MES DE SEPTIEMBRE – LOS CORTOS DEL TALLER DE CINE Y HOMENAJE A ANDREI TARKOVSKI

Durante el mes de septiembre tendremos tres encuentros.
El miércoles 13 de septiembre no habrá función debido a las festividades del Milagro.

MIÉRCOLES 6 DE SEPTIEMBRE

El Miércoles 6 de Septiembre, el Taller de Cine de Salta presentará tres cortometrajes realizados por los alumnos de los talleres.

1) EL TESORO

Cortometraje producido por el 4º Taller Anual. Se trata de un western criollo filmado enteramente en Quijano.

Con la participación actoral de Guido Núñez, David Garros, Daniel Gauna y Omar Eguizábal.

EL TESORO se presentó en el Festival Internacional de Cine de las Alturas de Jujuy y en la 20º Semana de Cine Argentino en Salta.
Se proyectará esta vez en su versión final de 20 minutos.

Sinopsis: A fines del siglo XIX, en un desolado campo del norte argentino, cuatro jinetes son perseguidos. Uno de ellos, mortalmente herido, cae de su caballo y decide quedarse para retener al enemigo a balazos, ayudando a sus tres compañeros a escapar de la muerte. 

Estos huyen y en medio de la nada descubren una casa abandonada, al inspeccionarla se topan con un cadáver que yace ahí desde hace mucho tiempo. A pesar de esto, deciden pasar la noche allí. Su suerte cambia cuando en la casa hallan un gran tesoro oculto. Sin embargo, eso no era lo último que iban a encontrar; en el fondo de la casa descubren dos cadáveres más. Los perseguidos deben decidir qué hacer con el tesoro mientras la muerte los acecha.




2) ESPEJOS

Cortometraje producido por el Taller de Cine de Invierno.

Aborda algunas de las causas que generan violencia doméstica y de género en nuestra sociedad.

Contó con el asesoramiento en la realización del guion de los profesionales del CEPSI, Centro de Psicoterapias de Salta.

Las actuaciones estuvieron a cargo de los niños José María Conde y Celeste Sarapura y de los actores Omar Eguizábal, Agustina Chesa, Sofía Lajad, Agustín Salas, Belén Flores y Pablo Núñez.

ESPEJOS tuvo su estreno nacional en Buenos Aires en el Centro Cultural Borges, en el marco del Congreso Iberoamericano de EMDR trauma psicológico 2016.

Se presenta ahora en su versión final con nueva mezcla de audio.


3) LO QUE TAPAMOS

Cortometraje producido por el Taller de Cine de Verano. Se presenta en calidad de estreno.

El cortometraje aborda el tema de la doble moral de una sociedad cerrada en sus convicciones.

A partir del hecho real de haberse tapado un mural realizado por el artista plástico Emilio Haro Galli en la ciudad de Salta, supuestamente por "inmoral”, se trabajó un guion de ficción que aborda la problemática.

Las actuaciones son de Pablo Núñez, Yerifa Tomianovic, Silvana Canchari, Carlos Judi Machur, Néstor Villalba y Fabiana Núñez.
Contaremos con la presencia de los actores y técnicos participantes, quienes recibirán sus certificados de estudios.


El Taller Anual de Cine en Salta, y los Talleres Intensivos de Verano e Invierno, iniciados en octubre del 2000, son un proyecto de capacitación inédito en el Noroeste Argentino, ya que cuenta con profesionales altamente calificados para el dictado de las clases y el equipamiento profesional completo en Full HD, que asegura la finalización de las prácticas de rodaje.


Luego de la interrupción del programa de septiembre, del día miércoles 13 de septiembre, debido a las festividades del Milagro, proyectaremos dos obras maestras de Andrei Tarkovski, uno de los directores rusos de más prestigio luego de Serguéi Eisenstein.

Hemos elegido estas dos películas, porque además de su impresionante calidad cinematográfica, tienen una duración dentro de los criterios que tratamos de mantener en el cine club.

Su filmografía fue corta como su vida, y ha sido muy difícil decidir qué películas elegir, por los cual tomamos la variable de la duración.

