MES DE NOVIEMBRE - “TERMINAMOS LA 7° TEMPORADA CON RISAS”



Para festejar el final de 7° Temporada, durante las tres primeras semanas de Noviembre, proyectaremos comedias, dirigidas por tres grandes directores.

MIÉRCOLES 5 DE NOVIEMBRE
EL GRAN DICTADOR
Director: CHARLES CHAPLIN

Guión: Charles Chaplin
Fotografía: Rollie Totheroh & Karl Struss (B&W)
Música: Charles Chaplin & Meredith Willson
País: Estados Unidos, 1940

Reparto: Charles Chaplin, Paulette Goddard, Jack Oakie, Reginald Gardiner, Henry Daniell, Carter De Haven, Grace Hayle, Maurice Moscovitch, Billy Gilbert.

Premios:
1940: 5 nominaciones al Oscar: Película, Actor (Chaplin), Actor Secundario (Oakie), Banda Sonora y Guión.
1940: Círculo de Críticos de Nueva York: Mejor Actor (Chaplin).




Un humilde barbero judío tiene un parecido asombroso con el dictador de Tomania, un tirano que culpa a los judíos de la crítica situación que atraviesa el país. Un día, sus propios guardias lo confunden con el barbero y lo llevan a un campo de concentración. Al mismo tiempo, al pobre barbero lo confunden con el tirano. En plena guerra en Europa (Estados Unidos todavía no había entrado en el conflicto bélico) Charles Chaplin entregó este maravilloso alegato contra el fascismo en forma de parodia, una película dirigida, escrita, protagonizada y producida por él. También compuso la banda sonora junto a Meredith Willson. Su gran éxito y su importancia es la denuncia, no sólo del nazismo, también del antisemitismo y la intolerancia en general. Como curiosidad, el rodaje de comenzó en Septiembre de 1939, justo cuando las tropas alemanas invadían Polonia, y supuso la primera película plenamente sonora de Chaplin.
MIÉRCOLES 12 de NOVIEMBRE
EL JOVEN FRANKENSTEIN
Director: MEL BROOKS

Guión: Gene Wilder & Mel Brooks (Novela: Mary Shelley)
Fotografía: Gerald Hirschfeld (B&W)
Música: John Morris
País: Estados Unidos, 1974

Reparto: Gene Wilder, Peter Boyle, Marty Feldman, Cloris Leachman, Teri Garr, Madeline Kahn, Gene Hackman, Richard Haydn, Kenneth Mars

Premios:
1974: 2 nominaciones al Oscar: Guión Adaptado y Sonido.
1974: 2 Nominaciones Globos de Oro: Actriz (Leachman) musical/comedia, Actriz Secundaria (Kahn).


El joven doctor Frederick Frankenstein (Gene Wilder), un neurocirujano norteamericano, trata de escapar del estigma legado por su abuelo, quien creó años atrás una horrible criatura. Pero, cuando hereda el castillo de Frankenstein y descubre un extraño manual científico en el que se explica paso a paso cómo devolverle la vida a un cadáver, comienza a crear su propio monstruo. Ayudado por el jorobado Igor (Marty Feldman) y la curvilínea Inga (Teri Garr), el doctor crea un ser (Peter Boyle) cuyo único propósito consiste en ser amado.

La delirante parodia de Mel Brooks, del clásico de Mary Shelley, pronto se convirtió en un clásico de la comedia del terror.

MIÉRCOLES 19 DE NOVIEMBRE
LA FIESTA INOLVIDABLE
Director: BLAKE EDWARDS

Guión: Blake Edwards, Tom Waldman, Frank Waldman
Fotografía: Lucien Ballard
Música: Henry Mancini
País: Estados Unidos, 1968

Reparto: Peter Sellers, Claudine Longet, Marge Champion, J. Edward McKinley, Natalia Borisova, Fay McKenzie, Jean Carson, Al Checco, Corinne Cole, Dick Crockett.


Hrundi V. Bakshi es un actor de origen hindú que se encuentra rodando una película en el desierto. Por sus continuos errores, es despedido del rodaje. Inesperadamente, recibe una invitación para asistir a una sofisticada fiesta organizada por el productor de su última película. Gracias a Hrundi, en la fiesta se producirán las situaciones más disparatadas.

REFERENCIAS:

MES DE OCTUBRE - CICLO “DE LOCURAS Y MUJERES”

El cine, como toda expresión artística, refleja un rasgo de la época e incluso participa en la construcción de paradigmas, como así también se sirve de ellos para retratar la mirada particular de un tema.

Entonces, con este ciclo, nos interesa abrir el debate acerca de la construcción de estos conceptos, de la percepción que se tiene de ellos en un determinado momento histórico, y en una sociedad en particular. Este ciclo propone la pregunta acerca de la relación que existe entre la feminidad y la locura suponiendo que cada uno de estos conceptos no puede definirse por completo, ya que hay algo que siempre escapa a la definición.

Tanto en la locura como en lo femenino, se pone de manifiesto la imposibilidad de definir y clasificar un objeto, ya que nos deja presente que ninguno de ellos en definitiva puede ser aprehendido por lo simbólico.

Siempre hay algo que estructuralmente no puede ponerse en palabras. A pesar de los intentos de comprehender estos conceptos lo que escapa a la definición se convierte en un enigma. Este efecto funciona a la vez como causa que lleva a intentar por diferentes medios explicar algo referido a esto. Si bien se pueden plantear líneas generales respecto a estos temas lo que queda por fuera de esta explicación es lo singular, por eso siempre se trata del uno por uno.

En adhesión al 29º Encuentro Nacional de Mujeres que se realizará en Salta del 11 al 13 de octubre, el Cine Club de los Miércoles adhiere con este programa para el Mes de Octubre.

MIERCOLES 1 DE OCTUBRE

Presentación a cargo de las Licenciadas Nuria Saavedra y Betina Campuzano.

PROFUNDO CARMESÍ
Director: ARTURO RIPSTEIN
Guión: Paz Alicia Garciadiego
Fotografía: Guillermo Granillo
Música: David Mansfield
País: México
Año: 1996
Duración: 112 minutos
Reparto: Daniel Giménez Cacho, Regina Orozco, Marisa Paredes, Patricia Reyes Spíndola, Julieta Egurrola, Rosa Furman, Verónica Merchant, Sherlyn.
Premios
1997: Sundance: Premio Cine Latinoamericano. Mención honorable.
1996: Venecia: Mejor guión, mejor música y mejor escenografía.
1996: Premios Ariel: 9 premios incluyendo Mejor actor (Giménez Cacho) y Mejor actriz (Orozco). 15 nominaciones.

