Durante el mes de Abril, proyectaremos
películas de directores contemporáneos, que se consagraron realizando obras
extraordinarias, que impactaron a audiencias internacionales.
La lista de estos directores es enorme, lo
cual indica que este arte y la industria continúa promoviendo y generando
realizadores prodigiosos.
MIÉRCOLES
5 DE ABRIL
CRASH (VIDAS CRUZADAS), EEUU, 2005
Director: PAUL HAGGIS.
Guion: Paul Haggis, Robert Moresco (Historia:
Paul Haggis, Bobby Moresco)
Fotografía: James Muro
Música: Mark Isham
Duración: 115 minutos
Reparto: Sandra Bullock, Don Cheadle, Matt
Dillon y otros.
Sinopsis: El descubrimiento en una cuneta del
cuerpo de un hombre brutalmente asesinado hará que las vidas de varias personas
se entrecrucen en Los Ángeles.
Debut en la dirección del escritor-productor
Paul Haggis.
“Crash” sigue el típico esquema de película
coral, dónde muchos personajes que en apariencia, no tienen nada en común, nos
hablan de sus problemas, de sus relaciones, de sus vivencias, mientras sus
historias van entrelazándose hasta llegar a un punto, un nexo de unión, dónde
todo cobra sentido.
Haggis, excelente guionista, aprovecha al
máximo este esquema, pareciendo incluso que sea novedoso, debido a su enorme
pericia para unir los diferentes elementos de la historia.
La gran sorpresa de esta película se
encuentra en la labor de Haggis tras las cámaras, ya que gracias a su estupenda
puesta en escena, su propio guion termina teniendo una fuerza impresionante,
alcanzando dimensiones casi épicas, gracias a unas poderosas imágenes, que el
director combina perfectamente con lo habilidoso del guion, que nos lleva por las
calles de Los Angeles, dotando a la gran ciudad de un aire místico que envuelve
a sus personajes.
Haggis toma la ciudad y a sus personajes, los
lanza al vacío, y deja que tengan un auténtico y brutal choque entre ellos.
Navega por los miedos y esperanzas de cada
uno, con timón seguro. A algunos los hace odiosos, a otros adorables, y al
resto una unión de ambas cosas. Los mezcla, los enfrenta, y actúa como casi un
Dios con ellos, dirigiendo sus vidas en todo momento, haciéndoles pasar por
situaciones límite, y haciéndoles ver que a pesar de las estúpidas diferencias
raciales, y de lo injusta que puede ser esta vida, siempre hay un lugar para la
comprensión, para la aceptación, para el perdón, para el amor.
Haggis, como padre de sus personajes, decide
el destino de cada uno, siendo a la vez benevolente, duro y desgarrador.
Paul Haggis ha rozado la maestría, rodando un
gran film, digno de verdad, que merece ser visto más de una vez, para recrearse
en él, y disfrutar de auténtico y verdadero cine.
Premios
2005: 3 Oscar: Mejor película, guion
original, montaje. 6 Nominaciones
2005: 2 nominaciones al Globo de Oro: Mejor
actor de reparto (Matt Dillon), guion
2005: 3 Premios BAFTA: Mejor actriz de
reparto, guion. 9 nominaciones
2005: National Board of Review: Mejor actor
de reparto (Terrence Howard)
2005: Premios David di Donatello: Mejor
película extranjera
2005: American Film Institute (AFI): Top 10 -
Mejores películas del año
2005: 2 Critics Choice Awards: Mejor guion,
reparto. 6 nominaciones
2005: Asociación de Críticos de Chicago:
Mejor película y guion
2005: Premios Independent Spirit: Mejor actor
sec. (Dillon) y mejor ópera prima
2005: Festival de Deauville: Gran Premio
Paul Edward Haggis (London, Ontario, Canadá,
10 de marzo de 1953). Guionista y director de cine canadiense.
El 5 de marzo de 2006, Paul Haggis, se
convirtió en la primera persona de la historia de los Premios de la Academia en
escribir los guiones de dos ganadoras consecutivas del Premio a la Mejor
Película por “Crash” y la ganadora del año anterior, “Million Dollar Baby”.
La carrera cinematográfica de Haggis comenzó
en 2000, después de años de éxito en televisión, cuando se hizo con los
derechos del relato y escribió el guion “Million Dollar Baby” para probar
suerte. Cuando el productor asociado de Haggis le llevó el guion a Clint
Eastwood, “Million Dollar Baby” se hizo realidad. En 2004, Eastwood rodó el
primer borrador de Haggis sin realizar ningún cambio. La película recaudó más
de 100 millones de dólares brutos en EE.UU., y recibió cuatro Premios de la
Academia.
