MES DE SEPTIEMBRE - CICLO "SEPTIEMBRE AMOR"

La primavera ejerce un poder muy especial en todas las personas. La influencia de la naturaleza es indudable: comienzan a florecer las plantas, cambian los colores de lo que nos rodea y, como todo lo externo repercute en nuestro interior, esto estimula nuestro deseo de alcanzar la plenitud emocional.
Venimos de un período de aletargamiento. El frío nos da pocas ganas de salir a la calle, el usar tanta cantidad de ropa y esas comidas pesadas y calientes incitan a esta reclusión.
Con la llegada de esta estación, nos damos cuenta que ese período de hibernación llega a su fin y nos sentimos más dispuestos y esperanzados, para conocer y/o reconocer a esa persona tan especial…

MIÉRCOLES 3 DE SEPTIEMBRE
CON ANIMO DE AMAR (Fa yeung nin wa)
Director: WONG KAR-WAI

Guión: WONG KAR-WAI
Fotografía: Christopher Doyle, Mark Li Ping-Bing
Música: Michael Galasso
País: Hong Kong
Año: 2000
Duración: 95 minutos
Reparto: Tony Leung Chiu Wai, Maggie Cheung, Ah Ping, Rebecca Pan, Liu Chum, Siu Ping-Lam, Chin Chi-Ang, Chan Man-Lui, Koo Kam-Wah, Yu Hsien, Chow Po-Chun.


Hong Kong, 1962. Chow, redactor jefe de un diario local, se muda con su mujer a un edificio habitado principalmente por gentes de Shanghai. Allí conoce a Li-zhen, una joven que acaba de instalarse en el mismo edificio con su esposo.
Ella es secretaria de una empresa de exportación y su marido está continuamente de viaje de negocios.
Como la mujer de Chow también está casi siempre fuera de casa, Li-zhen y Chow pasan cada vez más tiempo juntos y se hacen muy amigos. Un día, ambos descubrirán que sus respectivos cónyuges los están traicionando.
El cine de WONG KAR-WAI se caracteriza por un estilo visual único y característico que podemos apreciar a la perfección en esta película.
Planos a cámara lenta siguen suavemente el movimiento de los protagonistas, atrapados en las redes de una imagen contenida, que por momentos parece incluso detenida. Estas imágenes son acompañadas por los mismos dos o tres cortes musicales, transmitiéndonos la sensación de que vivimos la misma escena una y otra vez. WONG KAR-WAI consigue de esta forma atrapar la mirada del espectador como pocos cineastas lo hacen, con un estilo que conjuga a la perfección la belleza de las imágenes y la música con la profundidad de la historia.
Igual que sucedía con la música, los mismos tres o cuatro escenarios se repiten una y otra vez, percibiéndose el paso del tiempo únicamente por los cambios de vestido de la protagonista (más de cuarenta). El visionado se ralentiza, dándonos la sensación de que el tiempo se detiene. De la misma forma, los planos se mantienen en el tiempo, rechazándose la idea de montaje convencional, caracterizado por la multitud de planos y la agilidad en el corte. Cada corte de plano prácticamente se corresponde con un corte a la siguiente escena, dando lugar a escenas breves y abundantes.
Todos estos elementos nos transmiten la idea de que, a pesar de que el tiempo visual de la historia parece estar detenido (nada parece cambiar), el tiempo real de los acontecimientos avanza rápidamente, escapándose de entre las manos de los protagonistas. Estos, de repente, se encuentran con que sus cónyuges les engañan, deteniéndose el tiempo en este momento de dolor, que les impedirá iniciar su propia aventura amorosa.
Además de toda esta manipulación de la percepción temporal, encontramos en la película muchos otros elementos que nos hacen sentir que hay alguien detrás elaborando cada plano y cada puesta en escena con delicadeza: el espacio vacío en la imagen, el movimiento de la cámara, la distancia entre los cuerpos, etc. El cineasta huye también en casi todo momento del plano-contraplano, no mostrando al interlocutor de la conversación. WONG KAR-WAI prefiere, por el contrario, mantener el primer plano de la actriz protagonista, que atrapa la mirada del espectador con su soberbia interpretación.
CON ANIMO DE AMAR se convierte así en toda una lección de cine que nos hace añorar la experimentación de aquellos nuevos cines que surgieron en los años sesenta. Aunque sin olvidarse de emocionarnos con una gran historia sobre el dolor y el deseo.
WONG KAR-WAI juega a confundir al espectador en los ensayos que hacen los protagonistas de las conversaciones que tendrán con sus parejas (practicando cómo preguntarles por su amante o cómo despedirse de ellos), haciéndonos creer que la situación que plantean es real y que son ellos los que se despiden para siempre.
Mientras él se mantiene calmado, ella llora desconsoladamente, haciéndonos ver que tal vez no esté preparada para separarse de su marido. Aunque ella le dice que se iría con él, enseguida descubrimos que no ha sido capaz de hacerlo, pues si lo hiciese se convertiría en aquello que tanto daño le ha hecho.
Esta frase de la protagonista resume el conflicto central de la película pues, a pesar de que sus parejas les hayan engañado, ellos no serán capaces de hacerlo jamás, renunciando a la oportunidad de ser felices juntos. Sin embargo el tiempo, que parecía detenido durante casi toda la película, acaba pasando. Y los protagonistas acaban olvidando. Olvidando aquél tiempo en el que sufrieron más que nunca y desearon sin llegar a amar.