México, 1949. Coral Fabre, una enfermera de pacientes terminales que lucha por sacar adelante a sus dos hijos, sueña con la imagen del Charles Boyer. En el consultorio del corazón de una de las revistas que acostumbra a leer, encuentra un anuncio de un tal Nicolás Estrella que presume de su parecido con el popular actor francés y que se presenta como un "Caballero español en busca de relación sentimental". Coral decide escribirle.

El amor es una fuerza imparable que arrastra con todo lo que encuentra a su paso. Nada puede interponerse en su camino.

Así se podría resumir PROFUNDO CARMESÍ. ARTURO RIPSTEIN es uno de mis directores favoritos, a veces sus filmes son tan desaforados que parecen irreales casi cayendo en eso que se llama el realismo mágico.

Básicamente, hay situaciones tan extremas que sólo se nos antojan creíbles gracias a la naturalidad con la que son percibidas por los personajes y los actores que los interpretan. PROFUNDO CARMESÍ es una historia de amor, un amor loco e irrefrenable, psicópata, pero amor al fin y al cabo.

Un amor entre dos personas muy necesitadas de cariño, dos personas heridas que encuentran en el otro su media naranja.

Dos personas egoístas y crueles, pero necesitadas de amor.

No importa los engaños, mentiras y crímenes que deban llevar a cabo, su destino es acabar juntos. Y así será.

Lo más perturbador de esta historia es que hasta un timador puede acabar creyéndose su propia mentira, arrastrar en ella a su prometida y llevar la locura hasta sus últimas consecuencias.

Un film excesivo y extremo pero, lo que le hace aún más grotesco es que está basado en la historia real de la pareja de asesinos formada por Raymond Fernandez y Martha Beck, conocidos como "Los Asesinos de los Corazones Solitarios" quienes ya habían inspirado el film The honeymoon killers de 1970.

Ripstein trasladó la acción de Estado Unidos a México y le dio su toque personal, logrando un film obsesivo y tortuoso.

Hay que destacar que los actores están perfectos y creíbles incluso cuando sus personajes tienden al exceso y a la locura. Daniel Giménez Cacho y Regina Orozco componen una pareja inolvidable. Sus miradas y sus gestos son excelentes.Por su parte, Marisa Paredes está excepcional como siempre.

MIÉRCOLES 8 de OCTUBRE

Presentación a cargo de los Licenciados Antonella Sorrentino y Matías Calderón.

LA CANCION MÁS TRISTE DEL MUNDO 
Director: GUY MADDIN
Guión: Kazuo Ishiguro, Guy Maddin, George Toles
Fotografía: Luc Montpellier
País: Canadá
Año: 2003
Duración: 99 minutos
Reparto: Mark McKinney, Isabella Rossellini, Maria de Medeiros, David Fox, Ross McMillan.


La historia del film del cineasta canadiense GUY MADDIN esta basado en un argumento original de Kazuo Ishiguro, el autor de la novela realista “Lo que Queda del Día”.

Este filme sin embargo se caracteriza por ser una película experimental que lejos de emparentarse con una construcción realista construye un universo de ficción desde elementos surrealistas y circenses, que aluden al cine silente de los primeros tiempos. La historia se ubica en el año 1933 y en la gran depresión que se desata en la ciudad de Winnipeg. Lady Port-Huntley (Isabella Rossellini) está a cargo del negocio de la cerveza, en la ciudad canadiense con la ilusión de que al culminar la ley seca en EEUU, pueda inundar el mercado del otro lado de la frontera.

Esta extraña mujer (mezcla de muñeca maldita y empresaria capitalista) organiza un concurso para descubrir en “la ciudad de la depresión” la canción más triste del mundo. Al concurso asistirán personajes de todo tipo, y de todo el mundo, dejándose entrever una crítica a EEUU, en la exaltación y la diferencia que el personaje norteamericano tiene sobre el resto.

Esta característica no es aleatoria sino que denuncia la falta de escrúpulos de este participante así como también la frivolidad de su espectáculo en su condición de ser banal e insensible.

Por otro lado, el cineasta utiliza de modo original los recursos que le provee el cine desde una estética de la alternancia entre el pasado silente en colores y ritmos y momentos de color característicos del cine contemporáneo, que utiliza paradójicamente para evocar el recuerdo de los personajes.

Otras características que diferencian a este film es el empleo del tiempo en su condición efímera propia del mundo onírico, y la construcción de personajes descabellados; ninfómana amnésica, norteamericano inescrupuloso, violinista de piel muy sensible, médico inventor de prótesis de vidrio y obsesionado por la piernas de las mujeres, que hacen que se quiebre cualquier búsqueda de criterio argumental y de construcción narrativa.

Un film bizarro, si se quiere, diferente y para disfrutar desde lo técnico, argumental y extravagante. LA CANCIÓN MÁS TRISTE DEL MUNDO es un homenaje al cine de todos los tiempos.

MIÉRCOLES 15 DE OCTUBRE

Presentación a cargo de los Licenciados Maximiliano Alesanco y Walter Caravotta.

LA LECCIÓN DE PIANO
Director: JANE CAMPION
Guión: JANE CAMPION
Fotografía: Stuart Dryburgh
Música: Michael Nyman
País: Nueva Zelanda
Año: 1993
Duración: 121 minutos
Reparto: Holly Hunter, Harvey Keitel, Sam Neill, Kerry Walker, Anna Paquin, Genevieve Lemon, Tungia Baker.
Premios
1993: 3 Oscars: Mejor actriz (Hunter), Actriz secundaria (Paquin), Guión original. 8 nominaciones.
1993: Globo de Oro: Mejor actriz drama (Holly Hunter). 6 nominaciones.
1993: 3 Premios BAFTA: Mejor actriz (Hunter), vestuario y diseño de producción. 10 nominaciones.
1993: 2 premios en el Festival de Cannes: Palma de Oro, Mejor actriz (Hunter).
1993: Premios Cesar: Mejor película extranjera.
1993: National Board of Review: Mejor actriz (Holly Hunter).
1993: 3 premios Círculo de críticos de Nueva York: Actriz (Hunter), Director y Guión.
1993: Premios Independent Spirit: Mejor película extranjera.
1993: Premios Guldbagge (Suecia): Mejor película extranjera.


