MES DE JULIO - PRIMER CICLO DE CINE SOBRE DIVERSIDAD SEXUAL EN SALTA


En sintonía con la histórica Declaración de la ONU sobre orientación sexual e identidad de género, el Cine Club de los Miércoles de la Fundación COPAIPA, presenta cuatro películas acompañadas con invitados especiales que debatirán con el público sobre la problemática y la larga lucha por hacer respetar la Diversidad Sexual en nuestro país.

El Miércoles 2 de Julio abrimos el ciclo con la película "UN AÑO CON 13 LUNAS" del maestro alemán RAINER WERNER FASSBINDER. Nos acompañará en el debate el Lic. Nicolás Hirtz, responsable del INADI-Salta y disertará sobre los avances en nuestro país en materia de Derechos a la Diversidad Sexual.


El Miércoles 16 de Julio proyectaremos la película argentina "MIA" Opera Prima de JAVIER VAN DE COUTER. Nos acompañará Ro Liendro representante de ALUDIS (Asociación de Lucha contra la Discriminación Sexual).


El Miércoles 23 de Julio proyectaremos "LENGUA MATERNA" película argentina de LILIANA PAOLINELLI. Nos acompañará Gabriela Veleizan, representante del colectivo lesbiano ARPIAS, espacio de reflexión y lectura de lesbianas.





El Miércoles 30 de Julio cerramos el ciclo con la obra maestra del director hongkonés WONG KAR WAI filmada en Buenos Aires, "FELICES JUNTOS". Nos acompañará Matías Hessling, coordinador del Observatorio para la Promoción de Derechos de diversidad sexual en Salta.




A diciembre de 2008, la homosexualidad es ilegal en 77 países, en siete de los cuales es castigada con la pena de muerte.

La declaración de la ONU sobre orientación sexual e identidad de género es una iniciativa francesa, respaldada por la Unión Europea, presentada ante la Asamblea General de las Naciones Unidas el 18 de diciembre de 2008. La declaración, originalmente propuesta como resolución, provocó otra declaración en sentido opuesto promovida por países árabes. Ambas declaraciones permanecen abiertas a nuevas firmas. La declaración condena la violencia, el acoso, la discriminación, la exclusión, la estigmatización y el prejuicio basado en la orientación sexual y la identidad de género. También condena los asesinatos y ejecuciones, las torturas, los arrestos arbitrarios y la privación de derechos económicos, sociales y culturales por estos motivos.

La declaración supuso un gran avance para los derechos humanos que rompió el tabú de hablar sobre los derechos LGTB en las Naciones Unidas.

Los 34 países miembros de la Organización de Estados Americanos aprobaron de forma unánime una declaración en la que se extendía la protección de los derechos humanos a la identidad de género y la orientación sexual.

66 de los 192 miembros de la Naciones Unidas firmaron la declaración, incluyendo todos los países de la Unión Europea, y la mayoría de los países occidentales, con la excepción de los Estados Unidos, que tras declarar que firmarla era incompatible con su ordenamiento interno ha decidido finalmente apoyarla sin firma.

Entre los primeros en posicionarse en contra de la declaración se encontró al Vaticano, la totalidad de los países islámicos y China.

La declaración enuncia entre otros postulados:

“...todos los seres humanos nacen libres e iguales en dignidad y derechos...”

“...todas las personas tienen derecho al goce de sus derechos humanos sin distinción alguna de raza, color, sexo, idioma, religión, opinión política o de cualquier otra índole, origen nacional o social, posición económica, nacimiento o cualquier otra condición...

“Estamos, asimismo, alarmados por la violencia, acoso, discriminación, exclusión, estigmatización y prejuicio que se dirigen contra personas de todos los países del mundo por causa de su orientación sexual o identidad de género, y porque estas prácticas socavan la integridad y dignidad de aquéllos sometidos a tales abusos.

“Condenamos las violaciones de derechos humanos basadas en la orientación sexual o la identidad de género dondequiera que tengan lugar, en particular el uso de la pena de muerte sobre esta base...

“Hacemos un llamado a todos los Estados y mecanismos internacionales relevantes de derechos humanos a que se comprometan con la promoción y protección de los derechos humanos de todas las personas, independientemente de su orientación sexual e identidad de género."