Haggis ha creado toda una variedad de
programas para televisión, siendo su favorita la aclamada serie de la CBS “EZ
Street”. Aunque esta serie estuvo poco tiempo en antena, todavía sigue
apareciendo en las listas de las diez mejores para la crítica. El New York
Times la denominó recientemente como una de las series de televisión más
influyentes de todos los tiempos, diciendo sin “EZ Streets”, no existirían los
“Los Soprano”.
Haggis ha recibido numerosos premios, entre
los que se incluyen dos Premios de la Academia, un WGA Award, un BAFTA, dos
Emmys, el Humanitas Prize, el Premio al Programa del Año de la Asociación de
Críticos de TV, el Premio de la Audiencia para una televisión de calidad, el
Ethel Levitt Memorial Award por servicios humanitarios, el Hollywood Award for
Breakthrough Director y el prestigioso Valentine Davies Award de WGA, concedido
a Haggis por “aportar respeto y dignidad a los escritores de todo el mundo”.
Filmografía de Paul Haggis
The Third Person (2013). Director, guionista.
The Next Three Days (2010). Director,
guionista, productor.
Quantum of Solace (2008). Guionista.
En el valle de Elah (2008). Director,
guionista, productor.
El último beso (2007). Guionista.
Cartas desde Iwo Jima (2007). Guionista,
productor, productor ejecutivo.
Banderas de nuestros padres (2007).
Guionista.
Los hermanos Donnelly (2007). Creador y
guionista para la NBC.
Casino Royale (2006). Guionista.
Crash (2005). Director, guionista, productor.
Million Dollar Baby (2004). Guionista,
productor.
MIÉRCOLES
12 DE ABRIL
THE
LAST WAVE (LA ÚLTIMA OLA).
Australia, 1977
Director:
PETER WEIR
Guion: Peter Weir, Tony Morphett, Petru
Popescu
Fotografía: Russell Boyd, Ron Taylor
Música: Charles Wain
Duración: 106 minutos
Reparto: Richard Chamberlain, Olivia Hamnett,
David Gulpilil, Frederick Parslow, Vivean Gray
Sinopsis: David Burton es un abogado
australiano que vive tranquilamente con su hija y su esposa hasta que unos
sueños premonitorios le revelan parte del conocimiento prohibido de los
aborígenes. Un asesinato que debe investigar le pondrá en contacto con Chris,
integrante de una tribu y conocedor de sus rituales.
Peter Weir (Sydney, Australia, 21 de agosto
de 1944). Director y guionista australiano.
A mediados de la década del 60 decidió hacer
un largo viaje por Europa, hasta que regresó a su país natal para dar inicio a
sus actividades fílmicas, comenzando a trabajar en el medio televisivo.
En el año 1971 debutó como director
cinematográfico realizando un episodio de “Three to go” (1971). Mostró desde
sus inicios tendencia a la exploración psicológica de sus personajes
principales, una de sus características junto al encuentro y choque cultural.
El mismo año de “Three to go” también rodó su
primer largometraje en solitario, “Homesdale” (1971).
La primera película de entidad de Peter Weir
fue “The Cars that ate Paris” (1974), comedia de humor negro que fue continuada
por uno de sus mejores films, “Picnic at Hanging Rock” (1975), misterioso drama
con rasgos de surrealismo y ensoñación que adaptaba con brillantez una novela
de Joan Lindsay.
“La última ola” (1977), un magistral thriller
protagonizado por Richard Chamberlain, corroboró su aptitud para idear y
desarrollar historias de intenso misterio con tono enigmático.
Tras estrenar el telefilm “The Plumber”
(1979), Weir retomó los proyectos en la pantalla grande con “Gallipolli”
(1981), un título antibélico protagonizado por un joven Mel Gibson. Esta
película, junto sus dos anteriores trabajos, confirmaron a Peter Weir como uno
de los puntales de la denominada new wave australiana, logrando asimismo un
premio como mejor director en los premios otorgados por la Academia de Cine de
su país, institución que le había nominado anteriormente con “La última ola”.
Gibson volvió a ser el protagonista de su
siguiente título, “El año que vivimos peligrosamente” (1982), mezcla entre
drama político e historia romántica ambientada en la Indonesia gobernada por
Sukarno.
Después de este film Weir dio el salto a
Hollywood con “Único testigo” (1985), thriller romántico con Harrison Ford en
el que volvía a contraponer situaciones y personajes de distinta índole
cultural, aquí integrando a su personaje central en el mundo de los Amish. Su
trabajo como director le valió una primera nominación a los Globos de Oro y a
los Oscar.
Con Harrison Ford coincidió nuevamente en “La
costa de los mosquitos” (1986), película de aventuras basada en una novela de
Paul Theroux.
“El club de los poetas muertos” (1989) se
apoyaba en una espléndida interpretación de Robin Williams y en la afectiva
interacción entre un profesor de nuevos métodos y sus alumnos en una escuela
privada de finales de los años 50. Weir volvió de nuevo a ser nominado, tanto
en los Globos de Oro como en los premios Oscar.