Año 1851. Ada McGrath (Holly Hunter), que es muda desde niña, acaba de enviudar. Un matrimonio concertado la obliga a dejar su Escocia natal y viajar a Nueva Zelanda, acompañada de su hija Flora (Anna Paquin) y de su piano.

Allí conoce a su futuro marido, un próspero granjero Alistair Stewart (Sam Nelly), que se niega a llevar a casa el piano.

Abandonado en la playa, el instrumento será rescatado por un vecino George Baines (Harvey Keitel), que establece un extraño pacto con Ada: él la dejará usar su piano a cambio de que ella se deje tocar.

Toda la película tiene una atmósfera extraña, incrementada por los mágicos y bellísimos paisajes de Nueva Zelanda.

El vestuario de la madre y la niña también son inusuales, pues visten según la moda de la época que inspira el film (1851) pero suelen ir de negro, porque Ada se ha quedado viuda, y además vestidas casi de la misma manera y con el mismo peinado, con lo que la niña parece una reproducción en miniatura de la madre.

Ellas dos, sencillas y austeras, contrastan mucho con las demás mujeres que aparecen en la película, que tienen un carácter más festivo y alegre y visten con ropas claras.

Ada se comunica mediante el lenguaje de signos con su hija, lo que les crea un fuerte vínculo afectivo que las encierra en su propio pequeño mundo, su espacio privado, al que los demás no tienen acceso.

Ada toca el piano desde siempre y es su forma de expresarse, ya que no puede hablar, es su manera de sacar hacia fuera lo que lleva dentro: sus sentimientos, sus pasiones, su dolor, su felicidad, su emoción… Creo que Jane Campion, la directora y guionista del film, entiende muy bien cómo se siente la música y lo que significa ésta para el ser humano.

Holly Hunter, además, sabe tocar el piano e interpretó las piezas para la película, además de darle clases a Anna Paquin.

Campion ha sabido transmitir, a Hunter cómo tenía que interpretar a Ada tocando, casi en fusión con el piano, los dos son uno y ella se vuelve invisible cuando toca y ya todo es sólo música, el mundo parece hecho de música.

La música se siente en toda la película como una protagonista más, tiene una gran fuerza, una gran emoción, que es la de Ada; ya esté feliz o triste o simplemente cuando duda, se lo hace ver al espectador de esta manera.

No puede vivir sin tocar, sencillamente no puede. Lo necesita porque para ella es como gritar. Todos los que son capaces de hacer un tipo de arte, ya sea música, pintura, fotografía, escritura… sienten que llevarlo a cabo es una necesidad imperiosa, que forma parte de ellos, que lo llevan dentro y que es imposible de contener en el interior de uno mismo.

La banda sonora de Michael Nyman fue un éxito de ventas. Y, desde luego, son melodías muy expresivas y sentidas; un lenguaje en toda regla, pues la banda sonora podría contar la historia de la película por sí sola.

LA LECCIÓN DE PIANO expresa esa sensibilidad respecto de la música, en la intensidad que produce, en cómo nos afecta y nos cambia por dentro, en su sola expresión. Y también en la atención al detalle por lo poético que pudiera haber en una relación interpersonal.

MIÉRCOLES 22 DE OCTUBRE

Presentación a cargo del Lic. Oscar Montivero.

EL IMPERIO DE LOS SENTIDOS (Ai no korîda)
Director: NAGISA OSHIMA
Guión: NAGISA OSHIMA
Fotografía: Hideo Ito
Música: Minoru Miki
País: Japón
Año: 1976
Duración: 100 minutos
Reparto: Eiko Matsuda, Tatsuya Fuji, Aoi Nakajima, Taiji Tonoyama, Kanae Kobayashi, Melka Seri


Ambientada en Tokio en 1936 y basada en una historia real, la película narra el encuentro de un hombre casado y una mujer a la que conoce en un burdel. Allí, rodeados de otras geishas que cumplen el papel de familiares, celebran un simulacro de boda que termina en una fiesta desenfrenada.

Los amantes se van a vivir a una casa alquilada, donde el amor y los contactos sexuales se hacen cada vez más exigentes y absolutos, generando una relación que oscila entre el erotismo y la ritualidad

Más que la prolija o reiterada descripción de una intensa y delirante relación sexual, con todas las posibilidades y variantes que establece el erotismo, EL IMPERIO DE LOS SENTIDOS traspone los límites, es decir, conduce el acoplamiento de la pareja a un nivel absoluto y pocas veces franqueable: lleva al erotismo a su última dimensión que es la muerte.

El deleite alcanza su mayor plenitud en la agonía y la pareja de EL IMPERIO DE LOS SENTIDOS conoce esa experiencia límite a la que pocos se atreven a llegar.

El filme está construido en base a un ritmo que es propio del cine japonés que crea, afortunadamente, un tiempo lento y sostenido que enriquece la atmósfera de gestos, rituales, perversidades, olores acumulados y agonías que, a su vez, permiten al espectador asistir a procesos eróticos intensos y fascinantes hasta que la pareja llega a un clima y a una atmósfera límite en la que lo que hay más allá es la muerte.

Su absoluta madurez técnica y formal hizo que se convirtiera en una obra hermosa y dramática que muestra, sin falsedades o hipocresías, intensos climas eróticos.

Pornográfico o erótico, EL IMPERIO DE LOS SENTIDOS es un filme magistral que se reestrena en la cartelera con frecuencia.

La leyenda de Abe Sada La película está basada en un hecho real. El 21 de mayo de 1936, la policía de Tokio arrestó a una mujer que se paseaba con unos testículos y un pene envueltos en papel de periódico. Abe Sada, era una antigua prostituta que se había enamorado del dueño del restaurante donde trabajaba. Tres días antes, lo había estrangulado y emasculado. Según contó la policía, tras su arresto, Sada irradiaba felicidad. El hecho trastornó la sociedad japonesa de la época y se convirtió en una de los mayores escándalos vertidos por la prensa de este país. Condenada a seis años de prisión, fue liberada en 1940 y tras contraer de nuevo matrimonio (bajo una identidad diferente), acabó convirtiéndose en actriz, recreando para la pantalla el accidente que le hiciera famosa. Inexplicablemente, desapareció en 1970 y no se volvió a saber de ella.

NAGISGA OSHIMA, director y guionista de la película, es uno de los máximos representantes de la “nouvelle vague” japonesa, una generación de realizadores marcados por la post-guerra y la ocupación americana. La acción de la cinta transcurre en los años previos al conflicto mundial, pero OSHIMA no se entretiene demasiado en mostrarnos el contexto social de la época.