MIÉRCOLES 10 DE SEPTIEMBRE
LOS SOÑADORES (The Dreamers)
Director: BERNARDO BERTOLUCCI

Guión: Gilbert Adair
Fotografía: Fabio Cianchetti
Música: Varios
País: Reino Unido
Año: 2003
Duración: 120 minutos
Reparto: Michael Pitt, Louis Garrel, Eva Green, Robin Renucci, Anna Chancellor, Florian Cadiou.


París, 1968. Isabelle (Eva Green) y su hermano Theo (Louis Garrel), solos en la ciudad mientras sus padres están de viaje, invitan a su apartamento a Matthew (Michael Pitt), un joven estudiante americano, al que han conocido en un cine. Una vez en casa, establecen unas reglas para conocerse mutuamente, explorando emociones y erotismo a través de una serie de juegos extremadamente arriesgados.
BERNARDO BERTOLUCCI filma algo que conoce y llena la pantalla de detalles exactos y creíbles.
El mejor BERTOLUCCI, el más sincero, está en la película y en estado de gracia y alerta.
El director italiano defiende la utopía y la pasión.
BERTOLUCCI se mueve en LOS SOÑADORES en un ámbito histórico y dramático que conoce como la palma de su mano, porque no sólo lo ha vivido, sino que lo ha observado desde los observatorios privilegiados de un cineasta precoz, que ya era reverenciado en los alrededores de la batalla de Mayo del 68, en cuyas galerías cinéfilas parisienses caminó con “Antes de la Revolución”, su legendaria primera y premonitoria película.
LOS SOÑADORES procede de una novela del inglés Gilbert Adair, que también es autor, y con notable dominio de la escritura cinematográfica, del guión. La buena construcción de éste y la primorosa, y llena de conocimiento y buen gusto, puesta en pantalla de BERTOLUCCI dan al filme solidez y brillantez notabilísimas.
Son tres jóvenes novatos, el francés Louis Garrel, la inglesa Eva Green y el estadounidense Michael Pitt. Los dos primeros representan a dos hermanos franceses mellizos. Han nacido juntos, pero no se parecen, casi son opuestos; y completa el triángulo Pitt, eje narrativo del filme, que cierra el menage à trois con los dos hermanos iguales y opuestos. Ella, la hermana y amante, es todo un hallazgo de belleza y potencia expresiva; el hermano, por su parte, es un tipo de facciones aniñadas y mirada durísima, que funciona sin matices, como máscara; y el intruso americano es eso mismo, un intruso

MIÉRCOLES 17 DE SEPTIEMBRE
UN HOMBRE SIN PASADO (Mies vailla menneisyyttä)
Director: AKI KAURISMÄKI

Guión: Aki Kaurismäki
Fotografía: Timo Salminen
Música: Varios

País: Finlandia
Año: 2002
Duración: 97 minutos

Reparto: Markku Peltola, Kati Outinen, Juhani Niemelä, Kaija Pakarinen, Sakari Kuosmanen, Annikki Tähti, Anneli Sauli, Elina Salo, Outi Mäenpää, Esko Nikkari, Pertti Sveholm, Matti Wuori, Aino Seppo, Janne Hyytiäinen, Antti Reini, Tähti, Marko Haavisto, Jukka Teerisaari, Jyrki Telilä, Jouni Saario.


Un hombre de mediana edad regresa a una ciudad que guarda relación con su pasado. Helsinki, la capital finesa, es el destino de un individuo que pasa por un proceso amnésico, sin posibilidad de reconocer formas humanas y espacios materiales que habían formado parte de su tiempo pretérito. Imposibilitado para conseguir un trabajo ni una habitación que alquilar, M deambula por la periferia de la ciudad, entrando en contacto con seres marginales como él. Un guardia llamado Anttila y una mujer que pertenece al Ejército de Salvación, son algunos de los individuos que fuerzan a M a reencontrarse consigo mismo, viajando hacia un horizonte que le resulta desconocido y familiar al mismo tiempo.

La amnesia no es siempre una tragedia.

Premios
2002: Nominada al Oscar: Mejor película de habla no inglesa.
2002: 3 premios en el Festival de Cannes, incluyendo mejor actriz, gran premio del jurado.
2002: San Sebastián: Premio FIPRESCI: Mejor película del año.
2002: Nominada al César: Mejor película europea.
2002: Premios Guldbagge (Suecia): Mejor película extranjera.