MIÉRCOLES 20 DE SEPTIEMBE
LA INFANCIA DE IVAN (Ivanovo detstvo) - URSS, 1962
Director: ANDREI TARKOVSKI

Guion: Vladimir Bogomolov, Mikhail Papava

Fotografía: Vadim Yusov

Música: Vyacheslav Ovchinnikov

Productora: Mosfilm Studios

Duración: 95 minutos

Reparto:

Nikolai Burlyayev,  Valentin Zubkov,  Yevgeni Zharikov,  Stepan Krylov,  Nikolai Grinko, Valentina Malyavina


Sinopsis:

Segunda Guerra Mundial (1939-1945) Frente Oriental. Iván, un niño ruso de 12 años, cuyos padres murieron durante la invasión nazi, trabaja espiando a los alemanes.

El primer filme de Tarkovski narra cómo Iván, un niño ruso de fuertes convicciones, se embarca en una complicada misión contra los nazis. Como todas las obras del director ruso, es un relato complejo y visualmente fascinante.

Premios
1962: Festival de Venecia: León de Oro, ex-aqueo con “Cronaca familiare”, de Valerio Zurlini.

La única película en la historia del Festival de Venecia que, siendo una ópera prima, ganó el León de Oro.



MIÉRCOLES 27 DE SEPTIEMBE
EL ESPEJO (Zerkalo) - URSS, 1975
Director: ANDREI TARKOVSKI

Guion: Andrei Tarkovski, Alesandr Misharin

Fotografía: Georgi Rerberg

Música: Eduard Artemev

Productora: Mosfilm Studios

Duración: 107 minutos

Reparto:

Alekséi (alter ego de Tarkovski):
- a los 5 años: Filipp Yankovski
- a los 12 años: Ignat Daníltsev
- adulto (su rostro no aparece): voz de Innokenti Smoktunovski; en la secuencia de la enfermedad, el torso y la mano con un pájaro son de Andréi Tarkovski

Madre de Alekséi (María o Masha):
- de joven: Margarita Térejova
- de mayor: María Vishnyakova (la madre de Andréi Tarkovski)

Padre de Alekséi: Oleg Yankovski

Mujer de Alekséi (Natalia): Margarita Térejova

Hijo de Alekséi y Natalia (Ignat): Ignat Daníltsev


Sinopsis:

Un hombre, Alekséi, habla con su esposa sobre su situación actual y los motivos por los que se han distanciado. La película es una evocación continua de recuerdos y sentimientos del propio Tarkovski que viajan en diferentes tiempos sin orden aparente: la relación con su madre, su infancia, que se mezclan con material fílmico de noticiario sobre la Guerra Civil Española, la Segunda Guerra Mundial y el enfrentamiento entre la URSS y China por la isla Damanski.

En la película suenan poemas escritos y recitados por Arseny Tarkovski, padre del director. Retrata un pasado que es el suyo, pero también el de un país y el del acontecer mundial.


ANDRÉI TARKOVSKI

Director de cine, actor, montador, guionista, biógrafo y actor de cine.

Premios:
- Premios BAFTA  Mejor película de habla no inglesa
1988 Sacrificio

- Festival de Cannes
Gran Premio del Jurado
1972 Solaris
1986 Sacrificio
Gran Premio Internacional de la Prensa (FIPRESCI)
1969 Andréi Rubliov
1972 Solaris
1983 Nostalgia
1986 Sacrificio
Premio del Jurado Ecuménico
1979 Stalker
1983 Nostalgia
1986 Sacrificio
Mejor director
1983 Nostalgia

- León de Oro - Festival de Venecia
1962 La Infancia de Iván

- Distinciones
Artista del Pueblo de la RSFSR
Honored art worker of the Russian Soviet Federative Socialist Republic
Premio Lenin
Academia Británica de las Artes Cinematográficas y de la Televisión.
Andréi Arsénievich Tarkovski nació en Rusia en 1932 y falleció en Francia en 1986.


Fue un director de cine, actor y escritor soviético. Es considerado uno de los más importantes e influyentes autores del cine ruso en tiempos de la Unión Soviética y uno de los más grandes de la historia del cine.