Conseguir esta declaración de la ONU es el resultado del esfuerzo colectivo global de muchas organizaciones LGTB y de derechos humanos.

La declaración fue leída por el embajador de la Argentina, Jorge Argüello el 18 de diciembre de 2008, siendo esta la primera declaración sobre derechos homosexuales leída en la Asamblea General.

Desde entonces nuestro país ha realizado avances significativos en el tema que serán abordados por los diferentes invitados especiales que acompañaran las proyecciones.

El CINE CLUB DE LOS MIÉRCOLES DE LA FUNDACIÓN COPAIPA es un proyecto orientado a exhibir obras cinematográficas nacionales e internacionales, destacadas por su calidad artística y temática.

MES DE JUNIO - CINE - DEPORTE - CINE


En el Junio, vamos a sumarnos, desde nuestro lugar y a nuestra manera, a la movida internacional que se instaló por el Campeonato Mundial de Fútbol. 

La idea es presentar películas en las cuales los personajes son deportistas, que practican su especialidad porque les gusta, porque hay dinero en juego o porque están motivados por la competencia y por otras diferentes razones que descubriremos juntos. 

Cada uno nos mostrará su destreza en distintas circunstancias de la vida.

MIÉRCOLES 11 de JUNIO
EL COLOR DEL DINERO
Director: MARTIN SCORCECE

Guión: Richard Price (Novela: Walter Tevis)
Fotografía: Michael Ballhaus
Música: Robbie Robertson
EEUU, 1986
Reparto: Paul Newman, Tom Cruise, Mary Elizabeth Mastrantonio, John Turturro, Helen Shaver, Forest Whitaker, Bill Cobbs, Keith McCready, Iggy Pop.



Sinopsis: Eddie Felson, antiguo campeón de billar retirado, vive de su negocio de licores. Un día, en una sala de juego, conoce a Vincent, un joven jugador de billar, que aún no ha encontrado un oponente de su talla, y que siempre va acompañado de su novia, que es la que se encarga de las apuestas que se hacen a favor de Vincent.

MIÉRCOLES 18 de JUNIO
GALLIPOLI
Director: PETER WEIR

Guión: David Williamson (Novela: Ernest Raymond)
Fotografía: Russell Boyd
Música: Brian May
Australia, 1981
Reparto: Mel Gibson, Mark Lee, Bill Hunter, Robert Grubb, Tim McKenzie, David Argue, Ron Graham, Bill Kerr.



Sinopsis: Primera Guerra Mundial, 1915. Reza la leyenda del filme: "De un lugar del que nunca has oído hablar llega una historia que nunca olvidarás". Dos amigos australianos, ambos atletas, deciden alistarse para ir a la guerra y les toca luchar contra los turcos en la batalla de Gallipoli.

MIÉRCOLES 25 de JUNIO
GATICA, EL MONO
Director: LEONARDO FAVIO

Guión: Leonardo Favio, Jorge Zuhair Jury
Fotografía: Alberto Basail, Carlos Torlaschi
Música: Dámaso Pérez Prado, Iván Wyszogrod
Argentina, 1993
Reparto: Edgardo Nieva, Horacio Taicher, Juan Costa, María Eva Gatica, Kika Child, Virginia Innocenti, Adolfo Yanelli, Eduardo Cutuli, Cecilia Cenci, Armando Capo.



Sinopsis: La película recorre la vida de José María Gatica (1925-1963), desde su infancia llena de carencias, su trabajo, como lustrabotas, pasando por su momento de gloria como boxeador, hasta su decadencia.
Gatica desde mediados de los 40 y por más de una década, fue ídolo argentino del boxeo.
Este ícono popular, analfabeto, mujeriego y alcohólico, daba un trato considerado a las chicas del cabaret y a los marginados y tenía desavenencias con las clases dominantes que a su propio pesar lo admiraban por ser el campeón.