“Matrimonio de conveniencia” (1990), una
agradable comedia romántica protagonizada por Gerard Depardieu y Andie
MacDowell, le valió una nominación al Oscar al mejor guion original. También
logró un Globo de Oro como mejor película de comedia.
Jeff Bridges fue el protagonista de “Sin
miedo a la vida” (1993), drama psicológico que adaptaba una novela de Rafael
Yglesias con guion del propio escritor.
Tras un hiato de cinco años, Peter Weir
retornó a la actividad cinematográfica con “El show de Truman” (1998), una
notable comedia satírica escrita por Andrew Niccol y protagonizada por Jim
Carrey y Laura Linney. Weir recibió otra nominación como mejor director.
Hubo que esperar otro lustro para que Weir
volviera a presentar su nueva película, “Master and Commander” (2003), film de
aventuras marítimas protagonizado por Russell Crowe y Paul Bettany que adaptaba
de manera magnífica una novela de Patrick O’Brian.
En “Camino A La Libertad” (2010) narraba la
historia real de un grupo de soldados que escapan de un gulag soviético en la
Segunda Guerra Mundial.
MIÉRCOLES
19 DE ABRIL
LA
PIANISTE (La Profesora de
Piano). Francia, 2001
Director:
MICHAEL HANEKE
Guion: Michael Haneke (Novela: Elfriede
Jelinek)
Fotografía: Christian Berger
Música: Martin Achenbach
Duración: 126 minutos
Reparto: Isabelle Huppert, Benoît Magimel,
Annie Girardot, Anna Sigalevitch, Susanne Lothar, Udo Samel.
Sinopsis: Una adusta profesora de piano
ahogada por una madre asfixiante, combate su angustia con autocastigos físicos
y morales. Pocas veces la tragedia de un personaje fílmico ha alcanzado tal
grado de abstracción como en esta obra subversiva y nihilista, espejo cruel del
derrumbe moral de la sociedad de su tiempo.
El nombre de Michael Haneke conmueve por
igual a muchos aficionados. Se trata del cineasta que incendió las pantallas
con su reflexión sobre la violencia en “El Vídeo de Benny”; que revolvió
conciencias con la inenarrable “Funny Games”; y que filmó “Código Desconocido”,
la más lúcida reflexión sobre la intolerancia en Europa.
Micheal Haneke (Múnich, Alemania, 23 de marzo
de 1942). Director y guionista de cine austríaco conocido por su estilo
sombrío, turbador e inquietante. Sus películas a menudo tratan problemas de la
sociedad moderna, y suelen causar controversia. Haneke ha trabajado en
televisión‚ teatro y cine.
En 2005 obtuvo el premio a la mejor dirección
por su película “Caché” en el Festival de Cine de Cannes, así como el premio de
la FIPRESCI y el premio del Jurado Ecuménico del mismo festival.
En el año 2009 obtiene la Palma de Oro en el
Festival de Cannes, por su trabajo “Das Weiße Band” (La Cinta Blanca), premio
que vuelve a ganar 3 años después, con el filme “Amour”.
En 2012 Europa se rinde ante el director,
otorgándole cuatro premios en la gala del cine europeo.
MIÉRCOLES
26 DE ABRIL
CESARE
DEVE MORIRE (CÉSAR DEBE
MORIR). Italia, 2012
Directores: PAOLO TAVIANI Y VITTORIO TAVIANI
Guion: Paolo Taviani, Vittorio Taviani
(Historia: William Shakespeare)
Fotografía: Simone Zampagni
Música: Giuliano Taviani, Carmelo Travia
Duración: 76 minutos
Reparto: Fabio Cavalli, Salvatore Striano,
Giovanni Arcuri, Antonio Frasca
Sinopsis: Docu-ficción sobre el taller
teatral que organiza en la cárcel romana de Rebibbia el director Fabio Cavalli,
que ensaya con los presos obras de Shakespeare. Los ensayos y la representación
final del “Julio César” se alternan con la vida cotidiana de los reclusos.
Premios:
2011: 5 Premios David di Donatello,
incluyendo mejor película y director. 8 Nominaciones
2012: Festival de Berlín: Oso de Oro mejor
película
2012: Premios del Cine Europeo: 4
nominaciones, incluyendo mejor película y director
2012: Satellite Awards: Nominada a Mejor
película extranjera
Vittorio Taviani (20 de septiembre de 1929) y
Paolo Taviani (8 de noviembre de 1931), nacidos en San Miniato, provincia de
Pisa, de la Toscana (Italia), son dos directores de cine italianos. Fuertemente
politizados, influidos sobre todo por Roberto Rossellini, llevan trabajando
toda su vida como escritores, directores y productores de todas sus obras.