Estudió en la aclamada Escuela de Cine VGIK (Instituto Estatal de Cinematografía Panruso).

A pesar de haber realizado únicamente siete largometrajes a lo largo de veinticinco años de carrera; de su prematura muerte, por un cáncer de pulmón; y del carácter notoriamente anti-comercial de la mayoría de sus películas (con la excepción de Solaris, por el hecho de haber sido ampliamente promocionada por las autoridades de su país como la respuesta soviética a “2001, Una Odisea del Espacio”), Tarkovski es recordado por su extrema exigencia a la hora de preparar y dirigir sus proyectos, por sus teorías sobre el arte en general y el cine en particular (recogidas en su famoso volumen Esculpir en el Tiempo), por su renuencia a acatar los dogmas culturales y las limitaciones ideológicas de su país (que finalmente lo llevaron al exilio), y por su fortísima personalidad artística.

Fue el primer cineasta soviético en recibir el León de Oro de Venecia, también por su primer filme, La Infancia de Iván (1962). 

Sin embargo, este triunfal comienzo no le impidió sufrir severos problemas con las autoridades soviéticas, y tardó siete años en lograr estrenar su siguiente película, la monumental Andréi Rubliov (1969).

Aceptó dirigir Solaris (1972) porque necesitaba seguir trabajando. Y pudo realizar su muy personal El Espejo (1975), en la que narraba muchos pasajes de su propia vida.

Dispuesto a seguir haciendo películas al precio que fuera, el desastroso rodaje de Stalker (1979), que sufrió la pérdida de gran parte del negativo original por un accidente en el revelado, casi le cuesta la cárcel cuando exigió que volvieran a otorgarle el presupuesto inicial y solamente pudo terminarla con una inversión mucho menor.

No aceptó las imposiciones y la presión de las autoridades culturales soviéticas y emigró primero a Italia, donde realizó el documental Tempo di viaggio (1983) y el largometraje de ficción Nostalgia (1983), y después a Suecia, donde con parte del equipo de su admirado Ingmar Bergman, dirigió su obra póstuma, Sacrificio (1986), que terminó ya muy enfermo de cáncer, montándola y diseñando el sonido desde la cama de un hospital. Esta película es la más premiada en la historia del Festival de Cannes, con cuatro premios, aunque no ganó la Palma de Oro.

Andréi Rubliov fue exhibida a las cuatro de la mañana del último día en el Festival de Cine de Cannes, Francia, por orden expresa de las autoridades soviéticas con el fin de evitar cualquier posible nominación a los premios (de hecho, no ganó ninguno) y fue distribuida parcialmente para salvaguardar las apariencias.

Aunque Solaris (1972), fue aclamada en el Este, trabajar en la Unión Soviética significaba trabajar siempre con las limitaciones, tanto creativas como cinematográficas. En 1975, Tarkovski tuvo un problema con las autoridades, a raíz de su película Zérkalo (El Espejo), una densa y autobiográfica película con una radical e innovadora estructura narrativa.

El más famoso director soviético desde Serguéi Eisenstein, Andréi Tarkovski es uno de los máximos representantes del cine ruso, cuyas películas son intensamente íntimas, ocasionalmente controvertidas, siempre hermosas en cada fotograma; y es por eso por lo que es considerado como un poeta del cine. Él se mostraba interesado en el hombre y su búsqueda de respuestas de la vida misma, la decadencia de la verdadera espiritualidad en la sociedad moderna y la incapacidad de la humanidad para responder adecuadamente a las demandas de la tecnología, que domina cada vez más todo el espectro de la vida humana.

Ingmar Bergman, hablando sobre La Infancia de Iván, declaró:

“Es un verdadero milagro. Me sentí conmovido cuando descubrí que todo lo que yo siempre quería contar, pero que no sabía cómo expresarlo, estaba en esta película”.

Interesado en ir más allá del lenguaje cinematográfico, Tarkovski exploró nuevas formas de narrativa cinematográfica, que influyeron en la nueva generación de cineastas, y desarrolló una interesante teoría cinematográfica, a la que llamó «Esculpir en el Tiempo».