“Otra pequeña joya del finlandés exótico, es uno de los cantos más entrañables que ha recibido el mundo de los deheredados (...) Kaurismaki derrocha todas sus esencias en una película inclasificable, rebosante de humor y ternura, excentricidad y lirismo, estilo y gracia."

MIÉRCOLES 24 DE SEPTIEMBRE
COPIA CERTIFICADA - Copie conforme (Roonevesht barabar asl ast)
Director: ABBAS KIAROSTAMI

Guión: ABBAS KIAROSTAMI
Fotografía: Luca Bigazzi
Música: Varios
País: Francia
Año: 2010
Duración: 106 minutos
Reparto; Juliette Binoche, William Shimell, Jean-Claude Carrière, Agathe Natanson, Gianna Giachetti, Adrian Moore, Angelo Barbagallo, Andrea Laurenzi, Filippo Trojano.


Un hombre y una mujer se conocen en un pequeño pueblo italiano del sur de la Toscana. Él es un escritor inglés que ha ido para dar una conferencia. Ella es una galerista francesa.
Hay directores errantes que no tienen más patria que el celuloide, son universales. El cineasta iraní ABBAS KIAROSTAMI parece que se ha convertido en uno de ellos, aunque no sabemos si por convicción o por obligación. Tras una carrera de enorme prestigio internacional, iniciada en su país de origen (A Través de los Olivos, El Sabor de las Cerezas), cuna de sensibles cineastas que tuvieron que hilar muy fino para no irritar a la censura, su brújula creativa le lleva a Italia, a la Toscana, para localizar su última y bellísima historia.
El argumento de COPIA CERTIFICADA no puede ser más simple: un distinguido escritor inglés presenta su último ensayo titulado COPIA CERTIFICADA, mirada irónica sobre el excesivo valor que se otorga a los originales en el arte, por su valor único, frente a la fidedignas copias que, a veces, lo son de forma obsesiva.
Entre los asistentes a su erudita charla, una galerista francesa, en  compañía de su inquieto hijo, que invita al autor del libro a un recorrido turístico por algunos bellos paisajes de la Toscana antes de que tome el último tren de las 9 y desaparezca.
A las discusiones entre ambos sobre el valor de las obras de arte originales y sus copias, que discurren dentro de una exquisita cordialidad,  se suceden las disquisiciones sobre el matrimonio cuando ella se hace pasar por su esposa en una cafetería para complacer a su dueña y no hacerla salir de su equívoco. Y como pareja impostada, o no? y ahí está el mérito de la película, su prodigiosa ambigüedad, el que en un momento determinado el espectador crea esa ficción fabricada por ella y que él sigue, o piense que ambos dramatizan las experiencias de sus fracasados matrimonios, discuten de forma agria y apasionada sobre la viabilidad de la pareja y la duración e intensidad del amor que se desgasta con el tiempo.
ABBAS KIAROSTAMI construye un drama intenso con dos actores excepcionales, Juliette Binoche (premio a la mejor actriz en el Festival de Cannes) y el desconocido William Shimell, ambos espléndidos en su recital, y una puesta en escena minimalista.
COPIA CERTIFICADA se aproxima más al ensayo  cinematográfico, no en la aceptación de experimento fílmico sino a lo que se entiende en literatura, que a la ficción narrativa.
Es una película totalmente discursiva, que fluye con la misma suavidad que el paisaje toscano en la que está rodada y obliga al espectador a tomar parte en ese duelo sobre los sentimientos.

REFERENCIAS:
http://www.eldestiladorcultural.es/cine/copia-certificada-abbas-kiarostami/
http://elcineenlamirada.over-blog.com/article-analisis-de-la-pelicula-un-hombre-sin-pasado-kaurismaki-2002-119538800.html

MES DE AGOSTO - CICLO DE CINE BOLIVIANO

La independencia de la República de Bolivia fue proclamada el 6 de agosto de 1825 en un Congreso celebrado en Chuquisaca.

Entre el 6 y el 27 de agosto en coordinación con el Consulado en Salta del Estado Plurinacional de Bolivia, Cónsul Ingrid Zavala Castro, se desarrollará en el Cine Club de los Miércoles el Ciclo de Cine Boliviano con el objetivo de difundir la producción audiovisual de directores y realizadores del vecino país en la ciudad de Salta, y a través de las proyecciones con debate, mostrar las diferentes realidades bolivianas contenidas en las temáticas abordadas por cada una de las películas.

MIÉRCOLES 6 DE AGOSTO DI BUEN DÍA A PAPÁ (2005)
Director: FERNANDO VARGAS
Guion: Fernando Vargas y Verónica Córdova
Fotografía: Juan Pablo Urioste
Música: Oldrich Halas
Reparto: Isabel Santos, Paola Ríos, José Veliz, Bismark Virhuez, Jorge Ortiz, Jonatan Stern, Jorge Jamarlli, Soledad Ardadya.


Historias de amor, conflictos y reconciliaciones de tres mujeres de Valle Grande, la ciudad en la cual el Che Guevara fue asesinado en 1967.