LA POTENCIA CREATIVA DE UNA IDENTIDAD. Por Gabriel Fernández

A los 74 años ha muerto el querido Leonardo Favio.
Multifacético. Aunque partiendo de un punto: esa identidad social aguda, reconocible, palpable, dolorosa y disfrutable que atravesó toda (s) su (s) obra (s). A partir de allí, la vida y el canto.
Vale transitar hoy América latina para entender hasta qué punto su voz, su rosa, han calzado hondo en los sentimientos de nuestros pueblos.
Favio fue tan nuestro que hasta cuando, impulsado por su propio personaje, admitió mitificaciones, las mismas no hacían más que ratificar su mismidad.
Un repaso al texto de Adriana Schettini, nos da la pauta: hasta lo que no fue, podría haber sido.
Todo lo que le ocurre a un hombre de nuestro pueblo podría haberle sucedido a él.
Y el cine: es claro que estamos ante el más grande director de la Patria. El creador de El Dependiente, Crónica de un Niño Solo, El Romance del Aniceto y la Francisca, Gatica, el Mono, y Sinfonía de un Sentimiento.
Es claro, porque al liberar las energías de su propio punto de partida, de su propio origen, la obra de Favio resulta emocionalmente arrasadora, con un nivel de apertura a las variantes creativas que trasciende definiciones eruditas.
En la incomparable Gatica, lo mostró con nitidez, y hasta se permitió una objeción subyacente acerca de la distancia entre desafíos internos y externos, preparaciones y autoengaños. Y más: logró evocar a una figura tan querida sin idealizarla, sin transformarla en héroe por encima de sus posibilidades, pero dando cuenta del fondo de un corazón que enamoraba. 

REFERENCIAS 
http://www.filmaffinity.com
http://www.imdb.com/

MIÉRCOLES 4 DE JUNIO - HOMENAJE A EDGARDO CHIBÁN


CINÉFILOS A LA INTEMPERIE de Carlos O. García y Alfredo Slavutzky. Argentina, 2005

Una película singular y realizada fuera de los canones de la producción tradicional, que tiene a Edgardo Chibán, que es salteño entre sus cinéfilos. 



SOBRE CINEFILOS A LA INTEMPERIE 

CINÉFILOS A LA INTEMPERIE permite seguir reflexionando sobre los cambios en la cinefilia local, el estado de la crítica y el paso del tiempo.
Estaba ordenando el escritorio y me encontré con un DVD que Carlos O. García me dio en un pasillo durante el último BAFICI, aunque la película se dio en el festival hace un par de años.
fue filmada por el propio García y Alfredo Slavuztky entre 1989 y 1990, pero se montó recién en 2005 y su existencia posterior fue casi tan invisible como la que sucedió a su rodaje: no se transformó siquiera en una película de culto.

Es cierto que se trata un film inasible. Por un lado, varios de sus protagonistas murieron o desaparecieron de la luz pública.

Pero, sobre todo, da toda la impresión de ser una película de una minoría, sobre una minoría y para una minoría. "Este film documenta el estado de la cinefilia argentina hacia fines del siglo XX", dice la caja, y la verdad es que su tema no resulta en principio apasionante y hasta es probable que no lo sea.

Esto es así por dos razones, una buena y otra mala. La mala (o la buena, depende desde donde se mire) es que la cinefilia nacional era ya entonces, hace veinte años, una pasión crepuscular. Mucho antes de lamentos como aquellos de los que nos ocupamos en la columna anterior, en esa época ya se hablaba del cine como de una batalla perdida, como una pasión sin esperanzas, amenazada por el cierre de las salas, la muerte de los grandes maestros, la ineptitud de sus discípulos, la pobreza de la cinematografía local y el desinterés de los consumidores. De hecho, la visión más pesimista entre los críticos actuales resulta más optimista que la que deja traslucir la película, filmada en el momento en el que aficionados y sociólogos empezaban a coincidir en que al cine le quedaba poca vida.