Él mismo destacaba una característica del cine: la capacidad de fijar el tiempo. A partir de esta idea, el cineasta debe esculpir un bloque de tiempo para dejar al descubierto la imagen cinematográfica.

Después de El Espejo, Tarkovski anunció que se dedicaría completamente a seguir las premisas dramáticas del filósofo Aristóteles: concentrar totalmente una historia en un sólo lugar bajo un sólo día solar (es decir, desde que sale el sol hasta que vuelve a hacerlo) en algún momento del tiempo. Sacrificio es considerada por muchos como el perfecto reflejo de la legendaria teoría cinematográfica de Andréi Tarkovski.

REFERENCIAS:

MES DE AGOSTO - CINE ARGENTINO


Ya estamos de vuelta, luego del receso del mes de julio, felices por encontrarnos nuevamente con ustedes, nuestra querida audiencia.

Durante el mes agosto presentaremos películas de directores argentinos, para festejar la realización de la 21ª Semana de Cine Argentino en Salta que se llevará a cabo del 24 al 30 de agosto de 2017.

Este año, en nuestra sala de la Fundación COPAIPA, el miércoles 30, se proyectará una película del programa de este destacado acontecimiento cultural salteño.

MIÉRCOLES 9 DE AGOSTO
LA PELÍCULA DEL REY – 1986
DIRECTOR: CARLOS SORIN

Dirección de Fotografía: Esteban Pablo Courtalón, Margarita Jusid.
Guion: Carlos Sorín, Jorge Goldenberg
Productor: Axel Pauls
Sonido: Bebe Kamin, Miguel Ángel Polo
Montaje: Alberto Vaccelini
Música: Carlos Franzetti

Duración: 100 minutos

Reparto: Ulises Dumont, Julio Chávez, Villanueva Cosse, Roxana Berco, Ana María Giunta, David Llewelyn, Miguel Dedovich, Marilia Paranhos, Ricardo Hamlin, Rubén Patagonia, Cesar García.


Sinopsis:

Un director de cine, obsesionado con filmar la aventura de un autoproclamado “Rey de la Patagonia” llamado Orelie Antonie.

Lo que a priori parece ser una filmación algo complicada, terminará siendo una verdadera epopeya donde la realidad superará a la ficción.

Premios:

Festival de Venecia: Premio León de Plata a Mejor Opera Prima.
Premio Goya a la Mejor película extranjera de habla hispana.
Festival de la Habana: Mejor Película.
Festival de Biarritz: Maquilha de Oro.


MIÉRCOLES 16 DE AGOSTO

Antes de la proyección, conversaremos vía Skype con la sonidista Juana Sapire, viuda de Raymundo Gleyzer, que reside en New York desde la desaparición de Raymundo.

LOS TRAIDORES - 1973
DIRECTOR: RAYMUNDO GLEYZER

Guion: Raymundo Gleyzer, Álvaro Melián, Víctor Proncet
Fotografía: Julio Lencina, Arsenio Reinaldo Pica
Música: Víctor Proncet

Duración: 113 minutos

Reparto: Víctor Proncet, Raúl Fraire, Susana Lanteri, Mara Lasio, Mario Luciani, Lautaro Murúa, Walter Soubrie, Luis Politti, Osvaldo Santoro, Osvaldo Senatore




Sinopsis:

Los Traidores trata sobre la vida de un militante sindical, que comienza su lucha en las filas peronistas durante los '60 y se corrompe en su ascenso al poder.

La película fue y es considerada por muchos, como el único film argentino que profundizó, indagó e investigó con audacia y valentía el accionar histórico de la CGT, su política corrupta y mafiosa.

Raymundo Gleyzer nació en 1941 y tenía 35 años cuando fue desaparecido en mayo de 1976 por la dictadura militar.
Era cineasta y militante del Partido Revolucionario de los Trabajadores.

Estaba casado con Juana Sapire, quien colaboraba en sus películas, y tenía un hijo, Diego.