Casi toda la acción transcurre de puertas adentro, en el marco de la relación cada vez más tempestuosa entre ambos amantes.

Una de las cosas curiosas, sobre todo viniendo de una sociedad tan machista como es la japonesa, es que el papel que ocupa la sexualidad femenina es mucho más importante.

Por lo demás, el tema está tratado con buen gusto, siempre teniendo en cuenta que no se le ahorra al espectador el mínimo detalle de las proezas amatorias de los dos protagonistas.

Las ideas principales del filme, son la muerte y el sexo, ambas conviven de una forma totalmente unánime, formando una férrea simbiosis.

Por supuesto, que de alguna manera el cineasta japonés lo que intenta es una película, provocadora, y a fe que lo consigue, ya que es imposible que nos deje impasibles ante la visualización de la misma.

La historia de amor entre los protagonistas, es lo único que se nos muestra durante el largometraje, es tanto tan presentes las figuras de la muerte y el sexo, que podríamos incluso decir que son dos personajes más.

Es absolutamente imprescindible, antes de aventurarse a un análisis de EL IMPERIO DE LOS SENTIDOS, establecer públicamente que NAGISA OSHIMA es un “artista consumado, tal vez uno de los 10 ó 12 nombres que pueden citarse como permanentes en el cine contemporáneo.

“Yo que me ocupo completamente en ser un japonés, no sabría cómo hacer una película que no tuviera japoneses como objeto, que no tenga como tarea investigar como somos nosotros”. NAGISA OSHIMA nació en Kyoto en 1932 y después de comenzar como asistente de dirección en la compañía productora Shochiku, realizó allí mismo su primera película.

Permaneció hasta 1962 en la Shochiku y al mismo tiempo empezó a realizar documentales para televisión. En 1962 fundó una compañía independiente de producción (La Sozosha) para la cual comenzó a realizar películas de argumento, con frecuencia varias en un mismo año. Estas películas están lejos de ser todas obras maestras, la calidad estilística y de contenido es muy variable de unas a otras.

Mientras unas no son tan buenas, otras son lo mejor que se haya realizado en el Japón contemporáneo y colocan a OSHIMA a igual nivel de los más grandes realizadores del cine japonés, Kenji Mizoguchi y Yasujiro Ozu.

Las obras de OSHIMA tienen una característica común, todas son una rebelión contra las tradiciones cinematográficas japonesas y un fino y complicadísimo estudio de la identidad nipona. OSHIMA desarrolla en la forma y el contenido un tipo propio e irrepetible de cine político de ficción.

MIÉRCOLES 29 DE OCTUBRE
Fuera del Ciclo “DE LOCURAS Y MUJERES) y con la presencia del realizador Julio Lencina, que formó parte del equipo de producción de la película que presentaremos.

OPERACIÓN MASACRE
Director: JORGE CEDRÓN
Guión: Jorge Cedrón (Novela: Rodolfo Walsh)
Fotografía: Julio Duplaquet
Música: Juan Carlos Cedrón
País: Argentina
Año: 1973
Duración: 115 minutos
Reparto: Norma Aleandro, Ana María Picchio, Víctor Laplace, Raúl Parini, Carlos Carella, Carlos Antón, Luis Barrón, Sara Bonet, Martín Coria, José María Gutiérrez, Walter Vidarte, Julio Troxler.


Basada en la novela testimonio escrita por Rodolfo Walsh, "Operación Masacre" (1957).

Filmada en la clandestinidad durante la dictadura de Alejandro Agustín Lanusse en 1972, y estrenada comercialmente el 27 de septiembre de 1973. En 1956 fracasa un contra-golpe militar a la dictadura autodenominada Revolución Libertadora, y en un terreno descampado de José León Suárez, Provincia de Buenos Aires, son asesinados varios civiles sospechados de formar parte del alzamiento.
Sin embargo siete personas logran sobrevivir a la matanza y contar la historia.

REFERENCIAS: http://www.filmaffinity.com/es/main.html http://www.imdb.com/ http://criticasdeluiscifer.blogspot.com.ar/2011/11/profundo-carmesi-1996.html http://www.revistaelabasto.com.ar/La-cancion_mas_triste_del_mundo.htm http://www.escribiendocine.com/pelicula/0003649-la-leccion-de-piano/ http://1buencomienzo.com/2013/03/05/el-piano-jane-campion-1993/ http://www.claqueta.es/1976-1978/el-imperio-de-los-sentidos-ai-no-corrida.html

MES DE SEPTIEMBRE - CICLO "SEPTIEMBRE AMOR"

La primavera ejerce un poder muy especial en todas las personas. La influencia de la naturaleza es indudable: comienzan a florecer las plantas, cambian los colores de lo que nos rodea y, como todo lo externo repercute en nuestro interior, esto estimula nuestro deseo de alcanzar la plenitud emocional.
Venimos de un período de aletargamiento. El frío nos da pocas ganas de salir a la calle, el usar tanta cantidad de ropa y esas comidas pesadas y calientes incitan a esta reclusión.
Con la llegada de esta estación, nos damos cuenta que ese período de hibernación llega a su fin y nos sentimos más dispuestos y esperanzados, para conocer y/o reconocer a esa persona tan especial…

MIÉRCOLES 3 DE SEPTIEMBRE
CON ANIMO DE AMAR (Fa yeung nin wa)
Director: WONG KAR-WAI

Guión: WONG KAR-WAI
Fotografía: Christopher Doyle, Mark Li Ping-Bing
Música: Michael Galasso
País: Hong Kong
Año: 2000
Duración: 95 minutos
Reparto: Tony Leung Chiu Wai, Maggie Cheung, Ah Ping, Rebecca Pan, Liu Chum, Siu Ping-Lam, Chin Chi-Ang, Chan Man-Lui, Koo Kam-Wah, Yu Hsien, Chow Po-Chun.