Pero la otra razón es muy curiosa. Aunque hay argumentos para sostener que se trata de un documental (los personajes hablan de su infancia en el
cine, de sus directores preferidos, de sus rutinas y de sus obsesiones),  es más que nada un juego inteligente planeado por Rodrigo Tarruella y los realizadores.
Consiste en simular una serie de entrevistas y dejar que los entrevistados reaccionen frente a la cámara con distintos grados de complicidad -desde la respuesta solemne al guiño intencionado- mientras se juega, al mismo tiempo, a otro juego que consiste en hacer una película. Es decir a elegir locaciones, plantear un travelling, disponer las figuras en el cuadro, disfrutar del aire libre.
El resultado es muy raro. Por un lado, aparece Adolfo Aristarain diciendo más o menos lo que ha repetido en docenas de entrevistas, el filósofo Alberto Delorenzini hablando de cosas muy difíciles o Tito Vena mostrando sus homéricas recopilaciones de datos.
Pero también se lo ve a Edgardo Cozarinsky con una inexplicable rosa en la mano (¿la de Coleridge, de la que hablaba Borges?) o a Tarruella, deambulando con una planilla que pretende ser una encuesta o tal vez un guión y haciendo comentarios tan amables como sarcásticos frente a las respuestas de sus interrogados.
Lo que más llama la atención y le da su tono a la película es lo distendidos que están los invitados, como si hablaran desde una burbuja en el más allá, como si quisieran -en palabras de Jorge Acha- dejar un mensaje para los antropólogos del año 3000.

Los
cinéfilos de fines de los 80 parecían gente de buen humor: hasta Jorge García resulta un tipo bien dispuesto. Pero, de todos modos, la película sería otra sin la participación de Acha, que interpreta el juego como nadie y produce un par de intervenciones geniales, seriamente desopilantes. En una de ellas, se asiste al siguiente diálogo:

Acha: El
cine es perjudicial, en general el arte es perjudicial. Es parte de la involución, del fracaso del hombre. Las cucarachas no hacen más arte, tal vez lo hicieron en alguna época hasta que encontraron la forma en la que tenían que vivir.

Tarruella: Pero las cucarachas cucarachean, no pueden hacer otra cosa.

Acha (imperturbable): No te creas, me parece que decidieron hacer un poco menos para poder vivir más. El arte es una señal de que el hombre no ha podido alcanzar lo que debía alcanzar y entonces lo recrea.

Artista plástico y cineasta experimental de Miramar, Acha filmó tres largometrajes (
, el inconcluso ) que nunca se estrenaron comercialmente, pero dejaron una impresión notable entre quienes tuvimos la suerte de verlos.
sugiere que nunca le prestamos suficiente atención al personaje.

En otra escena, preguntado por el miedo en el
cine, dice que lo aterrorizan las películas familiares, los cumpleaños y los casamientos porque la muerte está allí presente como nunca. Especialmente, dice:

“Cuando alguien saluda así a cámara, así como lo hago yo en este momento, ahí cagó: eso es jugar con la muerte y es peligrosísimo.”


Acha murió unos años más tarde, cuando apenas tenía cincuenta.
También murieron Tarruella, Vena y Edgardo Chibán, gran cinéfilo salteño.
Los otros están invariablemente más viejos, incluido un columnista de este sitio.
Hay una gran melancolía en la película que se transmite a todos los que conocimos a sus personajes. Pero también, casi milagrosamente, prevalece otra sensación: la alegría de un juego para muchachos grandes que nunca dejaron de ser niños y nos hablan desde una noble y despreocupada inocencia, una inocencia que se revela de otra época a pesar de que no es tanto el tiempo transcurrido. Ese es el secreto que, sin duda, no escapará a los antropólogos del próximo milenio.
http://www.otroscines.com/columnistas_detalle.php?idnota=1787&idsubseccion=11

“Cinéfilos hablando de cine. Un merecido canto a sí mismos entonado por hombres que mentan un pasado en donde se asentaron sus historias personales, sus particulares mitos y manías. Todos sus ayeres confluyen en el cine, el hechizo por el que se hicieron hombres. 

Cinefilia como territorio mórbido, convivencia de pasado y porvenir. 

La película registra esos equilibrios extraños, esa particular forma de vida y saber ignorada por la cultura oficial, sobreviviente a todas las tempestades del último medio siglo.

Algo querrá decir que muchos de los testimoniantes estén muertos o expatriados, o que sostengan sus carreras cinematográficas en un empecinado equilibrio entre dos mundos (Aristarain, Cozarinsky).

Cinefilia como melancolía y conflicto. Pagés y Tarruella dan cuenta de ello, aferrándose al cine como efímero territorio de resolución, como improvisado auditorium de su magisterio discreto.

También Jorge Acha, uno de los magnéticos ejes del film, una especie de stand up comedian aterradoramente lúcido, saludando a futuro a su propia y cercana muerte, poniéndole el cuerpo a la certeza de que el cine y la vida terminan siendo la misma cosa.” 