Raymundo fue visto por última vez junto a el escritor Haroldo Conti, en el campo de concentración El Vesubio.


Gleyzer integra destacadamente la escuela de documentalistas con alto compromiso social, característico de los tardíos años sesenta e inicios de los setenta, pero, a diferencia del gran polo de cineastas vinculados al peronismo revolucionario, cuyo emergente máximo fue el grupo Cine Liberación, la obra de Raymundo en el grupo Cine de la Base, es muy crítica respecto a la figura de Perón y en particular de la dirigencia sindical peronista.

En LOS TRAIDORES, Raymundo Gleyzer realiza una impiadosa radiografía de la burocracia sindical argentina.

El título que eligió para su film, hoy mítico, lo dice todo: Los Traidores (el título original iba a ser Una Muerte Cualquiera).

El film está basado en un cuento de Víctor Proncet, “La Víctima”, que narraba un hecho verídico: el auto secuestro del dirigente sindical peronista Andrés Framini.

En la película de Gleyzer, Proncet encarna a “Barrera”, un burócrata sindical peronista, síntesis de Augusto Timoteo Vandor, Lorenzo Miguel y Andrés Framini, tres conocidos y emblemáticos dirigentes de la burocracia sindical.

En el film “Barrera” se parece físicamente a José Ignacio Rucci (otro paradigma del sindicalismo burocrático), se auto secuestra, como lo había hecho Framini, dice frases de Lorenzo Miguel y termina muriendo en un atentado guerrillero como Vandor.

MIÉRCOLES 23 DE AGOSTO
LAS ACACIAS - 2011
Director: PABLO GIORGELLI

Guion: Pablo Giorgelli, Salvador Roselli
Fotografía: Diego Poleri

Duración: 85 minutos

Reparto: Germán de Silva, Hebe Duarte, Nayra Calle Mamani

Sinopsis:
Por encargo, un camionero debe llevar a una mujer desconocida desde Asunción, Paraguay, hasta Buenos Aires, en Argentina. La mujer trae consigo una niña en brazos. Son 1.500 kilómetros de viaje por delante.

Premios
2011: Festival de Cannes: Cámara de Oro (Mejor ópera prima)
2011: Festival de San Sebastián: Mejor película (sección "Horizontes latinos")
2011: Satellite Awards: Nominada a Mejor película de habla no inglesa
2012: Premios Sur: Mejor ópera prima y actriz revelación (Hebe Duarte)
2012: Cóndor de Plata: 2 premios (Mejor película y montaje)


La ópera prima de Giorgelli es una rigurosa y emotiva road-movie sobre la relación entre un camionero huraño y una madre soltera de origen paraguayo que aborda con simples recursos y mucho talento los lazos afectivos, la solidaridad y la necesidad de amar. Ha sido una de las películas nacionales más importantes del año 2011.

Las Acacias es una película pequeña, pero de logros enormes, una historia simple que aborda temas universales.

Un hombre debe trasladar en su camión un cargamento de troncos de acacias desde Paraguay hasta Buenos Aires. El hombre es un solitario, como suelen serlo los de su oficio y tiene su vida organizada a bordo de su vehículo-vivienda. Pero, esta vez, quien lo ha contratado le agrega un extra: una pasajera que además trae una beba consigo.

Así comienza esta road movie que, como todas las de su género, resulta un viaje iniciático para esas tres personas.

Con escasos diálogos, y en base a miradas, gestos y actos por demás elocuentes, estamos ante una película de climas.

Al principio callado, hosco, Rubén (Germán de Silva) no oculta su desagrado, su incomodidad ante esas dos intrusas que han invadido su cabina.

Jacinta (Hebe Duarte) lo percibe, y respeta sus silencios, que hace propios, y casi no sostienen diálogo en la primera media hora del film. Recién entonces él le preguntará sus nombres.


Será Anahí, la bebita, con su sonrisa encantadora, su mirada expresiva, sus actitudes de simpatía hacia Rubén, quien ayudará a ablandar de a poco la dura coraza del hombre quien, es evidente, vive un vacío emocional y afectivo. Así, va estableciéndose entre los tres un vínculo que al principio parecía impensable.