Aunque Vittorio estudió leyes en la
Universidad de Pisa y Paolo, Artes, ambos estaban llamados a desempeñar el
mismo tipo de actividad. Inspirados en la obra de Roberto Rossellini y
especialmente en su película “Paisà”, determinaron que harían películas.
Fue una decisión conjunta, y así ha sido toda
su obra hasta la fecha. Su método de trabajo es muy sencillo, siempre resultado
de una perfecta sincronización y entendimiento.
Dirigen alternativamente las
escenas, observan, y nunca interfieren en el trabajo del otro.
Sus primeros pasos en el cine fueron en una
serie de cortometrajes al lado de Valentino Orsini, con quien habían
desarrollado una serie de actividades cinematográficas en Pisa durante los años
cincuenta. Su primer largometraje fue “L'Italia no è paese povero” (1960), un
proyecto que compartieron también con Orsini y el director holandés Joris
Ivens. Financiada por la compañía estatal de petróleo, ENI. Censurada por la
productora por las crudas imágenes de la miseria de la clase obrera, la copia
original se creyó perdida durante mucho tiempo hasta que, en 1999, Tinto Brass,
que había sido ayudante de dirección en la película, sacó a la luz la única
copia existente del positivado original, que había guardado.
Orsini aún participaría en las dos siguientes
películas de los Taviani, “Hay que quemar a un hombre”, la historia de un
activista político que regresa a su Sicilia natal para arengar a los campesinos
contra la Mafia, y “I fuorilege del matrimonio” (1963), protagonizada por Hugo
Tognazzi y Annie Girardot.
En los siguientes años, los hermanos Taviani
adoptan la novela de Leon Tolstoi Lo divino y lo humano, en “San Miguel tenía
un gallo” (1972). Vuelven a centrarse en la figura de un líder político en el
filme “Allonsanfan” (1973), historia de un viejo anarquista que intenta
retirarse sin conseguirlo.
No será hasta 1977, cuando les llegue el
reconocimiento internacional con “Padre Padrone”, protagonizada por Omero
Antonutti.
La película toma una historia real y la convierte en la cruda
narración de los esfuerzos de un hombre joven por autoeducarse y así escapar al
trato brutal al que le somete su padre, un pastor de Cerdeña. “Padre Padrone”
conmocionó al público y a la crítica, y ganó la Palma de Oro en el Festival de
Cannes a la mejor dirección.
Isabella Rossellini protagoniza su siguiente
película, “El prado” (1979), de cuya banda sonora se encargó Ennio Morricone.
Tres años después los Taviani estaban de
nuevo presentes en los Festivales con “La noche de San Lorenzo” (1982), una
visión muy personal de la invasión nazi, que fue de nuevo protagonizada por
Omero Antonutti, y que le proporcionó a los Taviani el Gran Premio del Jurado
de Cannes a la mejor dirección, y en Estados Unidos, el premio National Society
of Film Critics a la mejor película y dirección.
Siempre ahondando en los modos de narración,
dirigen “Kaos” (1984), cuatro historias más un epílogo ambientadas en la
Sicilia del siglo XIX. En ellas están mezclados los elementos cotidianos con un
acontecimiento mágico.
“Good Morning, Babilonia” (1987) se
convertiría en una de sus películas más sentimentales, traspasando su
entusiasmo a los dos protagonistas, dos hermanos italianos que viajan a
Hollywood y descubren el cine trabajando en los decorados de Intolerancia, de
Griffith.
La experiencia los devolvió a su cine de
siempre, aunque ampliando su abanico de actores. Julian Sands y Charlotte
Gainsboroug protagonizan “Sole anche di notte” (1990), la historia de un hombre
que se recluye en un monasterio cuando descubre que su prometida fue la amante
del rey.
Uno de sus proyectos más románticos fue “L'Affinità
elettive” (1996), basada en la novela de Goethe y protagonizada por Isabelle
Huppert y Jean-Hughes Anglade.
“Tu ridi” (1998) recupera de nuevo a Omero
Antonutti, su actor preferido.
Los Taviani, guionistas de todas sus
películas, poseen una claridad de ideas de la que pocos directores disponen.
Para poder rodar juntos del modo en que lo hacen, descargan la mayor parte de
su trabajo en los preparativos. Pero lo absolutamente indispensable es que
poseen los mismos intereses y, entre ellos, uno de los principales es la
reconstrucción de momentos históricos.
La obra de estos cineastas es digna de ser
revisada y revalorizada. No les ha sido fácil, en los últimos años, sortear los
riesgos que implica filmar aunando capitales y actores de distintas
procedencias. Sin embargo, en el año 2012 reciben dos de los más prestigiosos
galardones de cine en el mundo: El David de Donatello en Italia y el Oso de Oro
del Festival de Berlín por César debe morir (2011), su más reciente película.
REFERENCIAS
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