Eduardo Rojas

MES DE MAYO - CINE INDIO - TRILOGÍA APU

La TRILOGÍA DE APU es una serie de tres películas dirigidas por SATYAJIT RAY (19921-1992).

Concluidas entre 1955 y 1960, están basadas en las novelas del bengalí Bibhutibhushan Bandopadhyay.

Esta trilogía tiene la influencia de Jean Renoir y del neorrealismo italiano. La música de la trilogía fue compuesta por RAVI SHANKAR.



Argumento:

Las películas fueron la maduración narrativa del género bildungsroman, término alemán para la novela de iniciación o novela de aprendizaje, género literario que retrata la transición de la niñez a la vida adulta.

En la trilogía se describe la infancia, la educación y la posterior madurez de un joven bengalí a principios del siglo XX.

Los filmes retratan sus experiencias rurales en Bengala, como hijo de una pobre familia, pero de gran casta.
Su padre tenía dificultades para sostener a su familia.

Apu estudia y resulta ser un estudiante brillante.

Contrae matrimonio, y luego de transitar tremendas dificultades, asume sus responsabilidades.

SATYAJIT RAY nació en una familia de artistas e intelectuales, y con una formación que también incluía el diseño gráfico y las bellas artes.




SATYAJIT RAY fue un cineasta prolífico que se diferenció de la industria cinematográfica de su país (famosa por los musicales de Bollywood) con filmes sobrios, sutiles y poéticos, películas que delatan la influencia del neorrealismo pero con un estilo propio y una mirada humanista, atenta a las circunstancias sociales de la India, a los cambios históricos, al choque entre las viejas tradiciones y los nuevos valores, y a los conflictos de clase.

SATYAJIT RAY alcanzó la fama en occidente y la consagración en festivales con su célebre TRILOGIA DE APU, pero continuó dirigiendo hasta un año antes de su muerte, llegando a completar una filmografía que alcanza las 37 películas y que lo convirtieron en un verdadero icono cultural de la India.


MIÉRCOLES 7 de MAYO
“PATHER PANCHALI” (CANCIÓN DEL PEQUEÑO CAMINO) (1955), con Subir Bannerjee, Kanu Bannerjee y Karuna Bannerjee.







MIÉRCOLES 14 de MAYO
“APU SANSAR” (1959), con Soumitra Chatterjee, Sharmila Tagore y Alok Chakravarty. 


 
MIÉRCOLES 21 de MAYO

Nota: Por razones insuperables, no pudimos proyectar APAJARITO, pero disfrutamos de un cortometraje del director hongkonés, Wong Kar Wai y de una obra de arte del director iraní, Jafar Pahani.


MIÉRCOLES 28 de MAYO

“APARAJITO” (1956), con Pinaki Senhupta, Smaran Ghosal, Kanu Bannerjee y Karuna Bannerjee.




HISTORIA DEL CINE INDIO

La industria del cine de la India es la más importante del mundo en términos numéricos en cuanto al volumen de largometrajes y cortometrajes anuales. India contabiliza el 73% de los ingresos por la edición de películas en la zona de Asia-Pacífico.

Los indios son los ciudadanos del mundo que más acuden al cine, con cifras récord que han alcanzado los mil millones de personas en tres meses, índice favorecido por al ínfimo coste de las entradas, que apenas alcanzan los 17 céntimos de euro por persona (0,20 dólares estadounidenses).

A su vez, en los últimos años, el cine indio se ha extendido al resto del mundo con algunos éxitos, sobre todo en países con un gran número de ciudadanos indios inmigrantes.

Aunque los hermanos Lumière visitaron por vez primera la India en 1896, no sería hasta 1913 cuando se produjo y se editó la primera película autóctona digna de mencionarse, Harishandra, dirigida por Dadasaheb Phalke, sobre un tema mitológico que se ha convertido, hasta la actualidad, en la temática central del cine indio.