La película fue producida por Imagen Propia S.R.L., una compañía boliviana cuyo principal objetiVo es mostrar la complejidad de la cultura de su país.

También participaron de la producción de este filme, la productora argentina Matanza Cine, conocida por Mundo Grúa, El Bonaerense y Familia Rodante dirigida por Pablo Trapero; el Instituto Cubano del Arte y la Industria Cinematográfica, ICAIC, otra compañía cubana responsable del éxito Fresa y Chocolate. En un lugar de Valle Grande, Bolivia, se encuentra enterrado Ernesto Che Guevara. Esta es la historia de tres generaciones de valle grandinos, donde las vidas de los protagonistas se entrelazan para narrar la historia de Valle Grande, un pequeño pueblo que por 30 años escondió los restos del revolucionario.

Gran Premio del Público, Festival Internacional de Cine Pobre en Gibara, Cuba (2006).
Mención Especial del Jurado, Concurso de Guiones del Festival Internacional del Nuevo Cine Latinoamericano de La Habana, Cuba (1999).
Gran Premio Diablo de Oro, Festival de Cine de Oruro (2005).
Seleccionada para representar a Bolivia: Mejor Película Extranjera en la 78 Edición de los Premios Óscar de la Academia de Hollywood (2005). Mejor película extranjera en español, 25 Edición de los Premios Goya de la Academia de España (2005). Mejor película extranjera, Premios Ariel de la Academia de México (2005). The World Film Festival, Montreal, Canadá (2005).

MIÉRCOLES 13 DE AGOSTO
LOS HERMANOS CARTAGENA (1985)
Director: PAOLO AGAZZI
Guión: Oscar Soria, Paolo Agazzi
Fotografía: César Pérez
Música: Sergio Prudencio
Reparto: Juan José Taboada, Edwin Morales, Melita del Carpio, Edgar Vargas, Eddy Bravo.


Treinta años de la historia político-social de Bolivia. Crónica de una familia de terratenientes, que a raíz de la Revolución de 1952 comienza a disgregarse.

Tres décadas más tarde el antagonismo ideológico de los hermanos Cartagena, los llevará a una brutal confrontación. Es la historia contemporánea de Bolivia, desde la revolución de 1952 en adelante, a través de las vidas paralelas de dos hermanos.

Juan José, el vástago legítimo de don Luís, el propietario de tierras, se transforma con el correr del tiempo en jefe de uno de los grupos paramilitares protagonista del cruento golpe de estado de 1980. Martín, el hijo natural, fruto de la violación por el hacendado de una humilde campesina mentalmente perturbada, ha llegado en cambio a ser un dirigente obrero perseguido en esas mismas circunstancias. Antes de llegar a definir de esa manera sus respectivos roles sociales, la película detalla el proceso que, desde sus disímiles actitudes infantiles, los conduce hacia el choque definitivo.

El periplo individual de los personajes centrales pretexta una alegoría de sentido más amplio, aludiendo constantemente a los referentes contextuales.

MIÉRCOLES 20 DE AGOSTO
LOS ANDES NO CREEN EN DIOS (2007)
Director: ANTONIO EGUINO
Guión: Antonio Eguino
Fotografía: Ernesto Fernández
Música: Alberto Villalpando
Reparto: Diego Bertie, Carla Ortiz, Milton Cortés, Jorge Ortiz Sánchez, Schlomit Baytelman, Teresa Gutiérrez, Cristian Mercado, Vivian Colombo.



Alfonso Claros, un joven ingeniero con estudios en Francia e inquietudes literarias, llega en el tren internacional a Uyuni, pueblo donde el embrujo del metal del diablo les sonríe tanto a los trabajadores como a los dueños de la empresa.

Uyuni es, por entonces, el escenario donde convergen algunos personajes cuyas existencias, en afán de hacer fortuna y encontrar y un amor furtivo, entran en un juego de pasiones y frustraciones motivados por la sensualidad de una chola que los cautiva con su orgullo y su belleza. La realidad minera llega una vez más al séptimo arte. Ya antes se habían rodado "Aiza", basado en un cuento del mismo nombre de Oscar Soria Gamarra, y "Socavones de Angustia", inspirado en la novela de Fernando Ramírez Velarde; dos verdaderos impulsores de la literatura minera del siglo XX.

LOS ANDES NO CREEN EN DIOS, cuyo guión fue el resultado de una interpretación libre de una novela y dos cuentos de Adolfo Costa du Rels, es una mega producción que cuenta en su reparto con actores de primera línea. Se trata de una película que, como pocas veces, intenta hacer justicia a la obra literaria.

La novela LOS ANDES NO CREEN EN DIOS y los cuentos "Plata del diablo" y "La Misk'i Simi" (la de la boca dulce, en quechua), ambientados en la población minera de Uyuni y otras regiones aledañas de Potosí, redescubren una Bolivia de los años 1920-40; época en que la explotación de los yacimientos minerales experimentaba un auge y un esplendor sin precedentes. La producción de la película demuestra que la realidad minera es -y seguirá siendo- una de las vertientes más representativas de la literatura boliviana, no sólo porque la minería fue en el siglo pasado la columna vertebral de la economía nacional, sino también porque las minas fueron escenarios donde confluyeron tanto los consorcios imperialistas como las luchas sindicales.