Poco se contarán los protagonistas acerca de su pasado, de sus familias. No hay confidencias, tampoco explicaciones. Y no hacen falta.

Sin música ilustrativa, el sonido ocupa una importancia relevante: el llanto de la beba, los ruidos de la ruta, los del propio camión, los silencios, componen una banda sonora pletórica de significados.

Es además un film respetuoso de los tiempos, en el que jamás decae la tensión narrativa, y nunca se cae en los lugares comunes.

En esta película donde el lenguaje corporal cobra una importancia radical, basta comparar dos momentos similares: cuando Rubén recibe a madre e hija al pie de su camión por primera vez, y cuando, después de una noche y una escala técnica, vuelve a esperarlas junto al vehículo para continuar viaje. Todo su cuerpo expresa la transformación que se ha producido.

Rodada en su mayor medida dentro de la cabina, desde una y otra ventanilla hacia el interior, alternando con el enfoque del espejo retrovisor, la película recuerda a las de Abbas Kiarostami, otro director de seres itinerantes, cuyos films también transcurren en gran parte dentro de los vehículos, y también abordan temas universales desde pequeñas historias particulares.

Giorgelli ha evidenciado en varias entrevistas, la importancia que para él conlleva el tema de la paternidad.


Las Acacias, con su sensibilidad, habla de los lazos afectivos, de la solidaridad, de la necesidad de amar, sin otros recursos que una dirección inteligente y dos actores estupendos, nada menos. Y, por supuesto, con las horas que habrá necesitado el equipo de dirección hasta obtener los gestos adecuados de esa niña excepcional.

MIÉRCOLES 30 DE AGOSTO

Proyección de “LOS LABIOS” de SANTIAGO LOZA e IVAN FOUND, con la presencia de Santiago Loza en la sala, en el marco de la programación de la 21ª Semana de Cine Argentino en Salta que se llevará a cabo del 24 al 30 de agosto de 2017.




REFERENCIAS:


COMENZAMOS LAS VACACIONES DEL MES DE JULIO!!!


Durante el mes de Julio, comenzamos el receso de todos los años. Los esperamos el miércoles 9 de agosto!!!


MES DE JUNIO – KRZYSZTOF KIEŚLOWSKI


Durante el mes junio presentaremos 4 de las grandes películas del director y guionista polaco KRZYSZTOF KIEŚLOWSKI, consagrado   internacionalmente.

Krzysztof Kieślowski nació el 27 de Junio de 1941 y falleció el 13 de marzo de 1996, en Varsovia, Polonia

En 1957, se inscribió en la Escuela de Cine y Teatro de Łódź. Su primera producción cinematográfica estuvo centrada en la vida de los trabajadores y los soldados de su Polonia natal.



A fines de los años 1980, realizó para la televisión una de sus obras más importantes: DEKALOG (Decálogo). Esta es una obra basada en la estructura de los Diez Mandamientos con la que Kieślowski tomó la religión para hablar del ser humano y de sus contradicciones morales. Cada capítulo tiene una duración aproximada de una hora.

A principio de los años 1990 comenzó a trabajar en Francia, donde realizó su más importante trabajo, la trilogía TROIS COULEURS (Tres Colores), dedicada a la bandera francesa.

Tras esto comenzó a escribir el guion basado en La Divina Comedia de Dante, mediante una trilogía titulada Paraíso, Purgatorio e Infierno, para llevarlo a la pantalla.

Sin embargo, en 1996, sin concluir este guion, murió de un ataque cardíaco en su ciudad natal, cuando aún no había cumplido 55 años, en su momento de mayor reconocimiento.

Fue uno de los cineastas europeos más destacados, con una obra que retrata la Polonia y la Europa de la segunda mitad del siglo XX a través del documental y la ficción.

Durante el mes de junio presentaremos la famosa trilogía Tres Colores, compuesta por las películas BlueBlanc y Rouge.

Estas tres películas se centran en los ideales revolucionarios franceses. Azul es un complejo estudio psicológico sobre la libertad, Blanco es una comedia dramática centrada en la igualdad y Rojo gira en torno a la idea de la fraternidad.