A pesar de que la industria cinematográfica india ha sido conocida en occidente por su volumen de manera reciente, ya en los años 30 el número de películas superaba el centenar por año. Con la aparición del cine sonoro en 1931 (Alam Ara), las productoras se instalaron en distintos lugares, en relación con las lenguas: Bombay (para el hindí, conocido popularmente, como Bollywood); Tollygunge (para el cine en bengalí); Kerala (en Malayalam, conocido como Mollywood); Kodambakkam (en tamil, conocido como Kollywood); Madras y Calcuta.
No obstante, el hindí representaba la mayoría de la producción, con el 83% de las películas, aunque en la actualidad sólo alcanza el 29%.

La temática transcurría desde lo mitológico hasta las historias de amor tradicionales, todo ello rodeado de bailes y danzas tradicionales en un modelo de musical propio.

No obstante, algunos directores como K.A. Abbas (Los hijos de la tierra, 1946), manifestaron sus preocupaciones sociales, coincidiendo con el proceso de independencia de la India.

Hubo que esperar a 1954, ya como estado independiente, para que se viera la primera película sonora india no musical (Munna, de K.A. Abbas). Los primeros directores de cine reconocidos internacionalmente fueron Satyajit Ray (bengalí), Sehkar Kapur y Mrinal Sen.

El cine indio, además de recibir influencias propias de su cultura, ha sido capaz de influir en el musical en lengua inglesa, en figuras tales como Andrew Lloyd Webber o Baz Luhrmann.

REFERENCIAS
http://www.filmaffinity.com
http://www.imdb.com/
http://filmoteca-canal7.blogspot.com.ar/

MES DE ABRIL - DOS ARTES, CINE Y PINTURA

Cine y Pintura conforman una entrañable relación, un viaje de ida y vuelta constante, donde el cine ha buscando su inspiración en el lenguaje pictórico, tanto en la forma como en el color.

“El arte de pintar, como el arte de filmar, comparten un destino sublime: ambas retratan instantes de eternidad.

La expresión pictórica crea su propia iluminación.

La expresión cinematográfica se sustenta en la iluminación.

La pintura crea su propio movimiento.

La cinematografía plasma acciones y movimientos.

El arte de pintar establece sus propios colores.

El arte de filmar reivindica el color.

Pinturas célebres han dado origen a obras de arte cinematográficas.

Emblemáticos films han inmortalizado la obra de pintores ilustres.”

El cine, por otra parte, «ha contribuido a reencuadrar la pintura moderna», según José Luis Borau, en su discurso como académico electo, leído en el acto de su recepción pública del día 21 de abril de 2002. Tres son, según él, las aportaciones principales del cine a la pintura: la luz, el encuadre y el movimiento.


MIÉRCOLES 9 de ABRIL
EL AMOR ES EL DEMONIO. ESTUDIO PARA UN RETRATO DE FRANCIS BACON
Director: JOHN MAYBURY

Guión: John Maybury
Fotografía: John Mathieson
Música: Ryuichi Sakamoto
País: Reino Unido, 1998
Reparto: Derek Jacobi, como Francis Bacon;  Daniel Craig, como George Dyer;  Anne Lambton, Karl Johnson, Annabel Brooks, Adrian Scarborough, Tilda Swinton y otros.


Sinopsis:
Es el año 1971 y Francis Bacon inaugura su exposición retrospectiva en el Grand Palais de París. Desde William Turner ningún otro artista británico había sido merecedor de tal honor. Es su consagración definitiva como uno de los grandes pintores del siglo XX.

Así comienza esta película que narra la relación sentimental entre Francis Bacon y su amante y modelo George Dyer. Mediante un círculo narrativo que terminará por llevarnos de nuevo a la inauguración de la muestra parisina, el film retorna al momento en el que Dyer entró en la casa de Bacon con la intención de robar, y terminó convertiéndose en su pareja y fuente de inspiración.

Bacon y Dyer, seres complementarios provenientes de mundos antagónicos, vivieron una relación tumultuosa a medio camino entre los ambientes sórdidos del boxeo y el juego, y los más refinados y elitistas del mundo del arte.


La película reproduce con acierto, la estética deformada, agresiva y de luces tenebrosas de la pintura de Bacon, en una simbiosis entre la pintura y el cine que resulta interesante.
Francis Bacon (1909 – 1992) fue un pintor anglo-irlandés de estilo figurativo idiosincrásico, caracterizado por el empleo de la deformación pictórica y gran ambigüedad en el plano intencional.