De ahí que la película, dirigida por el prestigioso cineasta Antonio Eguino, además de ser un aporte importante a la cinematografía nacional, es un sentido homenaje a quienes forjaron la historia de la minería en la cordillera de los Andes. No obstante, se debe aclarar que en la obra de Costa du Rels, como en la de sus colegas contemporáneos, la mina está contemplada desde fuera, desde la perspectiva del intelectual pequeño burgués, y no desde el interior de la mina, donde los trabajadores, en su mayoría de ascendencia indígena, dejan sus pulmones perforados por la silicosis, y donde el sincretismo religioso permite que, junto al Dios importado por los conquistadores, sobrevivan los dioses ancestrales de las culturas precolombinas como es el Tío, dios y diablo de la mitología andina, cuyas peculiaridades profanas lo convierten en el dueño de las riquezas minerales y en el amo de los mineros.

MIÉRCOLES 27 DE AGOSTO CUESTIÓN DE FE (1995)
Director: MARCOS LOAYZA
Guión: Marcos Loayza
Música: Óscar García
Fotografía: César Pérez
Reparto: Óscar García, Jorge Ortiz Sánchez, Jorge Mendívil, Marta Monzón, Rodolfo Calaumana, Norma Merlo, Raúl Beltrán.



"Las gordas no se enamoran, se antojan" fue lo último que el santero Domingo y su compadre Pepelucho escucharon decir en el bar "La Corajuda", antes que el oscuro "Sapo Estívaris" los hiciera llamar para encargarles la fabricación de una virgen de tamaño natural, y pedirles su traslado hasta San Mateo, pueblo escondido en el corazón de los Yungas paceños, iniciando así un viaje a través de sus sentimientos

Habiendo escuchado la conversación, Joaquín, un apostador que permanentemente desafía al destino, se brinda a llevarlo en "La Ramona", una vieja camioneta prestada que él hace pasar por suya. Una vez elaborada la virgen, los tres inician el viaje en "La Ramona" descendiendo desde la ciudad, a 4.700 metros de altura, hasta llegar a zonas tropicales donde la presencia de la naturaleza y sus posiciones ante la vida determinan una tensa pero equilibrada relación entre ellos. La fe de uno en Dios y la fe del otro en el juego y el azar, acaban cruzándose en un desenlace imprevisible donde se pierde la noción de realidad.

REFERENCIAS:
http://www.filmaffinity.com/es/main.html
http://www.imdb.com/
http://www.programaibermedia.com/proyectos/di-buen-dia-a-papa/
http://alainet.org/active/75673&lang=es
http://www.bolivianet.com/cine/cuestion_fe.html
http://www.boliviaentusmanos.com/cartelera/los-hermanos-cartagena.html

MES DE JULIO - PRIMER CICLO DE CINE SOBRE DIVERSIDAD SEXUAL EN SALTA


En sintonía con la histórica Declaración de la ONU sobre orientación sexual e identidad de género, el Cine Club de los Miércoles de la Fundación COPAIPA, presenta cuatro películas acompañadas con invitados especiales que debatirán con el público sobre la problemática y la larga lucha por hacer respetar la Diversidad Sexual en nuestro país.

El Miércoles 2 de Julio abrimos el ciclo con la película "UN AÑO CON 13 LUNAS" del maestro alemán RAINER WERNER FASSBINDER. Nos acompañará en el debate el Lic. Nicolás Hirtz, responsable del INADI-Salta y disertará sobre los avances en nuestro país en materia de Derechos a la Diversidad Sexual.


El Miércoles 16 de Julio proyectaremos la película argentina "MIA" Opera Prima de JAVIER VAN DE COUTER. Nos acompañará Ro Liendro representante de ALUDIS (Asociación de Lucha contra la Discriminación Sexual).


El Miércoles 23 de Julio proyectaremos "LENGUA MATERNA" película argentina de LILIANA PAOLINELLI. Nos acompañará Gabriela Veleizan, representante del colectivo lesbiano ARPIAS, espacio de reflexión y lectura de lesbianas.





El Miércoles 30 de Julio cerramos el ciclo con la obra maestra del director hongkonés WONG KAR WAI filmada en Buenos Aires, "FELICES JUNTOS". Nos acompañará Matías Hessling, coordinador del Observatorio para la Promoción de Derechos de diversidad sexual en Salta.




A diciembre de 2008, la homosexualidad es ilegal en 77 países, en siete de los cuales es castigada con la pena de muerte.