Tres colores. Tres películas. Tres actrices francesas. Tres trabajos. Una bandera. Un guion colosal. Una fotografía que eleva. Una música que se recordará siempre. Un trabajo titánico. Puro cine.


Cada título hace referencia a uno de los colores de la bandera francesa y la acción se desarrolla en diferentes ciudades del mundo: París (Francia), Varsovia (Polonia) y Ginebra (Suiza) respectivamente.

Además, para concluir el ciclo, presentaremos el filme Una Película de Amor, que es la versión ampliada del Capítulo 6 del Decálogo de Kieślowski.




MIÉRCOLES 7 DE JUNIO
TROIS COULEURS: BLEU, 1993
DIRECTOR: KRZYSZTOF KIEŚLOWSKI

Guion: Krzysztof Kieślowski y Krzysztof Piesiewicz
Producción: Krzysztof Piesiewicz

Reparto:
Juliette Binoche: Julie Vignon-de Courcy
Benoît Régent: Olivier Benoit
Charlotte Very: Lucille
Emmanuelle Riva: Madame Vignon (madre de Julie)
Florence Pernel: Sandrine

Premios:

Festival de Venecia, 1993: Mejor película, Mejor actriz para Juliette Binoche y Mejor fotografía para Sławomir Idziak.

Premios César, 1993: Mejor actriz: Juliette Binoche, Mejor sonido: Jean-Claude Laureux, Mejor montaje: Jacques Witta.

Premios Goya a la Mejor película europea.



Liberté: El azul. La acción se sitúa en París. Julie pierde a su familia en un accidente de coche. De un brusco desgarro, la “mujer de” uno de los compositores más importantes de la actualidad se encuentra sola, sin ataduras y, por lo tanto, libre.


MIÉRCOLES 14 DE JUNIO
TROIS COULEURS: BLANC, 1994
DIRECTOR: KRZYSZTOF KIEŚLOWSKI

Guion: Krzysztof Kieślowski y Krzysztof Piesiewicz
Producción: Krzysztof Piesiewicz

Reparto:
Zbigniew Zamachowski: Karol
Julie Delpy: Dominique Vidal
Janusz Gajos: Mikolaj
Jerzy Stuhr: Jurek

Premios:

Festival Internacional de Cine de Berlín: Oso de Plata - Mejor Director

Nominaciones: Oso de Oro - Krzysztof Kieślowski




Égalité: El blanco. “Esta es una historia sobre la negación de la igualdad. El concepto de igualdad sugiere que todos somos iguales. Sin embargo, yo creo que esto no es cierto. Nadie quiere ser el igual de su próximo. Cada uno quiere ser más igual.

Kieslowski, con sus propias palabras, resume el espíritu de la historia de un inmigrante polaco que no logra retener el sueño de la Europa occidental (esto es, de su mujer francesa) y debe volver a su país de origen. Allí, en una Varsovia que se asoma al capitalismo salvaje, deberá buscar nuevas vías de conseguir su objetivo de abrazar el capitalismo occidental.

En Blanc (Blanco) volvemos a ser testigos de un intimista estudio de personajes, una representación de humanidad que se traslada de París a los fríos y blancos parajes de la Polonia natal de Krzysztof Kieślowski.


MIÉRCOLES 21 DE JUNIO
TROIS COULEURS: ROUGE, 1994
DIRECTOR: KRZYSZTOF KIEŚLOWSKI

Guion: Krzysztof Kieślowski y Krzysztof Piesiewicz
Producción: Krzysztof Piesiewicz

Reparto:
Irène Jacob: Valentine Dussaut
Jean-Louis Trintignant: Joseph Kern (el juez)
Jean-Pierre Lorit: Auguste Bruner
Frederique Feder: Karin

La banda sonora de Rojo fue compuesta por Krzysztof Kieślowski con la colaboración de Zbigniew Preisner.