Francis Bacon realizó algunas de las pinturas más desgarradoras del arte contemporáneo.
Peter Lacy fue su primer gran amor. En 1964 conoció a George Dyer, su amante por muchos años. Lo sorprendió robando en su taller. Esta relación inspiró múltiples obras al artista. En 1974, Bacon inició su relación más estable, con el joven John Edwards, quien heredaría sus bienes.

El taller de Bacon fue donado al museo Hugh Lane Municipal Gallery de Dublín. Fue desmontado y trasladado como una obra de arte en sí misma a dicho museo.


MIÉRCOLES 16 de ABRIL
YUME. LOS SUEÑOS DE AKIRA KUROSAWA
Director: AKIRA KUROSAWA

Guión: Akira Kurosawa
Fotografía: Takao Saito
Música: Shinichiro Ikebe
País: Japón, 1990
Reparto: Yuri Raksha, Maxime Monzouk, Martin Scorsese, Akira Terao, Mitsuko Baisho, Mieko Harada, Toshie Negishi, Mitsunori Isaki, Toshihiko Nakano, Yoshitaka Zushi, Hisashi Igawa, Chôsuke Ikariya, Chishû Ryû.
Premios:
1990: Globos de Oro: Nominada a Mejor película de habla no inglesa.



Sinopsis:
Película compuesta de ocho cortometrajes. Son ensoñaciones dispersas, independientes, pero engarzadas entre sí por deseos, angustias y añoranzas. La historia de Yo, desde su infancia hasta su vejez, sirve para mostrar las relaciones del hombre con el mundo, el arte, la espiritualidad, la muerte. Los ocho relatos (extraídos de sueños de Kurosawa) reflejan lo cambios experimentados por Japón a lo largo de un siglo.


Los sueños es una película profundamente humanista y reflexiva sobre muchos temas que preocupaban a Kurosawa. Pero aparte de toda la filosofía existencialista que subyace a lo largo del film, éste será recordado siempre como una espectacular lección de estética fílmica en la que Kurosawa vuelve a demostrar sus aptitudes como director.


La película explora lo que es la inocencia, la naturaleza, la ecología, la guerra, el arte y la esperanza.


MIÉRCOLES 23 de ABRIL
KLIMT
Director: RAOUL RUIZ

Guión: Raoul Ruiz
Fotografía: Ricardo Aronovich
Música: Jorge Arriagada
País: Austria, 2006
Reparto: John Malkovich, Saffron Burrows, Veronica Ferres, Stephen Dillane, Paul Hilton, Sandra Ceccarelli, Karl Fischer.


Sinopsis:
Retrato del artista austríaco Gustav Klimt, cuyos suntuosos y eróticos cuadros marcaron el estilo Art Nouveau de finales del siglo XIX y principios del XX.

Gustav Klimt (1862 – 1918) fue un pintor simbolista austriaco, y uno de los más conspicuos representantes del movimiento modernista de la secesión vienesa. Klimt pintó lienzos y murales con un estilo personal muy ornamentado, que también manifestó a través de objetos de artesanía, como los que se encuentran reunidos en la Galería de la Secesión Vienesa. Intelectualmente afín a cierto ideario romántico, Klimt encontró en el desnudo femenino una de sus más recurrentes fuentes de inspiración.



Sus obras están dotadas de una intensa energía sensual, reflejada con especial claridad en sus numerosos apuntes y esbozos a lápiz, en cierto modo herederos de la tradición de dibujos eróticos de Rodin e Ingres.

Klimt se convirtió en un personaje muy notable en la alta sociedad vienesa, y estuvo relacionado de un modo u otro con los más notables círculos intelectuales del momento.

En esta producción, la fotografía está a cargo del argentino Ricardo Aronovich, uno de los directores de fotografía de mayor reconocimiento internacional. Aronovich inició su carrera hace casi 40 años, junto al brasileño Ruy Guerra y, desde entonces, ha colaborado con directores de la talla de Alain Resnais, Ettore Scola, Constantin Costa Gavras, Patrice Leconte o Andrzej Zulawski, entre otros.

Raoul Ruiz (1941 - 2011)1 fue un cineasta chileno y un teórico del cine radicado en Francia, país en el que se exilió luego de que ocurriera en Chile el golpe de Estado del 11 de septiembre de 1973.