Hong Kong, 1962. Chow, redactor jefe de un diario local, se muda con su mujer a un edificio habitado principalmente por gentes de Shanghai. Allí conoce a Li-zhen, una joven que acaba de instalarse en el mismo edificio con su esposo.
Ella es secretaria de una empresa de exportación y su marido está continuamente de viaje de negocios.
Como la mujer de Chow también está casi siempre fuera de casa, Li-zhen y Chow pasan cada vez más tiempo juntos y se hacen muy amigos. Un día, ambos descubrirán que sus respectivos cónyuges los están traicionando.
El cine de WONG KAR-WAI se caracteriza por un estilo visual único y característico que podemos apreciar a la perfección en esta película.
Planos a cámara lenta siguen suavemente el movimiento de los protagonistas, atrapados en las redes de una imagen contenida, que por momentos parece incluso detenida. Estas imágenes son acompañadas por los mismos dos o tres cortes musicales, transmitiéndonos la sensación de que vivimos la misma escena una y otra vez. WONG KAR-WAI consigue de esta forma atrapar la mirada del espectador como pocos cineastas lo hacen, con un estilo que conjuga a la perfección la belleza de las imágenes y la música con la profundidad de la historia.
Igual que sucedía con la música, los mismos tres o cuatro escenarios se repiten una y otra vez, percibiéndose el paso del tiempo únicamente por los cambios de vestido de la protagonista (más de cuarenta). El visionado se ralentiza, dándonos la sensación de que el tiempo se detiene. De la misma forma, los planos se mantienen en el tiempo, rechazándose la idea de montaje convencional, caracterizado por la multitud de planos y la agilidad en el corte. Cada corte de plano prácticamente se corresponde con un corte a la siguiente escena, dando lugar a escenas breves y abundantes.
Todos estos elementos nos transmiten la idea de que, a pesar de que el tiempo visual de la historia parece estar detenido (nada parece cambiar), el tiempo real de los acontecimientos avanza rápidamente, escapándose de entre las manos de los protagonistas. Estos, de repente, se encuentran con que sus cónyuges les engañan, deteniéndose el tiempo en este momento de dolor, que les impedirá iniciar su propia aventura amorosa.
Además de toda esta manipulación de la percepción temporal, encontramos en la película muchos otros elementos que nos hacen sentir que hay alguien detrás elaborando cada plano y cada puesta en escena con delicadeza: el espacio vacío en la imagen, el movimiento de la cámara, la distancia entre los cuerpos, etc. El cineasta huye también en casi todo momento del plano-contraplano, no mostrando al interlocutor de la conversación. WONG KAR-WAI prefiere, por el contrario, mantener el primer plano de la actriz protagonista, que atrapa la mirada del espectador con su soberbia interpretación.
CON ANIMO DE AMAR se convierte así en toda una lección de cine que nos hace añorar la experimentación de aquellos nuevos cines que surgieron en los años sesenta. Aunque sin olvidarse de emocionarnos con una gran historia sobre el dolor y el deseo.
WONG KAR-WAI juega a confundir al espectador en los ensayos que hacen los protagonistas de las conversaciones que tendrán con sus parejas (practicando cómo preguntarles por su amante o cómo despedirse de ellos), haciéndonos creer que la situación que plantean es real y que son ellos los que se despiden para siempre.
Mientras él se mantiene calmado, ella llora desconsoladamente, haciéndonos ver que tal vez no esté preparada para separarse de su marido. Aunque ella le dice que se iría con él, enseguida descubrimos que no ha sido capaz de hacerlo, pues si lo hiciese se convertiría en aquello que tanto daño le ha hecho.
Esta frase de la protagonista resume el conflicto central de la película pues, a pesar de que sus parejas les hayan engañado, ellos no serán capaces de hacerlo jamás, renunciando a la oportunidad de ser felices juntos. Sin embargo el tiempo, que parecía detenido durante casi toda la película, acaba pasando. Y los protagonistas acaban olvidando. Olvidando aquél tiempo en el que sufrieron más que nunca y desearon sin llegar a amar.

MIÉRCOLES 10 DE SEPTIEMBRE
LOS SOÑADORES (The Dreamers)
Director: BERNARDO BERTOLUCCI

Guión: Gilbert Adair
Fotografía: Fabio Cianchetti
Música: Varios
País: Reino Unido
Año: 2003
Duración: 120 minutos
Reparto: Michael Pitt, Louis Garrel, Eva Green, Robin Renucci, Anna Chancellor, Florian Cadiou.


París, 1968. Isabelle (Eva Green) y su hermano Theo (Louis Garrel), solos en la ciudad mientras sus padres están de viaje, invitan a su apartamento a Matthew (Michael Pitt), un joven estudiante americano, al que han conocido en un cine. Una vez en casa, establecen unas reglas para conocerse mutuamente, explorando emociones y erotismo a través de una serie de juegos extremadamente arriesgados.
BERNARDO BERTOLUCCI filma algo que conoce y llena la pantalla de detalles exactos y creíbles.
El mejor BERTOLUCCI, el más sincero, está en la película y en estado de gracia y alerta.
El director italiano defiende la utopía y la pasión.
BERTOLUCCI se mueve en LOS SOÑADORES en un ámbito histórico y dramático que conoce como la palma de su mano, porque no sólo lo ha vivido, sino que lo ha observado desde los observatorios privilegiados de un cineasta precoz, que ya era reverenciado en los alrededores de la batalla de Mayo del 68, en cuyas galerías cinéfilas parisienses caminó con “Antes de la Revolución”, su legendaria primera y premonitoria película.
LOS SOÑADORES procede de una novela del inglés Gilbert Adair, que también es autor, y con notable dominio de la escritura cinematográfica, del guión. La buena construcción de éste y la primorosa, y llena de conocimiento y buen gusto, puesta en pantalla de BERTOLUCCI dan al filme solidez y brillantez notabilísimas.
Son tres jóvenes novatos, el francés Louis Garrel, la inglesa Eva Green y el estadounidense Michael Pitt. Los dos primeros representan a dos hermanos franceses mellizos. Han nacido juntos, pero no se parecen, casi son opuestos; y completa el triángulo Pitt, eje narrativo del filme, que cierra el menage à trois con los dos hermanos iguales y opuestos. Ella, la hermana y amante, es todo un hallazgo de belleza y potencia expresiva; el hermano, por su parte, es un tipo de facciones aniñadas y mirada durísima, que funciona sin matices, como máscara; y el intruso americano es eso mismo, un intruso

MIÉRCOLES 17 DE SEPTIEMBRE
UN HOMBRE SIN PASADO (Mies vailla menneisyyttä)
Director: AKI KAURISMÄKI

Guión: Aki Kaurismäki
Fotografía: Timo Salminen
Música: Varios

País: Finlandia
Año: 2002
Duración: 97 minutos

Reparto: Markku Peltola, Kati Outinen, Juhani Niemelä, Kaija Pakarinen, Sakari Kuosmanen, Annikki Tähti, Anneli Sauli, Elina Salo, Outi Mäenpää, Esko Nikkari, Pertti Sveholm, Matti Wuori, Aino Seppo, Janne Hyytiäinen, Antti Reini, Tähti, Marko Haavisto, Jukka Teerisaari, Jyrki Telilä, Jouni Saario.