Premios:

1994- Boston Society of Film Critics, Mejor película extranjera.
1994- Los Angeles Film Critics Association, Mejor película extranjera.
1994- New York Film Critics Circle, Mejor película extranjera.
1995- Chicago Film Critics Association, Mejor película extranjera.
1995- Premios César, Mejor banda sonora: Zbigniew Preisner
1995- Independent Spirit, Mejor película extranjera



Fraternité: El rojo. Valentine, el juez Kern y Auguste son tres extraños que van a cruzar sus caminos, aunque aún no lo sepan. Los personajes que inicialmente no estaban relacionados llegan a estar íntimamente fraternizados. Dota al color rojo del calor del amor y de la vida.

Kieslowski sitúa la acción en Ginebra, lo cual contribuye al tema de la fraternidad, al ser Suiza un país de convivencia lingüística, cultural y religiosa. Más aún es la cuna del reformismo de Calvino, cuyas ideas de la predestinación pululan en el personaje del juez. 

No obstante, el simbolismo del color rojo como parte de los idearios revolucionarios franceses y por ende de la cultura europea y occidental, y que articula la trilogía, se amplía a otros ámbitos: el personaje masculino protagonista es juez, y en el protocolo universitario el color rojo se asocia con el Derecho; el personaje femenino protagonista se vincula escenográficamente con el rojo como muestra de la habitual representación de este color con la energía vital y con el amor.


MIÉRCOLES 28 DE JUNIO
UNA PELÍCULA DE AMOR, 1988
DIRECTOR: KRZYSZTOF KIEŚLOWSKI

Guion: Krzysztof Kieślowski y Krzysztof Piesiewicz
Producción: Krzysztof Piesiewicz

Reparto:
Grażyna Szapołowska - Magda
Olaf Lubaszenko - Tomek
Stefania Iwińska - madrina de Tomek
Piotr Machalica - Roman
Artur Barciś - hombre con la maleta
Małgorzata Rożniatowska - jefa de la oficina de correos
Stanisław Gawlik - cartero Wacek
Rafał Imbro - amante de Magda
Jan Piechociński - amante de Magda
Krzysztof Koperski - controlador del medidor de gas
Jaroslawa Michalewska - empleada de la oficina de correos
Emilia Ziólkowska - anciana en la oficina de correos
Anna Gornostaj - enfermera



Premios:

XIII Festival de Cine Polaco de Gdynia (1988):
Mejor Actriz: Grażyna Szapołowska
Mejor Actriz Secundaria: Stefania Iwińska
Mejor Fotografía: Witold Adamek
Mejor Guion: Krzysztof Kieślowski y Krzysztof Piesiewicz
León de Oro: Krzysztof Kieślowski

Festival Internacional de Cine de San Sebastián (1988):
Premio Especial del Jurado
Premio OCIC (Organización Católica Internacional de Cine)
Premio de los Periodistas

Festival Internacional de Cine de São Paulo (1989):
Premio del Público
Premio de los Críticos de Cine

Premios de los Críticos de Cine de Chicago (1989):
Mejor Actriz (Premio Hugo de Plata): Grażyna Szapołowska
Mejor Película en idioma extranjero

Festival de Cine de Venecia (1989):
Premio FIPRESCI (Federación Internacional de Prensa Cinematográfica): Krzysztof Kieślowski

No Amarás es el título original (en polaco: Krótki film o miłości) de “Una película de amor”.



Es la versión fílmica ampliada del sexto episodio, una variación sobre el sexto mandamiento “No cometerás adulterio”, del drama para la televisión compuesto de diez episodios llamado Dekalog (“El decálogo”).

El filme, desarrollado en un complejo de edificios de apartamentos en Varsovia, trata sobre la obsesión, y explora los tópicos del amor y del voyeurismo a través de la relación entre el joven Tomek (Olaf Lubaszenko) y la adulta Magda (Grażyna Szapołowska).

Esta relación comienza cuando él la espía y observa por medio de un telescopio.

Obsesionado con ella, el joven inventa razones para poder verla y hablarle hasta que lo consigue y finalmente confiesa su conducta y sus sentimientos.

Esto da lugar a problemas psicológicos para él y para ella mostrando cómo el bien y el mal cambian de ida y de vuelta.