Formó parte de una generación de directores chilenos políticamente comprometidos, como Miguel Littín, Helvio Soto y Patricio Guzmán. Gradualmente se le catalogó como un autor distinto, que realizaba películas cada vez más creativas, surrealistas, irónicas y experimentales. Es considerado por muchos como el cineasta chileno más importante de la historia.


MIÉRCOLES 30 de ABRIL
FRIDA, NATURALEZA VIVA
Director: PAUL LEDUC

Guión: José Joaquín Blanco, Paul Leduc
Fotografía: Ángel Goded
País: México, 1984




Reparto:
Ofelia Medina, como Frida Khalo; Juan José Gurrola, como Diego Rivera; Max Kerlow, como León Trotsky; Salvador Sánchez, como David Alfaro Siqueiros y otros.

Obtuvo 17 premios en México y en varios países.

En México obtuvo el Premio Ariel por mejor película, mejor director, mejor actriz, mejor edición, mejor fotografía, mejor ambientación, mejor co-actuación femenina, mejor co-actuación masculina y mejor argumento original.

También ganó diversos premios en los Festivales de Cine de Bogotá, de La Habana, de Estambul y los premios ACE.

Este filme ocupa el lugar 50 dentro de la lista de las 100 mejores películas del cine mexicano, según la opinión de 25 críticos y especialistas del cine en México, publicada por la revista somos en julio de 1994.

Desde su lecho de moribunda, Frida Kahlo (1907-1954), la gran pintora, reconstruye acorde a las auténticas palpitaciones de la memoria, es decir, de una manera inconexa y fragmentada, únicamente a través de las imágenes, su vida y su obra, que fue medular en la época del muralismo mexicano.


Así empieza FRIDA, NATURALEZA VIVA, la primera película biográfica de la pintora mexicana, dirigida por PAUL LEDUC.

Este director nació en la ciudad de México en 1911. Dirigió varios cortometrajes con motivo de las Olimpiadas en 1968, después se entregó al cine documental. Entre sus trabajos están: Reed México Insurgente (1970) y Etnocidio: Notas sobre el Mezquital (1976). En 1977 fue galardonado con un Ariel por su labor cinematográfica.

LEDUC ha mantenido su prestigio como cineasta, pero sus realizaciones comerciales como ¿Cómo ves? (1985), Barroco (1985), Latino Bar (1991) y Dollar Mambo (1993) lo han alejado del cine.

FRIDA, NATURALEZA VIVA es una película que se filmó con bajo presupuesto, sin embargo, logra narrar poéticamente el México durante y después de la revolución.

La mayoría de escenas fueron filmadas en el interior de la Casa Azul (Museo Frida Kahlo), pero la película empieza con un flashback en el Palacio de Bellas Artes cuando el cuerpo de Kahlo está siendo velado bajo la bandera comunista.

El ritmo nos invita a la reflexión, y la producción es artesanal; es decir, no se vale de efectos especiales para contar la historia, sino que apela a la imagen artística como recurso primario.

El guión no es extenso; los diálogos están cargados de la ideología política de los muralistas y los silencios son para LEDUC otra manera de expresar la soledad y la angustia.

La similitud física entre Ofelia Medina y Frida Kahlo es evidente y es lo que maravilla en el filme; ver a Ofelia vestida de tehuana junto a los perros de raza Itzcuintli en la Casa Azul es casi como ver a la misma Frida.

LEDUC muestra símbolos muy importantes para comprender el arte de Kahlo como el espejo: en la película vemos a Frida varias veces sola frente a su espejo de tres cuerpos, dibujándose una golondrina en la frente, cantando o pintándose los labios. El espejo fue un objeto que le permitió aceptar su cuerpo herido y surgió como un motivo para su obra: Kahlo pintó poco, no más de 125 cuadros, la mayoría son autorretratos porque dijo que pasaba mucho tiempo sola y que era el motivo que mejor conocía.


FRIDA, NATURALEZA VIVA invoca a la vida política, a las revoluciones y a los momentos más íntimos que vivió la pintora para llevar a cabo cuadros tan crueles como Sin esperanza (1945) o Árbol de la esperanza (1946).


REFERENCIAS