Un hombre de mediana edad regresa a una ciudad que guarda relación con su pasado. Helsinki, la capital finesa, es el destino de un individuo que pasa por un proceso amnésico, sin posibilidad de reconocer formas humanas y espacios materiales que habían formado parte de su tiempo pretérito. Imposibilitado para conseguir un trabajo ni una habitación que alquilar, M deambula por la periferia de la ciudad, entrando en contacto con seres marginales como él. Un guardia llamado Anttila y una mujer que pertenece al Ejército de Salvación, son algunos de los individuos que fuerzan a M a reencontrarse consigo mismo, viajando hacia un horizonte que le resulta desconocido y familiar al mismo tiempo.

La amnesia no es siempre una tragedia.

Premios
2002: Nominada al Oscar: Mejor película de habla no inglesa.
2002: 3 premios en el Festival de Cannes, incluyendo mejor actriz, gran premio del jurado.
2002: San Sebastián: Premio FIPRESCI: Mejor película del año.
2002: Nominada al César: Mejor película europea.
2002: Premios Guldbagge (Suecia): Mejor película extranjera.


“Otra pequeña joya del finlandés exótico, es uno de los cantos más entrañables que ha recibido el mundo de los deheredados (...) Kaurismaki derrocha todas sus esencias en una película inclasificable, rebosante de humor y ternura, excentricidad y lirismo, estilo y gracia."

MIÉRCOLES 24 DE SEPTIEMBRE
COPIA CERTIFICADA - Copie conforme (Roonevesht barabar asl ast)
Director: ABBAS KIAROSTAMI

Guión: ABBAS KIAROSTAMI
Fotografía: Luca Bigazzi
Música: Varios
País: Francia
Año: 2010
Duración: 106 minutos
Reparto; Juliette Binoche, William Shimell, Jean-Claude Carrière, Agathe Natanson, Gianna Giachetti, Adrian Moore, Angelo Barbagallo, Andrea Laurenzi, Filippo Trojano.


Un hombre y una mujer se conocen en un pequeño pueblo italiano del sur de la Toscana. Él es un escritor inglés que ha ido para dar una conferencia. Ella es una galerista francesa.
Hay directores errantes que no tienen más patria que el celuloide, son universales. El cineasta iraní ABBAS KIAROSTAMI parece que se ha convertido en uno de ellos, aunque no sabemos si por convicción o por obligación. Tras una carrera de enorme prestigio internacional, iniciada en su país de origen (A Través de los Olivos, El Sabor de las Cerezas), cuna de sensibles cineastas que tuvieron que hilar muy fino para no irritar a la censura, su brújula creativa le lleva a Italia, a la Toscana, para localizar su última y bellísima historia.
El argumento de COPIA CERTIFICADA no puede ser más simple: un distinguido escritor inglés presenta su último ensayo titulado COPIA CERTIFICADA, mirada irónica sobre el excesivo valor que se otorga a los originales en el arte, por su valor único, frente a la fidedignas copias que, a veces, lo son de forma obsesiva.
Entre los asistentes a su erudita charla, una galerista francesa, en  compañía de su inquieto hijo, que invita al autor del libro a un recorrido turístico por algunos bellos paisajes de la Toscana antes de que tome el último tren de las 9 y desaparezca.
A las discusiones entre ambos sobre el valor de las obras de arte originales y sus copias, que discurren dentro de una exquisita cordialidad,  se suceden las disquisiciones sobre el matrimonio cuando ella se hace pasar por su esposa en una cafetería para complacer a su dueña y no hacerla salir de su equívoco. Y como pareja impostada, o no? y ahí está el mérito de la película, su prodigiosa ambigüedad, el que en un momento determinado el espectador crea esa ficción fabricada por ella y que él sigue, o piense que ambos dramatizan las experiencias de sus fracasados matrimonios, discuten de forma agria y apasionada sobre la viabilidad de la pareja y la duración e intensidad del amor que se desgasta con el tiempo.
ABBAS KIAROSTAMI construye un drama intenso con dos actores excepcionales, Juliette Binoche (premio a la mejor actriz en el Festival de Cannes) y el desconocido William Shimell, ambos espléndidos en su recital, y una puesta en escena minimalista.
COPIA CERTIFICADA se aproxima más al ensayo  cinematográfico, no en la aceptación de experimento fílmico sino a lo que se entiende en literatura, que a la ficción narrativa.
Es una película totalmente discursiva, que fluye con la misma suavidad que el paisaje toscano en la que está rodada y obliga al espectador a tomar parte en ese duelo sobre los sentimientos.

REFERENCIAS:
http://www.eldestiladorcultural.es/cine/copia-certificada-abbas-kiarostami/
http://elcineenlamirada.over-blog.com/article-analisis-de-la-pelicula-un-hombre-sin-pasado-kaurismaki-2002-119538800.html

MES DE AGOSTO - CICLO DE CINE BOLIVIANO

La independencia de la República de Bolivia fue proclamada el 6 de agosto de 1825 en un Congreso celebrado en Chuquisaca.

Entre el 6 y el 27 de agosto en coordinación con el Consulado en Salta del Estado Plurinacional de Bolivia, Cónsul Ingrid Zavala Castro, se desarrollará en el Cine Club de los Miércoles el Ciclo de Cine Boliviano con el objetivo de difundir la producción audiovisual de directores y realizadores del vecino país en la ciudad de Salta, y a través de las proyecciones con debate, mostrar las diferentes realidades bolivianas contenidas en las temáticas abordadas por cada una de las películas.

MIÉRCOLES 6 DE AGOSTO DI BUEN DÍA A PAPÁ (2005)
Director: FERNANDO VARGAS
Guion: Fernando Vargas y Verónica Córdova
Fotografía: Juan Pablo Urioste
Música: Oldrich Halas
Reparto: Isabel Santos, Paola Ríos, José Veliz, Bismark Virhuez, Jorge Ortiz, Jonatan Stern, Jorge Jamarlli, Soledad Ardadya.


Historias de amor, conflictos y reconciliaciones de tres mujeres de Valle Grande, la ciudad en la cual el Che Guevara fue asesinado en 1967.