La declaración de la ONU sobre orientación sexual e identidad de género es una iniciativa francesa, respaldada por la Unión Europea, presentada ante la Asamblea General de las Naciones Unidas el 18 de diciembre de 2008. La declaración, originalmente propuesta como resolución, provocó otra declaración en sentido opuesto promovida por países árabes. Ambas declaraciones permanecen abiertas a nuevas firmas. La declaración condena la violencia, el acoso, la discriminación, la exclusión, la estigmatización y el prejuicio basado en la orientación sexual y la identidad de género. También condena los asesinatos y ejecuciones, las torturas, los arrestos arbitrarios y la privación de derechos económicos, sociales y culturales por estos motivos.

La declaración supuso un gran avance para los derechos humanos que rompió el tabú de hablar sobre los derechos LGTB en las Naciones Unidas.

Los 34 países miembros de la Organización de Estados Americanos aprobaron de forma unánime una declaración en la que se extendía la protección de los derechos humanos a la identidad de género y la orientación sexual.

66 de los 192 miembros de la Naciones Unidas firmaron la declaración, incluyendo todos los países de la Unión Europea, y la mayoría de los países occidentales, con la excepción de los Estados Unidos, que tras declarar que firmarla era incompatible con su ordenamiento interno ha decidido finalmente apoyarla sin firma.

Entre los primeros en posicionarse en contra de la declaración se encontró al Vaticano, la totalidad de los países islámicos y China.

La declaración enuncia entre otros postulados:

“...todos los seres humanos nacen libres e iguales en dignidad y derechos...”

“...todas las personas tienen derecho al goce de sus derechos humanos sin distinción alguna de raza, color, sexo, idioma, religión, opinión política o de cualquier otra índole, origen nacional o social, posición económica, nacimiento o cualquier otra condición...

“Estamos, asimismo, alarmados por la violencia, acoso, discriminación, exclusión, estigmatización y prejuicio que se dirigen contra personas de todos los países del mundo por causa de su orientación sexual o identidad de género, y porque estas prácticas socavan la integridad y dignidad de aquéllos sometidos a tales abusos.

“Condenamos las violaciones de derechos humanos basadas en la orientación sexual o la identidad de género dondequiera que tengan lugar, en particular el uso de la pena de muerte sobre esta base...

“Hacemos un llamado a todos los Estados y mecanismos internacionales relevantes de derechos humanos a que se comprometan con la promoción y protección de los derechos humanos de todas las personas, independientemente de su orientación sexual e identidad de género."

Conseguir esta declaración de la ONU es el resultado del esfuerzo colectivo global de muchas organizaciones LGTB y de derechos humanos.

La declaración fue leída por el embajador de la Argentina, Jorge Argüello el 18 de diciembre de 2008, siendo esta la primera declaración sobre derechos homosexuales leída en la Asamblea General.

Desde entonces nuestro país ha realizado avances significativos en el tema que serán abordados por los diferentes invitados especiales que acompañaran las proyecciones.

El CINE CLUB DE LOS MIÉRCOLES DE LA FUNDACIÓN COPAIPA es un proyecto orientado a exhibir obras cinematográficas nacionales e internacionales, destacadas por su calidad artística y temática.

MES DE JUNIO - CINE - DEPORTE - CINE


En el Junio, vamos a sumarnos, desde nuestro lugar y a nuestra manera, a la movida internacional que se instaló por el Campeonato Mundial de Fútbol. 

La idea es presentar películas en las cuales los personajes son deportistas, que practican su especialidad porque les gusta, porque hay dinero en juego o porque están motivados por la competencia y por otras diferentes razones que descubriremos juntos. 

Cada uno nos mostrará su destreza en distintas circunstancias de la vida.

MIÉRCOLES 11 de JUNIO
EL COLOR DEL DINERO
Director: MARTIN SCORCECE

Guión: Richard Price (Novela: Walter Tevis)
Fotografía: Michael Ballhaus
Música: Robbie Robertson
EEUU, 1986
Reparto: Paul Newman, Tom Cruise, Mary Elizabeth Mastrantonio, John Turturro, Helen Shaver, Forest Whitaker, Bill Cobbs, Keith McCready, Iggy Pop.



Sinopsis: Eddie Felson, antiguo campeón de billar retirado, vive de su negocio de licores. Un día, en una sala de juego, conoce a Vincent, un joven jugador de billar, que aún no ha encontrado un oponente de su talla, y que siempre va acompañado de su novia, que es la que se encarga de las apuestas que se hacen a favor de Vincent.

MIÉRCOLES 18 de JUNIO
GALLIPOLI
Director: PETER WEIR

Guión: David Williamson (Novela: Ernest Raymond)
Fotografía: Russell Boyd
Música: Brian May
Australia, 1981
Reparto: Mel Gibson, Mark Lee, Bill Hunter, Robert Grubb, Tim McKenzie, David Argue, Ron Graham, Bill Kerr.



Sinopsis: Primera Guerra Mundial, 1915. Reza la leyenda del filme: "De un lugar del que nunca has oído hablar llega una historia que nunca olvidarás". Dos amigos australianos, ambos atletas, deciden alistarse para ir a la guerra y les toca luchar contra los turcos en la batalla de Gallipoli.

