá una primera escena de una matanza en un poblado adornada por escenas gore en tono de comedia a lo Caballeros de la Mesa cuadrada (cascos con cuernos que sirven de espadas, brazos sesgados, chorros de sangre…).

En la calma de la batalla un grupo de harapientos conseguirá derribar al caballero que comandaba el ejército saqueador y le robarán un pergamino en el que se otorga la propiedad de unas tierras al portador del mismo.

Este grupo de desheredados medievales compuesto por un pequeño escudero, un famélico campesino, un robusto pueblerino y un anciano comerciante judío, (extraordinario e hilarante personaje protagonista de momentos de gran comedia), decidirán buscar a un caballero que les ayude a reclamar las tierras que promete el manuscrito.

Conocerán a un caballero bravucón, deslenguado, gallardo y decadente llamado Brancaleone de Nurcia (interpretado magistralmente por el gran Vittorio Gassman), poseedor de un esperpéntico caballo verde.  Brancaleone aceptará  la propuesta para demostrar su hidalguía que ha sido deshonrada después de caer en un torneo de caballeros organizado para reclamar la mano de una gentil dama.


Camino hacia la Tierra Prometida se toparán con el hijo bastardo de un noble (interpretado por un joven Gian Maria Volonté) que tras una  patética lucha con Brancaleone, en la que talan un árbol a hachazos y siegan un campo de trigo a espadazos, se unirá al grupo para simular su secuestro y solicitar el rescate a su padre.

A partir de este momento la película se convertirá en una aventura quijotesca y grotesca en la que los personajes principales tropezarán con diversos individuos, a cual más friki, así como con situaciones patéticas que provocarán la carcajada y la hilaridad en cada secuencia.

Destacan la coincidencia de la Armada con una procesión dirigida por un iluminado que peregrina hacia Tierra Santa, compuesta por tarados y enfermos, con una maravillosa escena en un puente colgante en la que uno de los componentes de La Armada de Brancaleone se despeñará por “la mano de Dios”.

Más tarde, la Armada rescatará a una princesa  interpretada por Catherine Spaak,  la maravillosa hija de Vittorio Gassman en La Escapada.

Al trasladarla a sus tierras la princesa tratará de seducir a Brancaleone, pero éste acabará conteniendo sus deseos más primitivos.

Sin embargo al llevarla al castillo para desposarla con su prometido, éste descubrirá que la princesa no es virgen ya que ha sido tomada por el hijo bastardo del noble, lo que obligará a La Armada a huir atropelladamente del castillo.

Igualmente desternillante es la escena que protagoniza Vittorio Gassman con la siempre sugerente Barbara Steele en la que nuestro Brancaleone, ávido de disfrutar de los placeres de la carne, descubrirá que la fémina con la que se dispone a pasar una noche de placer esconde un halo sadomasoquista que hará que hagan el amor a latigazos.

Después de fracasar en el cobro del rescate ficticio que el padre del caballero bastardo se niega a pagar al considerar a su hijo una vergüenza para su casta, y tras la muerte del entrañable mercader judío, la Armada llegará por fin a la tan ansiada Tierra Prometida, pero un giro del destino incitará que nuestros protagonistas vean peligrar su tan deseado tesoro.

Películas como Los 100 caballeros o La Venganza de Don Mendo ironizaron con buenos resultados la época medieval, tan mitificada en los años 50 por las cintas de capa y espada como Ivanhoe, Los Caballeros del Rey Arturo, Las aventuras de Quentin Durward, Juana de Arco, Las Cruzadas o El Halcón y la Flecha.

MONICELLI emplea las aventuras de un gafe de buen corazón para orquestar una comedia sobre el salvajismo,  los excesos y fanatismo que reinaban en la oscura baja Edad Media, alcanzando de este modo la cima de la sátira  que sirvió de referencia a películas posteriores que recurrían a la parodia como estilo narrativo.

Encuentro una  parecida forma de observar la Edad Media en Paul Verhoeven en su reivindicable cinta Los Señores del Acero que pretendía profetizar, en tono de cinta de aventuras con un fino humor negro, la irracionalidad que poblaba este atractivo período”.

Escrito por Rubén Redondo

REFERENCIAS