La película fue producida por Imagen Propia S.R.L., una compañía boliviana cuyo principal objetiVo es mostrar la complejidad de la cultura de su país.

También participaron de la producción de este filme, la productora argentina Matanza Cine, conocida por Mundo Grúa, El Bonaerense y Familia Rodante dirigida por Pablo Trapero; el Instituto Cubano del Arte y la Industria Cinematográfica, ICAIC, otra compañía cubana responsable del éxito Fresa y Chocolate. En un lugar de Valle Grande, Bolivia, se encuentra enterrado Ernesto Che Guevara. Esta es la historia de tres generaciones de valle grandinos, donde las vidas de los protagonistas se entrelazan para narrar la historia de Valle Grande, un pequeño pueblo que por 30 años escondió los restos del revolucionario.

Gran Premio del Público, Festival Internacional de Cine Pobre en Gibara, Cuba (2006).
Mención Especial del Jurado, Concurso de Guiones del Festival Internacional del Nuevo Cine Latinoamericano de La Habana, Cuba (1999).
Gran Premio Diablo de Oro, Festival de Cine de Oruro (2005).
Seleccionada para representar a Bolivia: Mejor Película Extranjera en la 78 Edición de los Premios Óscar de la Academia de Hollywood (2005). Mejor película extranjera en español, 25 Edición de los Premios Goya de la Academia de España (2005). Mejor película extranjera, Premios Ariel de la Academia de México (2005). The World Film Festival, Montreal, Canadá (2005).

MIÉRCOLES 13 DE AGOSTO
LOS HERMANOS CARTAGENA (1985)
Director: PAOLO AGAZZI
Guión: Oscar Soria, Paolo Agazzi
Fotografía: César Pérez
Música: Sergio Prudencio
Reparto: Juan José Taboada, Edwin Morales, Melita del Carpio, Edgar Vargas, Eddy Bravo.


Treinta años de la historia político-social de Bolivia. Crónica de una familia de terratenientes, que a raíz de la Revolución de 1952 comienza a disgregarse.

Tres décadas más tarde el antagonismo ideológico de los hermanos Cartagena, los llevará a una brutal confrontación. Es la historia contemporánea de Bolivia, desde la revolución de 1952 en adelante, a través de las vidas paralelas de dos hermanos.

Juan José, el vástago legítimo de don Luís, el propietario de tierras, se transforma con el correr del tiempo en jefe de uno de los grupos paramilitares protagonista del cruento golpe de estado de 1980. Martín, el hijo natural, fruto de la violación por el hacendado de una humilde campesina mentalmente perturbada, ha llegado en cambio a ser un dirigente obrero perseguido en esas mismas circunstancias. Antes de llegar a definir de esa manera sus respectivos roles sociales, la película detalla el proceso que, desde sus disímiles actitudes infantiles, los conduce hacia el choque definitivo.

El periplo individual de los personajes centrales pretexta una alegoría de sentido más amplio, aludiendo constantemente a los referentes contextuales.

MIÉRCOLES 20 DE AGOSTO
LOS ANDES NO CREEN EN DIOS (2007)
Director: ANTONIO EGUINO
Guión: Antonio Eguino
Fotografía: Ernesto Fernández
Música: Alberto Villalpando
Reparto: Diego Bertie, Carla Ortiz, Milton Cortés, Jorge Ortiz Sánchez, Schlomit Baytelman, Teresa Gutiérrez, Cristian Mercado, Vivian Colombo.



Alfonso Claros, un joven ingeniero con estudios en Francia e inquietudes literarias, llega en el tren internacional a Uyuni, pueblo donde el embrujo del metal del diablo les sonríe tanto a los trabajadores como a los dueños de la empresa.

Uyuni es, por entonces, el escenario donde convergen algunos personajes cuyas existencias, en afán de hacer fortuna y encontrar y un amor furtivo, entran en un juego de pasiones y frustraciones motivados por la sensualidad de una chola que los cautiva con su orgullo y su belleza. La realidad minera llega una vez más al séptimo arte. Ya antes se habían rodado "Aiza", basado en un cuento del mismo nombre de Oscar Soria Gamarra, y "Socavones de Angustia", inspirado en la novela de Fernando Ramírez Velarde; dos verdaderos impulsores de la literatura minera del siglo XX.

LOS ANDES NO CREEN EN DIOS, cuyo guión fue el resultado de una interpretación libre de una novela y dos cuentos de Adolfo Costa du Rels, es una mega producción que cuenta en su reparto con actores de primera línea. Se trata de una película que, como pocas veces, intenta hacer justicia a la obra literaria.

La novela LOS ANDES NO CREEN EN DIOS y los cuentos "Plata del diablo" y "La Misk'i Simi" (la de la boca dulce, en quechua), ambientados en la población minera de Uyuni y otras regiones aledañas de Potosí, redescubren una Bolivia de los años 1920-40; época en que la explotación de los yacimientos minerales experimentaba un auge y un esplendor sin precedentes. La producción de la película demuestra que la realidad minera es -y seguirá siendo- una de las vertientes más representativas de la literatura boliviana, no sólo porque la minería fue en el siglo pasado la columna vertebral de la economía nacional, sino también porque las minas fueron escenarios donde confluyeron tanto los consorcios imperialistas como las luchas sindicales.

De ahí que la película, dirigida por el prestigioso cineasta Antonio Eguino, además de ser un aporte importante a la cinematografía nacional, es un sentido homenaje a quienes forjaron la historia de la minería en la cordillera de los Andes. No obstante, se debe aclarar que en la obra de Costa du Rels, como en la de sus colegas contemporáneos, la mina está contemplada desde fuera, desde la perspectiva del intelectual pequeño burgués, y no desde el interior de la mina, donde los trabajadores, en su mayoría de ascendencia indígena, dejan sus pulmones perforados por la silicosis, y donde el sincretismo religioso permite que, junto al Dios importado por los conquistadores, sobrevivan los dioses ancestrales de las culturas precolombinas como es el Tío, dios y diablo de la mitología andina, cuyas peculiaridades profanas lo convierten en el dueño de las riquezas minerales y en el amo de los mineros.

MIÉRCOLES 27 DE AGOSTO CUESTIÓN DE FE (1995)
Director: MARCOS LOAYZA
Guión: Marcos Loayza
Música: Óscar García
Fotografía: César Pérez
Reparto: Óscar García, Jorge Ortiz Sánchez, Jorge Mendívil, Marta Monzón, Rodolfo Calaumana, Norma Merlo, Raúl Beltrán.