MIÉRCOLES 25 de JUNIO
GATICA, EL MONO
Director: LEONARDO FAVIO

Guión: Leonardo Favio, Jorge Zuhair Jury
Fotografía: Alberto Basail, Carlos Torlaschi
Música: Dámaso Pérez Prado, Iván Wyszogrod
Argentina, 1993
Reparto: Edgardo Nieva, Horacio Taicher, Juan Costa, María Eva Gatica, Kika Child, Virginia Innocenti, Adolfo Yanelli, Eduardo Cutuli, Cecilia Cenci, Armando Capo.



Sinopsis: La película recorre la vida de José María Gatica (1925-1963), desde su infancia llena de carencias, su trabajo, como lustrabotas, pasando por su momento de gloria como boxeador, hasta su decadencia.
Gatica desde mediados de los 40 y por más de una década, fue ídolo argentino del boxeo.
Este ícono popular, analfabeto, mujeriego y alcohólico, daba un trato considerado a las chicas del cabaret y a los marginados y tenía desavenencias con las clases dominantes que a su propio pesar lo admiraban por ser el campeón.

LA POTENCIA CREATIVA DE UNA IDENTIDAD. Por Gabriel Fernández

A los 74 años ha muerto el querido Leonardo Favio.
Multifacético. Aunque partiendo de un punto: esa identidad social aguda, reconocible, palpable, dolorosa y disfrutable que atravesó toda (s) su (s) obra (s). A partir de allí, la vida y el canto.
Vale transitar hoy América latina para entender hasta qué punto su voz, su rosa, han calzado hondo en los sentimientos de nuestros pueblos.
Favio fue tan nuestro que hasta cuando, impulsado por su propio personaje, admitió mitificaciones, las mismas no hacían más que ratificar su mismidad.
Un repaso al texto de Adriana Schettini, nos da la pauta: hasta lo que no fue, podría haber sido.
Todo lo que le ocurre a un hombre de nuestro pueblo podría haberle sucedido a él.
Y el cine: es claro que estamos ante el más grande director de la Patria. El creador de El Dependiente, Crónica de un Niño Solo, El Romance del Aniceto y la Francisca, Gatica, el Mono, y Sinfonía de un Sentimiento.
Es claro, porque al liberar las energías de su propio punto de partida, de su propio origen, la obra de Favio resulta emocionalmente arrasadora, con un nivel de apertura a las variantes creativas que trasciende definiciones eruditas.
En la incomparable Gatica, lo mostró con nitidez, y hasta se permitió una objeción subyacente acerca de la distancia entre desafíos internos y externos, preparaciones y autoengaños. Y más: logró evocar a una figura tan querida sin idealizarla, sin transformarla en héroe por encima de sus posibilidades, pero dando cuenta del fondo de un corazón que enamoraba. 

REFERENCIAS 
http://www.filmaffinity.com
http://www.imdb.com/

MIÉRCOLES 4 DE JUNIO - HOMENAJE A EDGARDO CHIBÁN


CINÉFILOS A LA INTEMPERIE de Carlos O. García y Alfredo Slavutzky. Argentina, 2005

Una película singular y realizada fuera de los canones de la producción tradicional, que tiene a Edgardo Chibán, que es salteño entre sus cinéfilos. 



SOBRE CINEFILOS A LA INTEMPERIE 

CINÉFILOS A LA INTEMPERIE permite seguir reflexionando sobre los cambios en la cinefilia local, el estado de la crítica y el paso del tiempo.
Estaba ordenando el escritorio y me encontré con un DVD que Carlos O. García me dio en un pasillo durante el último BAFICI, aunque la película se dio en el festival hace un par de años.
fue filmada por el propio García y Alfredo Slavuztky entre 1989 y 1990, pero se montó recién en 2005 y su existencia posterior fue casi tan invisible como la que sucedió a su rodaje: no se transformó siquiera en una película de culto.

Es cierto que se trata un film inasible. Por un lado, varios de sus protagonistas murieron o desaparecieron de la luz pública.

Pero, sobre todo, da toda la impresión de ser una película de una minoría, sobre una minoría y para una minoría. "Este film documenta el estado de la cinefilia argentina hacia fines del siglo XX", dice la caja, y la verdad es que su tema no resulta en principio apasionante y hasta es probable que no lo sea.

Esto es así por dos razones, una buena y otra mala. La mala (o la buena, depende desde donde se mire) es que la cinefilia nacional era ya entonces, hace veinte años, una pasión crepuscular. Mucho antes de lamentos como aquellos de los que nos ocupamos en la columna anterior, en esa época ya se hablaba del cine como de una batalla perdida, como una pasión sin esperanzas, amenazada por el cierre de las salas, la muerte de los grandes maestros, la ineptitud de sus discípulos, la pobreza de la cinematografía local y el desinterés de los consumidores. De hecho, la visión más pesimista entre los críticos actuales resulta más optimista que la que deja traslucir la película, filmada en el momento en el que aficionados y sociólogos empezaban a coincidir en que al cine le quedaba poca vida.