"Las gordas no se enamoran, se antojan" fue lo último que el santero Domingo y su compadre Pepelucho escucharon decir en el bar "La Corajuda", antes que el oscuro "Sapo Estívaris" los hiciera llamar para encargarles la fabricación de una virgen de tamaño natural, y pedirles su traslado hasta San Mateo, pueblo escondido en el corazón de los Yungas paceños, iniciando así un viaje a través de sus sentimientos

Habiendo escuchado la conversación, Joaquín, un apostador que permanentemente desafía al destino, se brinda a llevarlo en "La Ramona", una vieja camioneta prestada que él hace pasar por suya. Una vez elaborada la virgen, los tres inician el viaje en "La Ramona" descendiendo desde la ciudad, a 4.700 metros de altura, hasta llegar a zonas tropicales donde la presencia de la naturaleza y sus posiciones ante la vida determinan una tensa pero equilibrada relación entre ellos. La fe de uno en Dios y la fe del otro en el juego y el azar, acaban cruzándose en un desenlace imprevisible donde se pierde la noción de realidad.

REFERENCIAS:
http://www.filmaffinity.com/es/main.html
http://www.imdb.com/
http://www.programaibermedia.com/proyectos/di-buen-dia-a-papa/
http://alainet.org/active/75673&lang=es
http://www.bolivianet.com/cine/cuestion_fe.html
http://www.boliviaentusmanos.com/cartelera/los-hermanos-cartagena.html

MES DE JULIO - PRIMER CICLO DE CINE SOBRE DIVERSIDAD SEXUAL EN SALTA


En sintonía con la histórica Declaración de la ONU sobre orientación sexual e identidad de género, el Cine Club de los Miércoles de la Fundación COPAIPA, presenta cuatro películas acompañadas con invitados especiales que debatirán con el público sobre la problemática y la larga lucha por hacer respetar la Diversidad Sexual en nuestro país.

El Miércoles 2 de Julio abrimos el ciclo con la película "UN AÑO CON 13 LUNAS" del maestro alemán RAINER WERNER FASSBINDER. Nos acompañará en el debate el Lic. Nicolás Hirtz, responsable del INADI-Salta y disertará sobre los avances en nuestro país en materia de Derechos a la Diversidad Sexual.


El Miércoles 16 de Julio proyectaremos la película argentina "MIA" Opera Prima de JAVIER VAN DE COUTER. Nos acompañará Ro Liendro representante de ALUDIS (Asociación de Lucha contra la Discriminación Sexual).


El Miércoles 23 de Julio proyectaremos "LENGUA MATERNA" película argentina de LILIANA PAOLINELLI. Nos acompañará Gabriela Veleizan, representante del colectivo lesbiano ARPIAS, espacio de reflexión y lectura de lesbianas.





El Miércoles 30 de Julio cerramos el ciclo con la obra maestra del director hongkonés WONG KAR WAI filmada en Buenos Aires, "FELICES JUNTOS". Nos acompañará Matías Hessling, coordinador del Observatorio para la Promoción de Derechos de diversidad sexual en Salta.




A diciembre de 2008, la homosexualidad es ilegal en 77 países, en siete de los cuales es castigada con la pena de muerte.

La declaración de la ONU sobre orientación sexual e identidad de género es una iniciativa francesa, respaldada por la Unión Europea, presentada ante la Asamblea General de las Naciones Unidas el 18 de diciembre de 2008. La declaración, originalmente propuesta como resolución, provocó otra declaración en sentido opuesto promovida por países árabes. Ambas declaraciones permanecen abiertas a nuevas firmas. La declaración condena la violencia, el acoso, la discriminación, la exclusión, la estigmatización y el prejuicio basado en la orientación sexual y la identidad de género. También condena los asesinatos y ejecuciones, las torturas, los arrestos arbitrarios y la privación de derechos económicos, sociales y culturales por estos motivos.

La declaración supuso un gran avance para los derechos humanos que rompió el tabú de hablar sobre los derechos LGTB en las Naciones Unidas.

Los 34 países miembros de la Organización de Estados Americanos aprobaron de forma unánime una declaración en la que se extendía la protección de los derechos humanos a la identidad de género y la orientación sexual.

66 de los 192 miembros de la Naciones Unidas firmaron la declaración, incluyendo todos los países de la Unión Europea, y la mayoría de los países occidentales, con la excepción de los Estados Unidos, que tras declarar que firmarla era incompatible con su ordenamiento interno ha decidido finalmente apoyarla sin firma.

Entre los primeros en posicionarse en contra de la declaración se encontró al Vaticano, la totalidad de los países islámicos y China.

La declaración enuncia entre otros postulados:

“...todos los seres humanos nacen libres e iguales en dignidad y derechos...”

“...todas las personas tienen derecho al goce de sus derechos humanos sin distinción alguna de raza, color, sexo, idioma, religión, opinión política o de cualquier otra índole, origen nacional o social, posición económica, nacimiento o cualquier otra condición...

“Estamos, asimismo, alarmados por la violencia, acoso, discriminación, exclusión, estigmatización y prejuicio que se dirigen contra personas de todos los países del mundo por causa de su orientación sexual o identidad de género, y porque estas prácticas socavan la integridad y dignidad de aquéllos sometidos a tales abusos.

“Condenamos las violaciones de derechos humanos basadas en la orientación sexual o la identidad de género dondequiera que tengan lugar, en particular el uso de la pena de muerte sobre esta base...

“Hacemos un llamado a todos los Estados y mecanismos internacionales relevantes de derechos humanos a que se comprometan con la promoción y protección de los derechos humanos de todas las personas, independientemente de su orientación sexual e identidad de género."

Conseguir esta declaración de la ONU es el resultado del esfuerzo colectivo global de muchas organizaciones LGTB y de derechos humanos.

La declaración fue leída por el embajador de la Argentina, Jorge Argüello el 18 de diciembre de 2008, siendo esta la primera declaración sobre derechos homosexuales leída en la Asamblea General.

Desde entonces nuestro país ha realizado avances significativos en el tema que serán abordados por los diferentes invitados especiales que acompañaran las proyecciones.

El CINE CLUB DE LOS MIÉRCOLES DE LA FUNDACIÓN COPAIPA es un proyecto orientado a exhibir obras cinematográficas nacionales e internacionales, destacadas por su calidad artística y temática.