Pero la otra razón es muy curiosa. Aunque hay argumentos para sostener que se trata de un documental (los personajes hablan de su infancia en el
cine, de sus directores preferidos, de sus rutinas y de sus obsesiones),  es más que nada un juego inteligente planeado por Rodrigo Tarruella y los realizadores.
Consiste en simular una serie de entrevistas y dejar que los entrevistados reaccionen frente a la cámara con distintos grados de complicidad -desde la respuesta solemne al guiño intencionado- mientras se juega, al mismo tiempo, a otro juego que consiste en hacer una película. Es decir a elegir locaciones, plantear un travelling, disponer las figuras en el cuadro, disfrutar del aire libre.
El resultado es muy raro. Por un lado, aparece Adolfo Aristarain diciendo más o menos lo que ha repetido en docenas de entrevistas, el filósofo Alberto Delorenzini hablando de cosas muy difíciles o Tito Vena mostrando sus homéricas recopilaciones de datos.
Pero también se lo ve a Edgardo Cozarinsky con una inexplicable rosa en la mano (¿la de Coleridge, de la que hablaba Borges?) o a Tarruella, deambulando con una planilla que pretende ser una encuesta o tal vez un guión y haciendo comentarios tan amables como sarcásticos frente a las respuestas de sus interrogados.
Lo que más llama la atención y le da su tono a la película es lo distendidos que están los invitados, como si hablaran desde una burbuja en el más allá, como si quisieran -en palabras de Jorge Acha- dejar un mensaje para los antropólogos del año 3000.

Los
cinéfilos de fines de los 80 parecían gente de buen humor: hasta Jorge García resulta un tipo bien dispuesto. Pero, de todos modos, la película sería otra sin la participación de Acha, que interpreta el juego como nadie y produce un par de intervenciones geniales, seriamente desopilantes. En una de ellas, se asiste al siguiente diálogo:

Acha: El
cine es perjudicial, en general el arte es perjudicial. Es parte de la involución, del fracaso del hombre. Las cucarachas no hacen más arte, tal vez lo hicieron en alguna época hasta que encontraron la forma en la que tenían que vivir.

Tarruella: Pero las cucarachas cucarachean, no pueden hacer otra cosa.

Acha (imperturbable): No te creas, me parece que decidieron hacer un poco menos para poder vivir más. El arte es una señal de que el hombre no ha podido alcanzar lo que debía alcanzar y entonces lo recrea.

Artista plástico y cineasta experimental de Miramar, Acha filmó tres largometrajes (
, el inconcluso ) que nunca se estrenaron comercialmente, pero dejaron una impresión notable entre quienes tuvimos la suerte de verlos.
sugiere que nunca le prestamos suficiente atención al personaje.

En otra escena, preguntado por el miedo en el
cine, dice que lo aterrorizan las películas familiares, los cumpleaños y los casamientos porque la muerte está allí presente como nunca. Especialmente, dice:

“Cuando alguien saluda así a cámara, así como lo hago yo en este momento, ahí cagó: eso es jugar con la muerte y es peligrosísimo.”


Acha murió unos años más tarde, cuando apenas tenía cincuenta.
También murieron Tarruella, Vena y Edgardo Chibán, gran cinéfilo salteño.
Los otros están invariablemente más viejos, incluido un columnista de este sitio.
Hay una gran melancolía en la película que se transmite a todos los que conocimos a sus personajes. Pero también, casi milagrosamente, prevalece otra sensación: la alegría de un juego para muchachos grandes que nunca dejaron de ser niños y nos hablan desde una noble y despreocupada inocencia, una inocencia que se revela de otra época a pesar de que no es tanto el tiempo transcurrido. Ese es el secreto que, sin duda, no escapará a los antropólogos del próximo milenio.
http://www.otroscines.com/columnistas_detalle.php?idnota=1787&idsubseccion=11

“Cinéfilos hablando de cine. Un merecido canto a sí mismos entonado por hombres que mentan un pasado en donde se asentaron sus historias personales, sus particulares mitos y manías. Todos sus ayeres confluyen en el cine, el hechizo por el que se hicieron hombres. 

Cinefilia como territorio mórbido, convivencia de pasado y porvenir. 

La película registra esos equilibrios extraños, esa particular forma de vida y saber ignorada por la cultura oficial, sobreviviente a todas las tempestades del último medio siglo.

Algo querrá decir que muchos de los testimoniantes estén muertos o expatriados, o que sostengan sus carreras cinematográficas en un empecinado equilibrio entre dos mundos (Aristarain, Cozarinsky).

Cinefilia como melancolía y conflicto. Pagés y Tarruella dan cuenta de ello, aferrándose al cine como efímero territorio de resolución, como improvisado auditorium de su magisterio discreto.

También Jorge Acha, uno de los magnéticos ejes del film, una especie de stand up comedian aterradoramente lúcido, saludando a futuro a su propia y cercana muerte, poniéndole el cuerpo a la certeza de que el cine y la vida terminan siendo la misma cosa.” 

Eduardo Rojas